'J.Edgar' (2011) - "La información es poder"

Las dos últimas películas de Clint Eastwood ("Invictus" y "Más allá de la vida") me decepcionaron. No me llegaron como lo hicieron "Gran Torino" o "Million Dollar Baby". ¿Era el  momento para pensar en jubilarse? No. Eastwood como todo buen vaquero morirá con las botas puestas. Con 'J.Edgar' ha recuperado parte de su esencia.

J. Edgar Hoover fue el director del FBI durante más de 40 años, sobrevivió a 8 legislaturas. Aportó innovaciones tanto a organización como a los métodos de investigación; pero no le tembló el pulso a la hora de jugar sucio. Realizó escuchas ilegales, manipulaba, extorsionaba, amenazaba... y realizaba una copia de todo. "La información es poder" dicen en la película. J.Edgar Hoover la controlaba, toda. Hoover tenía la idea clara de que para "establecer el orden" en la sociedad, esta debe tener miedo. Luchó hasta sus últimos días contra los comunistas, quería encarcelar a todo el que no compartía sus ideas. Los gángsters no tenían que ser héroes, el FBI debía serlo.

Hoover es el narrador de la historia, de SU versión de la historia. La película gana enteros cuando Eastwood deja de lado al personaje y nos muestra a la persona. Conocemos a un hombre que desde pequeño ha estado muy protegido e influenciado por las creencias de su madre, a la que adora. Él siempre fue un niño ante los ojos de ella. Ejercía una enorme presión sobre su hijo. Cuando vemos a la persona, al ser humano que fue Hoover, nos encontramos con un individuo reprimido y que reprime. Sus mayores apoyos son su secretaría Helen Gandy y su mano derecha (y amor frustrado) Clyde Tonson.

La fotografía de la película es oscura como su protagonista principal. Hoover está sumergido entre sombras. Se mueve entre el bien y el mal, juega sucio creyendo hacer el bien. Un hombre que se mira y se enfrenta constantemente al espejo, donde ve el reflejo de alguien que no es.

Eastwood demuestra que tiene buena mano al contar la Historia de su país. Pero quizás le falte fuerza al mensaje u objetivo de la película. El planteamiento de cara al personaje es un poco confuso, puede que el director no quiera posicionarse demasiado, y prefiere que sea el espectador quién juzgue a Hoover.

El cuestionado maquillaje no me ha parecido tan horroroso. DiCaprio realiza un buen y duro trabajo, que se aprecia mejor cuando se libera de la prótesis.

'Blue Valentine' (2010) - Ryan Gosling y Michelle Williams, los altibajos de una relación

*Contiene spoilers

Michelle Williams y Ryan Gosling son los protagonistas de este drama. La película narra los altibajos de la relación entre Dean (Gosling) y Cindy (Williams). La pareja lleva seis años casada. Cuando se conocieron la atracción fue instantánea. Cindy estaba embarazada de otro, pero Dean lo acepta, no le importa, esta decidido a formar una familia junto a Cindy. Ella quiere ser  médico, pero es incapaz de curar sus heridas. Dean se esfuerza por mantener a la familia unida, lucha por ello, aunque en ocasiones se equivoque y actúe a la defensiva. Dean se siente culpable por no haber conseguido formar la familia que deseaba, pero luchará por recuperarla cuando parece que la batalla está perdida.

Lo que empieza como una relación cálida, termina congelándose, enfriándose ... el entorno se vuelve azul en la habitación de un hostal, "en la habitación del futuro". Una habitación que recrea un espacio ficticio, en el que los protagonistas se dan cuenta de que están viviendo una mentira, Cindy se da cuenta de que ya no siente lo mismo por Dean. En la película vemos como surgió el amor entre ellos, les vemos felices; pero también les vemos caer. La rutina les afecta, la culpabilidad les encierra, las dudas les distancian. No son felices. Les duele quererse.

Luces y sombras en una película en la que la complicidad entre Michelle Williams y Ryan Gosling es brutal. La película resulta cercana. Parte de ello se ve reflejado en la naturalidad que se nota en la mayoría de las escenas. Los personajes de Cindy y de Dean son complejos, repletos de dudas y de miedos. Recorremos un extenso rango de emociones junto a ellos. Las relaciones son complicadas, difíciles. Dolorosas. Y así lo vemos y lo sentimos en la película.

El montaje nos permite ver las dos caras de la moneda, la parte buena y la parte mala. La romántica y la dramática. La alegre y la triste. La cálida y la fría. Una película repleta de emociones, notable y recomendable.

