Hoy en día se realizan muchas superproducciones, algunas sin sustancia y otras a tener en cuenta. Aún así, puede que no haya ninguna tan grande como lo fue en su día "Lo que el viento se llevó". Una película convertida en leyenda del cine, que revisándola hoy en día sigue manteniendo frescura. Difícil de igualar. La película grabada en 1939 (un muy buen año cinematográfico) y en un impresionante tecnicolor estuvo rodeada de polémica y todo Hollywood estaba pendiente de su rodaje. A partir de el estreno de "Lo que el viento se llevó" descendieron las producciones de cine en blanco y negro.
Basada en la novela homónima de Margarett Mitchell, todas las actrices querían convertirse en Scarlett O'Hara y encontrar a su Rhett Butler. El productor David O. Selznick tardó unos dos años en encontrar a la actriz que reuniera todas las cualidades que él buscaba, quería a la perfecta Scarlett ya que estaba segurísimo de que su película iba a convertirse en un clásico. Al casting se presentaron grandes actrices como Barbara Stanwyck, Joan Crawford o Katherine Hepburn. Pero el papel recalaría en una joven británica, Vivien Leigh. Decisión que al parecer no gustó mucho a los americanos, pero que resulto ser perfecta.
La película tuvo varios cambios de director, entre ellos estuvieron George Cukor y Victor Fleming. Este último es el que aparece como director en los créditos. Se puede decir que más que de director es una película de productor (como la mayoría entonces), David O. Selznick fue el verdadero artífice de la monumental película. O. Selznick, para bien o para mal, manejaba todos los hilos de la producción. Es una de las películas más taquilleras de la historia del cine, tiene una duración cercana a las 4 horas y fue la película más cara rodada hasta entonces.
Tiene muchas escenas míticas, muchas frases para el recuerdo, y un final redondo. Me gusta el carácter chulesco de Rhett Butler frente a la vida y la evolución de su personaje de cara a convertirse en alguien más humano, y me gusta el final agridulce de la película. Aunque Rhett y Scarlett hayan terminado para siempre con un casi censurado "Frankly my dear, I don't give a damn", Scarlett responde optimista con un "After all, tomorrow is another day"
El musical es un género que suele dividir las opiniones del espectador: o te gusta, o lo odias (siempre con excepciones). El género fue uno de los más preciados en el Hollywood clásico, ya que, una vez establecido el sonoro en los grandes estudios, la mejor manera de sacarle partido fue el género musical. Los estudios no duraron en explotar las cualidades musicales de sus estrellas.
Fred Astaire y Ginger Rogers formaron una de las parejas más adorable y conocida al final de la década de los años 30. Los musicales 'Sombrero de copa' y 'Calle 42' se convirtieron en los primeros grandes éxitos. A finales de la década de los 40 apareció la figura de Gene Kelly que dominaría el cine musical de comienzos de los 50 ('Cantando bajo la lluvia', 'Un americano en París', 'Brigadoon'). A mediado de la década de los 50 el género dejó de captar la atención del público, buena parte de la culpa la tuvo la televisión.
Los musicales clásicos buscaban la espectacularidad en las coreografías, el público esperaba el momento en el que los protagonistas se pusiesen a bailar en los enormes escenarios. La mayoría de los musicales clásicos los grababan en estudios, con planos muy abiertos y largos, cercanos al plano secuencia: poco montaje para apreciar el baile en todo su esplendor. Los "reyes" del género fueron Fred Astaire y Gene Kelly, siempre existirá rivalidad entre ellos, ¿quién era mejor? Ambos eran buenos, porque eran distintos. Gene Kelly era un bailarín más atleta, que mezclaba pasos modernos con elementos de danza clásica; mientras que Fred Astaire era el reflejo de la elegancia al bailar. Los dos intentaban, ante todo, ser originales y creativos; por eso hemos visto a Fred Astaire bailando por los techos en 'Bodas reales' o a Gene Kelly bailando contra su reflejo en 'Las modelos'. La grandeza de las coreografías del musical, la expresividad de los pasos o la espectacularidad de los escenarios creados en los estudios, se puede apreciar, por ejemplo, en la película de Vincente Minnelli 'Un americano en París'.
Aunque la producción de los musicales disminuyó considerablemente tras la aparición de la televisión, es un género que nunca ha llegado a desaparecer del todo. En la década de los 60 se realizaron varias producciones indispensables para la evolución del género como 'My Fair Lady', 'Sonrisas y lágrimas', 'Funny Girl', 'Hello Dolly' o 'West Side Story'. El musical clásico contaba y "cantaba" historias de amor, historias amables y mayormente alegres, hasta que a mediados de la década de los sesenta el género empezó a cambiar, a actualizarse , apostando por el drama en las historias como en 'West Side Story', que supuso un punto de inflexión en el género. A partir de los 70 películas como 'Cabaret', 'New York, New York' o 'Hair' demostraron que en el musical había lugar para el drama, y en los que sin descuidar las coreografías, la voz empezó a ser lo verdaderamente importante.
