jueves, 15 de septiembre de 2011

Como no hacer un trailer: "Amanecer: Parte 1"

Hay películas que crean mucha expectación, sobre todo si tienen un público adolescente fanático; como es el caso de la Saga Crepúsculo. Cualquier acontecimiento relacionado con la saga teen de vampiros y hombres lobo se convierte en lo más comentado en internet.
Al igual que hicieron con "Harry Potter y las reliquias de la muerte", han decidido separar la última entrega literaria en dos partes. La primera se estrena el 18 de noviembre y la segunda se estrenará en noviembre del 2012. La separación está clara en el libro, la primera parte se centra en la boda, luna de miel y embarazo; y la segunda, en la "batalla final". ¿Se podía comprimir todo en una película sólo? Aunque fuese un poco larga, yo creo que sí. Eso si, todo sea por recaudar más dinero y prolongar lo máximo posible el fenómeno fan.
En "Amanecer: Parte 1", como ya he dicho, veremos la boda entre Bella y Edward, la luna de miel y el embarazo. La mayor incógnita está en como será el bebe y el parto.
La estrategia de marketing fue enseñar poco a poco detalles de la llegada al altar de Bella (sin enseñar el vestido completo, por supuesto). Empezaron a despertar el interés poco a poco. Más tarde publicaron un mini trailer, de menos de un minuto, donde se veían las mismas imágenes en movimiento, es decir, Bella llegando al altar. Otra vez. Hay que saber cuando cerrar el grifo.
Ahora se ha estrenado lo que parece ser el trailer definitivo de "Amanecer: Parte 1", y en mi opinión es un claro ejemplo de como no hacer un trailer.
No han sabido parar y practicamente todo lo que ocurre en la película lo enseñan. Todo. Han pasado de dar la información a cuenta gotas, ha darla a chorros, inundando al espectador (que tranquilamente podría ir a ver la segunda película sin perderse ninguna información "importante" solamente viendo este trailer). El trailer finaliza, con lo que será el final de la película. Eso sí, las fans seguro que están contentísimas al ver tanta información junta.


lunes, 12 de septiembre de 2011

Billy Wilder dijo...


"En realidad, yo quiero que la gente olvide en mis películas que ha habido una cámara y un director. Quiero que se olviden de que están viendo una pantalla. Tienen que creer que están con los personajes en la acción, en la misma habitación o en la misma calle"

Esta declaración explica, de cierto modo, la base de lo que fue el cine clásico americano. El cine en el que todo estaba a merced de la narración y donde la cámara tenía que ser un elemento que pasase lo más desapercibido posible. La historia era lo importante. El espectador era un elemento pasivo, se limitaba a mirar. Directores como Orson Welles apostaron por propuestas diferentes, más barrocas. Y desde Europa, ya en la época del cine mudo, había propuestas más arriesgadas como el montaje de Einsenstein. Pero, lo que predominó fue la estructura clásica.
A mediados del siglo XX volvieron a aparecer nuevas propuestas cinematográficas desde Europa. Las más fuertes y significativas fueron el neorrealismo italiano y la Nouvelle Vague francesa. Los directores de la "Nueva Ola" francesa desafiaron al espectador proponiendo un nuevo lenguaje cinematográfico. El director se convierte en un elemento fundamental y en una figura a reivindicar, serían los primeros en definir "el cine de autor". La cámara y el montaje se convierte en un elemento más expresivo que antes. Se toman decisiones más arriesgadas (en ocasiones incompresibles). Fueron los primeros directores cinéfilos. A diferencia del cine clásico, buscaban un espectador más activo, con más implicación intelectual aparte de emocional.
Los movimientos que surgieron en Europa fueron movimientos puntuales situados en un contexto específico. Tanto los neorrealistas italianos como la nueva ola francesa marcaron unos principios a seguir. Aún así, los dos movimientos perdieron fuerza con el tiempo.
Todos los movimientos han enriquecido la manera clásica de contar historias (que sigue siendo la que predomina). Montajes semánticos, iluminación expresionista, puestas en escena cada vez más cuidadas... Todo es cine y todo se complementa, todo evoluciona.
En general, pienso que hay que tener mucho cuidado al decidir hacer presente a la cámara en la historia, ya que es un elemento que mal usado, te puede hacer salir de la historia que te están contando en un instante.