Eso sí, el estilo musical más hollywoodiense, más clásico y alegre, seguía teniendo fuerza, ya que en 1978 se estrenó uno de los mayores éxitos del género, y un musical menos inocente de lo que puede parecer a primera vista, que convirtió a John Travolta en ídolo de todas las adolescentes: 'Grease'. Y en esa misma década se estrenó también el extravagante musical de culto 'The Rocky Horror Picture Show'.
A partir de los 70 el bajón de las producciones musicales fue más significativo. Ya en el 2001 el musical cinematográfico renació gracias a Moulin Rouge! Un musical con un estética distinta, en la que voz y espectaculares coreografías se complementan, o mejor dicho en la los códigos teatrales y los cinematográficos han "aprendido a llevarse bien".
También es cierto que el nacimiento de los videoclips ha influido mucho en el planteamiento de muchas escenas de los musicales cinematográficos, cómo es el caso de 'Across the Universe', hay otros en el que más que musicales, son películas sobre la música y su poder en sí, como en 'Once'. El musical está viviendo un momento dulce en el teatro, las producciones cada vez tienen más calidad y son más espectaculares (también en el teatro musical han sabido incorporar de manera eficiente códigos y elementos más propios del cine). Hollywood poco a poco va adaptando los grandes clásicos de Broadway a la pantalla grande, con mayor o menor acierto, por ejemplo 'El fantasma de la ópera', la fallida 'Nine', la alegre 'Mamma Mia'! o 'Les Miserables' que se estrena a finales de 2012 y que, la verdad, tiene buena pinta.
Se suele decir que todo director deja huella de su vida en cada trabajo que hace. Que en ocasiones usan la película para expresar lo que realmente sienten, piensan y/o para justificar o defender una acción. Eso es lo que hizo Elia Kazan.
Director entre otras de 'Un tranvía llamado deseo'y 'Al este del edén'; Kazan fue el protagonista o por lo menos el más mediático de la llamada Caza de Brujas hollywoodiense. Kazan era comunista y testificó y dio nombres de compañeros suyos frente al Comité de Actividades Antiamericanas dirigido por el senador Joseph McCarthy. El movimiento duró hasta los años 50, donde empezó a perder fuerza. Desde su declaración, Kazan se convirtió en el chivato oficial de Hollywood. Muchos técnicos, guionistas... fueron metidos en las listas negras y no pudieron encontrar trabajo durante el periodo que duró la "caza".
Bueno a lo que iba, que mejor manera de expresar tus sentimientos y conflictos que mediante el arte. Kazan, usando de "alter ego" a Marlon Brando en "La ley del silencio" (1954) intentó defenderse de las críticas y a la vez justificar sus hechos. El protagonista es Terry Malloy (Brando), este es participe del chantaje que constantemente se realizaba en los muelles de Nueva York (la película esta basada en unos artículos que hablaban sobre esos chantajes). Terry Malloy conoce todo el trapicheo de las mafias, y un día, convencido por su nuevo entorno testificará ante un tribunal. La acción causó rechazo entre sus compañeros en el muelle. Una gran película, muy recomendable, que habla de traiciones. Malloy como dicen se encuentra en "un conflicto de lealtades". ¿Qué es lo que debe hacer?¿Está bien lo que hace?
Elia Kazan usó la película para justificarse y defenderse, como ya he dicho antes, de las críticas recibidas por sus acciones y chivatazos frente al comité de McCarthy. Mostrando que no es fácil ponerte de un lado o del otro, cuando estás presionado por todos y hay muchas cosas en juego. Tomar una decisión es difícil, que sea la acertada también. Elia Kazan, se equivocó al delatar a sus compañeros. Y con la película, más que perdón, buscó comprensión.
Pero, ¿acaso las críticas realizadas a Kazan no tendrían que estar dirigidas y/o limitadas a su trabajo cinematográfico? Kazan fue un gran director, y por eso debería ser recordado.
Expiación es una gran película de Joe Wright basada en la novela homónima escrita por Ian McEwan. Los protagonistas son Cecilia (Keira Knightley), su hermana Briony (Saoirse Ronan) y Robbie (James McAvoy). La novela me gustó muchísimo en su día, relata las acciones desde distintos puntos de vista de los personajes. De alguna manera, todas las personas tienen que defender su verdad, y la elección de McEwan es la mejor manera para plasmarlo. Al principio de la película Wright refleja a la perfección la propuesta de McEwan. En la historia, se nos mostrará la verdad según Briony. Una buena adaptación cinematográfica.