jueves, 8 de septiembre de 2011

Bogart, el tierno hombre duro

Humphrey Bogart nació en 1899, siempre le hacían bromas diciéndole que era un hombre del siglo pasado. Convertido en un icono del cine clásico, fue el perfecto detective en el cine negro a la vez que un gran galán romántico.
La mayoría de veces interpretaba a personajes que guardaban algún secreto o que tenían alguna "herida abierta" que tenían que cerrar, personajes sufridores. Bogart tenía un extraño atractivo. Era un tierno hombre duro. Era el cine clásico.
En "Tener y no tener" conoció a la que se convertiría en su mujer hasta el día de su muerte: Lauren Bacall. Ella tenía 19 años y el 45. Tenían una química y complicidad en pantalla impresionante. Rodaron 4 películas juntos: "Tener y no tener", "La senda tenebrosa", "El sueño eterno" y "Cayo largo". Formaron una de las parejas más carismáticas del Hollywood clásico.
Al principio, dentro del Star System, los productores no sabían en que rol situar a Bogart. Funcionaba muy bien encarnando a detectives y/o delincuentes. Parecía que sus trabajos se limitarían al cine negro cuando el director Michael Curtiz le eligió para encarnar a Rick Blaine en "Casablanca", una elección que sorprendió a muchos. Desde entonces Bogart encarnó en más de una ocasión el rol de hombre duro con corazón (como en la película "Sabrina" de Billy Wilder).
El icono de Humphrey Bogart ha estado presente en la filmografía de los directores más cinéfilos. Por eso vemos como Jean Paul Belmondo se convierte en un moderno Bogart en la película de Jean Luc-Godard "Al final de la escapada" (1959) o como Woody Allen le pide consejos de seducción a un ficticio Bogart en "Sueños de un seductor" (1972)

miércoles, 7 de septiembre de 2011

'Casablanca' (1942) - El momento en el que las miradas se encuentran

La película 'Casablanca' es uno de los más grandes clásicos de la Historia del cine. Este año se celebra el 70 aniversario de su estreno y con preocupantes rumores de una posible secuela. Hay un momento en la película que particularmente me gusta mucho.

La película 'Casablanca' dirigida por Michael Curtiz tiene muchos momentos memorables. Como toda gran película, cada pequeño elemento de la misma ha sido destripado hasta la saciedad. Muchas frases para la historia, pero lo que me gusta de esta escena es que no dice nada a la vez que lo dice todo. Ilsa (Ingrid Bergman) le pide a Sam que toque una canción, que toque "As time goes by". Cuando suenan las primeras notas de la canción Ilsa se sumerge y se pierde en un recuerdo que, por el momento, desconocemos. Sabemos que esa canción oculta algo ya que no esta permitida en el "Rick's cafe". Rick Blaine (Humphrey Bogart) al escuchar la canción aparece enfadado.

Es en ese corto instante en el que las miradas de Rick e Ilsa se encuentran. Se para el tiempo unos segundos. Por un instante no hay palabras pero ya sabemos todo. Sabemos en que recuerdo esta sumergida Ilsa y que es lo que no quiere recordar Rick.

humphrey_bogart_ingrid_bergman_casablanca_miradas
Más tarde, cuando el bar ya está cerrado, Rick le pedirá a Sam que vuelva a tocar la canción. Todo esta oscuro, Blaine copa en mano espera. Recuerda París. Recuerda lo que no es capaz de olvidar. Una herida que no llegó a cerrarse. Cine clásico en estado puro.

martes, 6 de septiembre de 2011

Reestreno 'El rey león'(1994) en 3D, de lo mejor de Disney

Hay películas que te marcan de cierto modo, que se quedan fijas en tu memoria y que te acompañan siempre. Creo que nuestra generación (90's) tuvo la suerte de poder ver en el cine películas que pertenecen a lo mejor de la era Disney previo Pixar. De todas ellas "El rey león" es mi favorita. Al tema.

Está previsto el reestreno de "El rey león" en la gran pantalla, pero ahora en 3D. En Estados Unidos se estrena este mes y aquí llegará en Navidad (23 de diciembre). Hace no mucho hicieron lo mismo con "La bella y la bestia".

Las películas "musicales" de Disney tuvieron el monopolio de la animación durante muchísimos años. La banda sonora de esta, con canciones escritas por Elton John y Tim Rice y con la parte instrumental compuesta por el gran Hans Zimmer me pone los pelos de punta. Me hace viajar en el tiempo, a mi asiento de cine, donde estaba atónita, con un nudo en la garganta, observando la muerte de Mufasa. Es el poder de la música sobre el individuo. Pero, basta ya de cursiladas. Sigamos.