El eje de la película es Briony. Personaje muy manipulador. Escribe un libro basándose en sus propias vivencias, funciona como narradora de la película (relata los hechos a la policía, a los televidentes, a los lectores, al propio espectador...), por eso veremos su verdad. Celosa de su hermana Cecilia, Briony acusa a Robbie de violación. Manipulando los hechos consigue que detengan a Robbie. De tal manera que logra su objetivo, separar a Robbie y Cecilia. Briony pone muros a una apasionada historia de amor. Historia que parece estar sentenciada desde el principio. Al final de la narración, una anciana Briony admite haber dado a Robbie y a Cecilia el final que merecían, por lo menos sobre el papel. Un final muy lejano a lo que en realidad ocurrió. El cierre que ofrece Briony es el que a todos nos gustaría ver y que ocurriese. El final que todo espectador desea. El que Briony desea, el que le libraría de su pesar.
Aviso: spoilers. Lo dicho, admite haber manipulado la realidad, a la vez que al espectador. El espectador desconoce que lo que está viendo no es lo que ocurrió. Que la historia entre Robbie y Cecilia se limita a dos o tres encuentros. Y que acaba, con la despedida en el autobús. La historia de amor es trágica desde un principio, una película triste en general; ya que Briony, celosa consigue separar lo que la guerra acabará enterrando. Una historia que va de la luz hacía la oscuridad. Una película que, en mi opinión, muestra que la realidad es diferente según los ojos que la miren. Y que uno acaba pagando por el mal que hace.
La puesta en escena, la ambientación, las interpretaciones, el montaje... muchos elementos hacen de "Expiación" una buena película. Hay un plano secuencia magistral, donde sin palabras enseña el horror de la guerra: "Elegy for Dunkirk"
Mención aparte para la banda sonora de Dario Marianelli, merecedora ganadora del Oscar, en la cual usa la máquina de escribir como un instrumento más. Me parece una elección curiosa y perfecta, ya que de cierto modo, una carta escrita por Robbie a máquina es la causante de todo.
Parece ser que el director de Alien y Gladiator, entre otras, ha firmado para realizar otra película de su Blade Runner. Todavía falta confirmar si será una precuela o una secuela. La película protagonizada por Harrison Ford se estrenó en 1982. Pero el director, descontento con el resultado y las imposiciones de la productora, decidió realizar algunos cambios y reestrenaron la película en 1992, con el reclamo del "Director's cut". Está considerada una obra maestra de la ciencia-ficción, aunque la historia tiene también mucho de cine negro. Ridley Scott suprimió la voz en off de Rick Deckard en la versión de 1992; descarto el "happy ending" y añadió la más que comentada escena onírica del unicornio. Está escena da pie a la discusión sobre si Rick en realidad es un Replicante o no. Ya que Gaff, uno de los inspectores, parece "conocer lo que Rick piensa" de antemano. También los androides tienen un brillo en los ojos que en ocasiones se aprecia en los ojos de Deckard. Lo dicho, eterna discusión.
Blade Runner está basada en la novela de Philip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?". Si no recuerdo mal Ridley Scott cambió nombres a los personajes, y también el lugar de la acción sustituyendo San Francisco, por Los Angeles. El mundo que crea Ridley Scott en la película es visualmente espectacular. Y la banda sonora de Vangelis es perfecta. Los Angeles se ha convertido en una especie de basurero, lleno de publicidad, donde siempre es de noche y llueve constantemente. Si alguien iba a hacer alguna precuela/secuela de Blade Runner, nadie lo va a hacer mejor que Ridley Scott. Puede que la nueva película aclare las dudas entorno a Rick Deckard, y zanje la discusión de una vez por todas.
Dirigida por Elia Kazan, 'Al este del edén' es mi película favorita de la corta filmografía de James Dean. El joven y carismático actor (una de las personas más fotogénicas que ha existido), murió a los 24 años de edad a causa de un accidente de coche. Uno de los mitos más presentes de Hollywood. James Dean sólo protagonizó 3 largometrajes ('Al este del edén', 'Rebelde sin causa' y 'Gigante`), pero no llegó a ver ninguno estrenado en la gran pantalla. De alguna manera, James Dean, me fascina.
Al este del edén es una muy buena película del director Elia Kazan, en la que vemos la historia de dos hermanos enfrentados. Por una parte tenemos a Carl (Caín), rol que interpretó James Dean, y por otra a Aron (Abel). Carl siempre ha sentido envidia de su hermano, y ha hecho todo lo posible para conseguir la aceptación y el amor de su padre, siempre quiso que su padre le viese con los mismos ojos que veía a Aron. Carl nunca se ha sentido querido, y está perdido en el mundo que le rodea. Vive atormentado. Necesita saber quién es. Intentará conseguir el respeto y amor de su padre de todas las maneras posibles hasta el final. Necesita liberarse de su pesar. La cosa se complicará aún más cuando Carl descubre que su madre sigue viva. La felicidad y realización de Carl dependerá de su padre. Con su perdón, se sentirá libre de toda carga que le rodea.
Para mostrar la tensa relación entre padre e hijo Elia Kazan escoge usar planos algo aberrantes o inclinados y balanceos de la cámara. La cámara no encontrará "estabilidad" entre padre e hijo, hasta que arreglen sus diferencias. Hay varias escenas que muestran está tensión entre padre e hijo y en las que podemos ver como la realidad que nos muestra Elia Kazan está "torcida". He escogido esta: "I don't wanna any kind of love anymore"
En los momentos tensos entre Carl y su padre los planos están ligeramente torcidos:
Tras el estreno de "El origen del Planeta de los Simios", el nombre de Andy Serkis está sonando por todas partes. En ella interpreta, mediante el uso de la tecnología para capturar el movimiento, a César, el simio protagonista. Dicen que los actores tienen que tener mil caras, Andy Serkis tiene las más variopintas. Es uno de los actores más desconocidos de cara al público, pero a la vez ha interpretado a los personajes más famosos del cine. Ha sido King Kong en la película de Peter Jackson, y será el Capitan Haddock en "Tintin", película de animación dirigida por Steven Spielberg, con estreno previsto, segun IMDB, para el 28 de octubre.
Su rol más conocido es el de Gollum, de la trilogía de "El señor de los anillos". Su vestuario habitual son los sensores. Sus personajes consiguen una expresividad impresionante, incluso superando la de algunos compañeros de rodaje. Y eso no se consigue solo con la tecnología, no es suficiente. Es necesario alguien con la capacidad de observación de Serkis para que todos sus movimientos parezcan naturales, y ese objeto animado que vemos ante nuestros ojos parezca lo más "humano y real" posible.
El debate que ha surgido tras el estreno de la película ha sido este: ¿Merece el Oscar? Seguramente lo merezca más que otros actores que lo han ganado. Su trabajo es más importante y duro de lo que muchos creen. Pero pienso que este debate es mera estrategia de publicidad de la película "El origen del planeta de los simios". Nadie pone en duda el buen hacer de Serkis. Merece todo reconocimiento. Y si al final, le nominan al Oscar; sin duda alguna, será una más que merecida nominación. En este video se puede ver como interpretó a Gollum:
'Los puentes de Madison' es un gran drama romántico dirigido y protagonizado por Clint Eastwood (y uno de mis favoritos del género). Robert Kincaid (Clint Eastwood) es un fotógrafo que trabaja para la revista National Geographic. En su visita al condado de Madison conoce a Francesca (Meryl Streep) una madre de familia que vive tranquila pero atrapada en un modo de vida rutinario. Entre ellos surge una historia de amor imposible.
Hay dos escenas en esta película que adoro, ya que sin usar ni una palabra lo dicen todo. Ejemplos de buena dirección y de emoción. La primera de esas escenas es la escena de la cena. Una llamada de teléfono del marido mientras el fotógrafo escucha en la mesa. Francesca apoya su mano sobre el hombro de Robert. Robert coge de la mano a Francesca mientra sigue hablando por teléfono. A continuación suena "I see your face before me" y se dejan llevar. El uno frente al otro. No existe nada más. Delicadeza.
La segunda escena no puede ser otra que el momento del clímax, el final de la película. La escena del coche y la lluvia. Hay una crítica que me parece que resume de maravilla lo que expresan las dos escenas, dice así: "el silencio es la principal excusa. No hay acción, y sin embargo la pasión empapa la pantalla en cada palabra sin pronunciar, en cada mirada desviada".
Como sucede en la anterior escena, el clímax de la película también me parece un maravilloso ejemplo de buena dirección y uso de los recursos tanto visuales como sonoros. Y también del montaje. Francesca, empapada, espera dentro del coche a que llegue su marido. En ese momento aparece Robert. No hay palabras entre ellos, solo miradas que se cruzan. Es un momento clave para Francesca ya que tiene que tomar la decisión de dejar atrás todo lo que tenía y vivir la vida que, aparentemente, desea vivir. Francesca ha dedicado toda su vida a su marido e hijos y está atrapada en la rutina.
Rota de dolor, la constante lluvia refleja cómo se siente Francesa. La tensión entre los personajes es increíble y eso que ni siquiera comparten espacio. Con una sola mirada puedes entender lo que les pasa por la mente. Un trueno suena justo cuando el marido entra en el coche. Malo. Arrancan. Un semáforo.