No me parece ni bien ni mal el reestreno de la película. Me parece que todo niño debería ver este "Hamlet" situado en la sábana africana. Pero también es cierto que es una mera excusa para seguir sacando dinero.
La fábrica de sueños que fue Disney, ahora va de la mano con Pixar. Hoy es Pixar quien domina la animación y colaborando con Disney ha hecho muy buenas películas ("Ratattouile", "Up" o la trilogía de "Toy Story"). Disney por separado ha probado diferentes caminos en la animación con un éxito moderado. Por una parte con películas como "Enredados" y por otra, intentando recuperar el encanto de la animación 2D, con "Tiara y el sapo".

Disney da paso a la "era de Pixar". Este ha conseguido poner la animación a la altura de cualquier ficción no animada. Películas que gustan tanto a niños como a adultos, y que juegan con las emociones más básicas, y en más de una ocasión con la nostalgia del espectador adulto.

lunes, 5 de septiembre de 2011

Cuando Harry encontró a Sally (1989) - La base de muchas comedias románticas

Rob Reiner dirigió una de las mejores comedias románticas del cine tomando como base la eterna discusión sobre la compatibilidad entre sexo y amistad.

Mientras Sally (Meg Ryan) piensa que es posible la amistad entre el hombre y la mujer, Harry (Billy Cristal) opina lo contrario. Se conocen en la universidad y se reencontrarán años más tarde en momentos críticos de sus relaciones sentimentales. Sally ha roto con su novio y Harry está divorciado. Se convertirán en amigos, en confidentes mutuos. Todo se complicará cuando una noche Harry va a consolar a Sally y acaban pasando la noche juntos.

Situada en la siempre efectiva Nueva York, tiene un guión muy bueno, cercano a trabajos de Woody Allen.
Lo más importante de el guión e interpretaciones de una película romántica es hacer creer al espectador que lo que está ocurriendo es posible, creíble y real (bueno, como en todos los géneros). Crear la ilusión de que te pueda pasar a ti. Me gusta por que es una película que usa un "te odio" para decir "te quiero".

"Cuando Harry encontró a Sally" se convertirá en el referente de muchas comedías románticas que vendrían después.

Peliculas recientes como 'Con derecho a roce' con Justin Timberlake y Mila Kunis; o 'Sin compromiso' con Asthon Kutcher y Natalie Portman  recuperan el debate que en su día abrió "Cuando Harry encontró a Sally" ¿Es posible la amistad entre un hombre y una mujer, y ser pareja a la vez?

jueves, 1 de septiembre de 2011

El expreso de medianoche (1978) - La historia de William Hayes

Con guión de Oliver Stone "El expreso de medianoche" narra la historia de William Hayes, un joven estadounidense detenido en Turquía por tráfico de drogas (uno de los delitos con mayor pena). Está basada en la autobiografía del propio Billy Hayes en la que contaba el horror vivido en una cárcel turca y como tras 5 años de retención logró escapar.

Como suele ocurrir en la mayoría de adaptaciones cinematográficas, tanto guionista como director se tomaron ciertas libertades a la hora de narrar la historia, inventándose algunos hechos. Supongo que a favor del dramatismo. El personaje más cruel de la trama siempre tiene que pagar por el mal causado, por lo menos ante las cámaras. Y de eso se encargaron en la versión cinematográfica.

Hayes pasó de cumplir una condena de 4 años a una cadena perpetua (30 años mínimo); el entorno que le rodea y las constantes torturas hacen que Billy enloquezca. El preso no pierde el instinto de supervivencia ni sus ganas de escapar aunque este enajenado, y aunque parezca que la palabra libertad no forme parte de su destino.

Hay 2 acciones en mi opinión que suponen un punto de inflexión para Hayes. Una relacionada con una acción y otra con un elemento técnico. Trasladado a las celdas donde se encuentran los presos con enfermedades mentales, los reos tienen una zona para andar en circulo en dirección a las agujas del reloj. Billy decidirá andar en dirección contraria a los demás (algo considerado irrespetuoso), a la vez que afirmará que el no es una "máquina estropeada". A esto le sumamos que en la parte técnica, tras recibir dinero de su familia y para mostrar que ha vuelto a la cordura, que ha decidido que es el momento de huir, el director le "regala" unos planos contra picados ensalzándolo. Su instinto de supervivencia renace.

el_expreso_de_medianoche_brad_davis_locuraEs una película muy dura, con buenas interpretaciones y algún desliz perdonable. La banda sonora es muy agobiante, la situación lo pide. Al principio y al final se mezclará con los latidos del corazón de Billy. Muy efectiva.