Robert está en el coche de delante mientras Francesa observa. Francesca ve a Robert "encerrado" por la ventanilla de la furgoneta. Malo. Aunque deseemos que Francesa se baje del coche y corra hacia los brazos de Robert, Eastwood como director ya nos está diciendo que lo que Francesa desea es algo imposible, que está "fuera de su realidad o posibilidades". Ese plano "encerrado" puede simular un fotógrama, algo que no es real y que se aleja.
El marido de Francesca, nervioso, empieza a pitar para que Robert avence. Robert arrance y se aleja. Francesca ha perdido su oportunidad. Su marido cierra la ventana del coche desde la cual vemos alejarse a Robert, poniendo punto y final a su apasionada historia de amor. La puesta en escena está cuidadisíma, los detalles que se aprecian tras ver la escena en más de una ocasión... Pueden parecer rebuscado, pero son apreciaciones subjetivas.
'Los puentes de Madison' me parece una película tremenda. Eastwood un gran director. Meryl Streep ofrece una de las mejores interpretaciones de su carrera. No hay nada comparable a la mirada de Francesca viendo alejarse a Robert.
Ya he comentado que junto a 'El crepúsculo de los dioses' (1950), 'Cantando bajo la lluvia' (1952) es la película que mejor plasma el tránsito del cine mudo al sonoro. Mientras que la película de Wilder se centra más en los efectos que tuvo sobre una persona en particular; la película codirigida por Gene Kelly y Stanley Donen muestra el cambio que supuso en la industria y en las producciones la incorporación del sonido. También muestra el efecto que tuvo sobre algunos actores y actrices, por entonces estrellas del celuloide, que debido a sus "inapropiadas" voces y/o acentos, se vieron apartados del cine. Todo desde un punto de vista más cómico.
'Cantando bajo la lluvia' es una de mis películas favoritas. Gene Kelly, Donald O'Connor y Debbie Reynolds son el trío perfecto. Irradian simpatía y carisma por todos los lados. Los números musicales son increíbles, medidos a la perfección. Cine dentro del cine. El número de "Broadway Melody", el más extenso de la película, se puede considerar un cortometraje. En este vemos a un jovenzuelo (Gene Kelly) algo "despistado" intentar cumplir su sueño de triunfar en Hollywood. La incredulidad de la gente del cine al ver el primer vídeo sonoro. Las clases de dicción para los actores. El uso de micrófonos por primera vez. Independientemente de los números musicales es una gran película con un guión muy elaborado. Los números musicales, todos ellos, son geniales. Texto y música se complementan a la perfección. El musical más redondo que existe.
La mayoría de los temas de la película son temas "reciclados" del archivo musical de la MGM. Adaptados, con nuevos arreglos, ahora van unidos a la película, y es imposible separarlos de ella. El día de su estreno, la película no tuvo mayor relevancia, y pasó bastante desapercibida. Pero, el público y el tiempo la han puesto en el lugar que se merece (al igual que ocurrió con "Que bello es vivir" (1946) de Frank Capra): en lo más alto.
Es difícil elegir sólo un número o escena, yo voto por este: "Moses Supposes"
La película "Primos" del director español Daniel Sánchez Arévalo es una de mis últimas adquisiciones a mi colección de DVDs. Me enamoré de la película Azuloscurocasinegro (2006)cuando la emitieron una semana antes o así del estreno en cine de "Primos". Al ver que Quim Gutierrez, Raúl Arévalo y Antonio de la Torre repetirían con el director, me dije que tenía que verla. Sí o sí.
Un día escribí una crítica de la película en Filmaffinity, pero me apetece hablar de ella otra vez. La película está basada en el corto "Uno de los primos" del director; en la que ya veíamos a Quim Gutierrez en el papel de Diego. Un cortometraje bastante bueno.
En mi opinión las elecciones que va haciendo Sánchez Arévalo a la hora de grabar van marcando y diferenciando un estilo propio. Por ejemplo, planos fijos con voz en off (que en ocasiones no mantienen relación literal con lo que vemos), diversos planos en los que encierra a sus personajes mostrando así sus miedos (como la escena, rodada en travelling circular, en la que Paula le cuenta a Jorge que se ha quedado embarazada de la película Azuloscurocasinegro), planos en los que el entorno se encarga de separar lo que la historia y/0 el espectador quiere unir, planos que se alejan poco a poco de los protagonistas dejándolos solos...
El director ha comentado en alguna ocasión, que entre sus directores favoritos se encuentra Billy Wilder. Yo creo que la influencia del cine de Wilder es clara en sus películas, por ejemplo en el tratamiento de los personajes y el cuidado del guión, repetir actores... Daniel Sanchez Arevalo y sus actores "fetiches" forman un grupo perfecto. Ojala les veamos más veces juntos. Os dejo con un "puntazo" de la película Primos:
Billy Wilder consiguió un total de 5 Oscars con esta película. Está definida como comedia romántica, aunque yo la situaría más cerca de la tragicomedia. Es curioso que en 1960 hubiese directores que todavía apostasen por el blanco y negro y Billy Wilder fue uno de ellos. Para Billy Wilder Jack Lemmon era el actor que mejor representaba y/o encarnaba al tipo corriente, era su John Doe, es el perfecto C.C. Baxter. El personaje de Jack Lemmon es un trabajador más en una empresa que parece que le engulle. Un trabajador que a cambio de su dignidad, pasa de ser un número a tener un nombre en la puerta de una oficina, pasa de trabajar en el piso 19 a ascender hasta el piso 27. Un ascenso a un éxito ficticio y falso. La dignidad del perdedor.
Baxter tiene dos objetivos en la vida. Por una parte, desea ascender en el trabajo. Por otra parte, está enamorado de Fran Kubelik (Shirley MacLaine) una de las ascensoristas del edificio. A cambio de hacer unos favores, prestando su apartamento a sus superiores para sus affaires, consigue su ansiado ascenso. Billy Wilder realiza una crítica a la sociedad americana y al sistema capitalista. Muestra cómo se puede llegar a lo más alto a cambio de favores y no por méritos propios. Baxter recibe su primera lección por parte de su querida Kubelik, ya que le comenta en el ascensor que ella no desea ascender ya que hay otras personas que lo merecen más que ella. No es casualidad que trabaje como ascensorista y que ese sea el punto de encuentro de los dos personajes ya que la vida de Kubelik, como la de Baxter, está en un punto de subidas y bajadas, tanto laborales como emocionales.
Emocionado por su ascenso, le enseña Baxter le enseña a Fran su nuevo despacho y su nuevo sombrero estilo ejecutivo que acaba de comprar. Baxter es, parece, feliz. Fran le deja a Baxter su pequeño espejo para que se mire. Al ver que el espejo que encontró en su casa es el de Fran, la cara le cambia de golpe. El éxito es un objetivo efímero, que no le produce ni le conduce a la verdadera felicidad. Lo único que verdaderamente le importa es el amor. Lo único que le importa es Fran, y en ese instante parece comprender el dolor de la ascensorista. Y es que esa sencilla escena es suficiente para entender a dos personas que comparten un dolor, que sufren de desamor y que comparten soledad.
Por una parte, Baxter tiene el corazón roto al ver que Fran es la amante de su jefe. Por otra Fran muestra una tristeza inmensa al enterarse que Sheldrake solo está jugando con ella. Los espejos siempre han tenido un símbolismo importante en el cine y en este caso no iba a ser menos. Un imagen que muestra a Baxter partido en dos. Por un lado tenemos al Baxter ejecutivo, el Baxter de mentira. Por otro lado tenemos al Baxter real, el que aguanta el golpe lo mejor que puede.
Parece que Kubelik, deprimida, se ha dado por vencida. Pero Baxter la animará a seguir adelante. "¿Qué debo hacer?" le pregunta Kubelik a Baxter mientras juegan a las cartas, "Ganar esta mano o habrá perdido" le contesta él. Un breve diálogo sobre un partida, pero que refleja la situación real en la que se encuentra la ascensorista. Magnífico.
'El apartamento' transcurre en fechas navideñas y no es una fecha escogida al azar. Baxter y Kubelik tienen la oportunidad para empezar desde cero y para hacer válido el lema de "año nuevo, vida nueva". Un final en el que Kubelik, al darse cuenta de lo que significa la decisión que ha tomado Baxter Sheldrake, muestra la mayor de las sonrisas y en ese instante decide cambiar. Si Baxter puede hacerlo, ella también puede. Uno de los finales más tiernos de la historia del cine.
En su camino hacia el éxito, Baxter tiene dos principales consejeros. Uno es su vecino, el doctor, que anima a Baxter a que sea "todo un hombre" y por el otro tenemos a Sheldrake que le anima a ser "un hombre de éxito". Consejos en apariencia similar pero totalmente diferentes. Dos caminos, uno el de la dignidad y el otro el del éxito. Cada uno de ellos unido a una llave: la del apartamento y la del despacho. Baxter poco a poco se va dando cuenta de que se ha veniddo y de que se está dejando aprovechar por los demás la necesidad de lograr un éxito laborar que en realidad no le aporta ninguna satisfacción. Ese éxito le hace sentirse solo, no tiene ningún apoyo. Sus compañeros le siguen llamando "Buddy" (un apodo de colegueo pero que tiene un tono despectivo). Tiene que recuperar su dignidad, aprendiendo a decir que no para poder dejar de ser un perdedor.
Kubelik también es otra perdedora, que parece haberse dado por vencida ante el amor. Se conforma con ser el segundo plato de Sheldrake ya que este no está dispuesto a pedir el divorcio a su mujer. No se atreve. Su intento de suicidio supone un punto de inflexión tanto para ella como para Baxter. Baxter se da cuenta de que su verdadero objetivo es ayudar a Fran. Y decide no dar por perdida la partida que empezaron a jugar cuando ella estaba en reposo. 'El apartamento' está en el top 10 de mis películas favoritas, por no decir que es mi película favorita. Me parece una película perfecta, una comedia dramática con la que resulta fácil empatizar. Sus localizaciones, el uso de los espacios, sus diálogos... Una obra maestra.
"The Amazing Spiderman 2" ya tiene fecha de estreno... ¡y eso que aún no se ha estrenado la primera! Es sorprendente la capacidad de los productores americanos para "predecir" éxitos en masa. Con un casting renovado, con Andrew Garfield (La red social) como hombre araña, están dispuestos a reconquistar las taquillas (las tres películas anteriores, dirigidas por Sam Raimi y con Tobey Maguire como protagonista fueron un éxito, aunque de calidad cuestionable). Según he leído los fans están contentos, ya que parece ser más fiel al cómic en los pequeños detalles, y tener al fan contento, es éxito asegurado. ¡Sheldon Cooper iría a verla!
Puede que sea porqué la sociedad actual necesite un héroe, o porque es verano; pero las películas de superhéroes están en su momento de gloria. En estos momentos con "Linterna Verde" y "Capitán América" en cartel. En mi opinión la diferencia la marcó Christopher Nolan con "Batman Begins" y "El caballero oscuro". Batman pasó de ser un héroe de mofa, a convertirse en algo serio. Matthew Vaughn sorprendió con "Kick Ass" y después dio una lección de cine con "X-Men: First Class".
Se anuncian secuelas de "Thor", "Kick Ass" y "Lobezno" (esta me sobra), han mostrado las primeras imágenes de Henry Cavill (Los Tudor) como nuevo "Superman"; además está la ambiciosa "Los Vengadores" que reunirá en la gran pantalla a Thor, Hulk, Iron Man y Capitán América...
Ya quedaron atrás los héroes como John Wayne, Gary Cooper o Clint Eastwood. Es hora de linternas, escudos, martillos y telas de araña. No soy fan de cómics, pero últimamente se hacen buenas películas que agradan a público y a crítica. Tenemos superhéroes para rato. Para bien, o para mal.
Hay dos películas que plasman perfectamente los cambios que generó el paso del cine mudo al sonoro. Dos películas opuestas en tono, ya que una es un melodrama y la otra es una comedia musical. 'Cantando bajo la lluvia', considerada una de las películas más felices de la historia del cine, acerca el problema de forma divertida, hablando del doblaje y encontrando la comicidad en ese aspecto y en las primeras pruebas del uso del sonido en cine. La película que trato en esta entrada en cambio es más oscura. Trata de cómo hizo que una gran estrella quedará en el olvido. Como las palabras y el sonido ahogaron a una diva del cine, la magistral 'El crepúsculo de los dioses'.
Billy Wilder nos narra, usando como portavoz a Joe (William Holden), la historia de Norma Desmond (Gloria Swanson), una estrella del cine mudo que vive encerrada en su enorme mansión. Desde los primeros minutos sorprende el planteamiento de la historia, ya que el narrador está muerto. Es Joe quién narra los hechos que han tenido lugar, nos narra su propio asesinato. El asesinato de Joe resulta ser la excusa dramática para mostrar lo que verdaderamente importa y es el eje principal de la película: la decadencia de una estrella del cine mudo y su locura. Para que la película resulte más impactante aún, Billy Wilder recuperó para la gran pantalla a Gloria Swanson (inolvidable es su papel de Norma Desmond), Buster Keaton, Eric von Stroheim y Cecil B. De Mille, iconos de la época dorada del cine hollywoodiense y grandes nombres dentro de la Historia del cine.
Los diálogos y monólogos de la película son maravillosos. La película está llena de frases memorables, llenas de crítica y rencor hacía un cambio que supuso la ruina de muchos.
"Hubo un tiempo en el que tenían los ojos del mundo entero. Pero eso no era suficiente para ellos. Oh, no. Tenían que tener los oídos de todo el mundo. Así que abrieron sus bocazas y empezaron ¡a hablar, hablar, hablar!" - Norma Desmond.
En ese momento Norma Desmond demuestra su desagrado hacia el cine sonoro. También aleja de sí un microfóno que le golpea levemente la cabeza cuando entra en un estudio. Norma Desmond sueña y desea volver a rodar, volver al cine para complacer a sus "seguidores" que le siguen mandando cartas. Pone todas sus fuerzas en ello, contrara a Joe para que sea el guionista de su retorno. La presión le supera y enajena.
En el cine mudo todas las interpretaciones eran muy gestuales, exageradas incluso y los escenarios eran enormes, barrocos. Todo lo que rodea a Norma Desmond sigue ese patrón. Su interpretación es muy gestual, sus manos se mueven de forma hipnótica delante de la pantalla, todo favorece al melodrama.
Billy Wilder sabía como dar un buen cierre a sus películas y en está ocasión no iba a ser menos. El final de 'El crepúsculo de los dioses' es uno de los mejores rodados de la historia del cine. Todo lo que significa Norma Desmond se resume en esa escena. Ella, la diva, la gran estrella centro de todos los focos (de los periodistas), el mayordomo que le sigue el juego y le acompaña, sus pasos pausados, sus movimientos fluidos, esa manos que se acerca a la cámara, esa mirada totalmente perdida, la locura... que se desvanece delante de la cámara y del espectador. Una obra maestra del cine, y sobre el cine.
"Ya lo ve, esta es mi vida. Siempre lo ha sido. No hay nada más. Sólo nosotros, y las cámaras, y esa maravillosa gente ahí fuera, en la oscuridad. Muy bien, Mr. De Mille. Estoy lista para mi primer plano" - Norma Desmond.
Confirmado el "remake" de Dirty Dancing. ¿Es necesario? No. Aunque sea una película que me gusta, es de domingo por la tarde. Tiene una historia predecible desde el primer plano, y no será recordada por su "grandes" diálogos, tramas y/o interpretaciones. Pero al igual que "Pretty Woman", encandila a la audiencia.
Es una película de banda sonora; es decir, la gente la recuerda por el tema principal "I've had the time of my life" (lo mismo ocurre con Flashdance y su "What a feeling").
Entonces ... ¿Para qué hacer un remake? ¿Para que destrozar una banda sonora? ¿Por qué, seguramente, harán coreografías más espectaculares? ¡Si el lugar donde sucede la acción, es un sitio donde van a veranear jubilados!
No creo que el público este pidiendo un remake de Dirty Dancing, porque historias parecidas con música más actual ya existen, como las películas de "Step up", "Street Dance"... y "videoclips" por el estilo.
En fin, ahora solo faltan que confirmen a Zack Effron y a Hannah Montana como protagonistas para que el "remake" sea del todo insufrible. Os dejo con un track de la banda sonora: "Be my baby" by The Ronettes.
Con faldas y a lo loco ("Some like it hot") es una de las comedias más conocidas de Billy Wilder, y mejor valoradas de la historia del cine. Su éxito se encuentra en que sobrevive muy bien al paso del tiempo. Se estrenó en 1959 y todavía mantiene su frescura. Cada vez que la emiten en algún canal, no puedo evitarla verla entera.
Billy Wilder firmó junto a I.A.L Diamond un guión perfecto. Wilder sabía marcar el ritmo mediante el diálogo, sabía donde colocar las pausas. Ejemplo de ello es la siguiente escena. La escena original producía tales carcajadas en el público que impedían escuchar claramente el diálogo, cosa que disgustaba a el director. Wilder quería que el público escuchase todo lo que Jack Lemmon tenía que contar. Les parecía un diálogo tan bueno, que no permitiría que el público se perdiese ninguna palabra. ¿Cual fue la solución? Las maracas.
Jack Lemmon improvisa un baile y golpea las maracas cada vez que termina una frase. La decisión permitió que el público se riese a gusto y que no se perdiese ningún gag escrito por Wilder e I.A.L Diamond.
Como lo haría Wilder es un nuevo blog dedicado principalmente al séptimo arte y ocasionalmente a la música. Si tuviese que elegir un director de cine favorito, ese sería Billy Wilder.
Puede que formalmente no fuese el más atrevido o innovador, pero entendía a la perfección lo que el público quería y pedía en cada momento, sabía marcar perfectamente el ritmo de las escenas y creaba personajes memorables e identificables con el público. No dejaba la forma de lado, pero siempre puso más ganas en la narración.
Trabajó diferentes géneros y sus mayores éxitos los consiguió junto a sus dos mayores colaboradores, Charles Brackett e I.A.L. Diamond. Con ellos escribió los guiones de El crepúsculo de los dioses y Con faldas y a lo loco, entre otros. En este blog iremos desgranando poco a poco la obra de uno de los Maestros del Cine, sin dejar atrás las novedades del cine actual (críticas, novedades ...) y echando la vista atrás en otras ocasiones.
Se dice que Billy Wilder tenía colgado en su despacho un cartel con el lema "Hazlo como lo haría Lubitsch", pero ¿como lo haría Wilder?