84ª edición de Los Oscars - Nominados

Ya tenemos la lista de los nominados a los premios de la Academia Americana de cine.Con alguna  sorpresa que otra, ¿buena o mala?. Son nueve las películas que optan a llevarse el mayor galardón de la noche: 'La invención de Hugo' (Martin Scorsese), 'The Artist' (Michel Hazanavicius), 'War Horse' (Steven Spielberg), 'Moneyball' (Bennett Miller) 'Los descendientes' (Alexander Payne), 'Midnight in Paris' (Woody Allen), 'Criadas y señoras' (Tate Taylor), 'El árbol de la vida' (Terrence Malick) y la sorpresa 'Tan fuerte, tan cerca' (Stephen Daldry).

Y es que me ha sorprendido que se haya "colado" la película 'Tan fuerte, tan cerca' entre las candidatas. Vale, todavía no la he visto, pero las valoraciones que ha recibido por parte de la crítica americana no han sido demasiado buenas, en una página como 'Rotten Tomatoes' tiene un 48% de críticas a favor y algunos críticos la han incluido en sus listas de las peores películas del 2011. Su lugar, podría y debería haberlo ocupado 'Drive'. Una de las mejores propuestas del pasado año. 

Martin Scorsese lidera con 11 nominaciones por 'La invención de Hugo', le sigue de cerca 'The Artist' con 10. ¿Se portará bien la academia con Scorsese? ¿Hay una clara favorita? Esperemos que haya alguna buena sorpresa en la gala que se celebrará el 26 de febrero, y que volverá a presentar Billy Cristal. 

Listado completo de los candidatos: http://bit.ly/zB5dPt

'HACIA RUTAS SALVAJES' (Into the wild, 2007)

La felicidad no es real si no es compartida

Christopher McClandless (Emile Hirsch) es un joven que acaba de graduarse y que decide dejar atrá todo lo que le rodea, huir de la mentira en la que vive y que han construido sus padres. Odia la hipocresía de la sociedad y decide emprender un viaje en busca de su felicidad y realización. Para ello toma una decisión extrema, o arriesgada. Decide viajar a Alaska y vivir en la naturaleza. Sobrevivir sintiéndose libre. En el camino conoce a personajes interesantes y curiosos que enriquecen su viaje. De idea fija, Chris opta por no comprometerse con nada ni nadie, por eso se marcha antes de implicarse demasiado con los demás. Su único momento de flaqueza sucede tras volver a encontrarse con el personaje interpretado por Catherine Keener. Cabezota e idealista, influenciado por distintos textos que cita constantemente, el protagonista sigue su camino sin preocuparse de lo que va dejando atrás.

Sean Penn dirige esta historia inspirada en hechos reales. Un viaje solitario y duro en busca de la felicidad que concluye con la reflexión que da título a este post. Bajo el pseudónimo de Alexander Supertramp acompañamos a Chris en su viaje hacia Alaska, cruzando paisajes espectaculares y puros. Tarda dos años en conseguir su objetivo, vive en un furgoneta "hippie" que encuentra abandonada. Dos años para sentirse libre en la infinita Alaska y para conseguir la felicidad verdadera que el joven ansía encontrar. Para perderse en una naturaleza que le acaba atrapando.

'Hacía rutas salvajes' es una película que me gusta. Sean Penn tiene buen pulso con la cámara aunque en ocasiones abuse de los planos en cámara lenta. La fotografía de Eric Gautier es incréible. Los secundarios realizan un excelente trabajo, entre ellos encontramos a Marcia Gay Harden, William Hurt, Catherine Keener y Hal Holbrook. Y destacar, como no, la interpretación de Emile Hirsch, de gran exigencia física. La banda sonora es excelente. Laparte instrumental corre a cargo de Michael Brook y Kaki King; y las canciones están compuestas e interpretadas por Eddie Vedden, líder de la banda Pearl Jam.

Un viaje que merece la pena ver.

Los descendientes (2011) - Agridulce, como la vida

George Clooney encarna a Matt King en este drama con toques cómicos dirigido por Alexander Payne en el que muestra el toque agridulce que tiene la vida.

Matt (Clooney) es un abogado rodeado de papeles que tras el trágico accidente que ha sufrido su esposa decide replantearse la vida. Deberá afrontar nuevos retos. Todo lo que le rodea le supera, deberá mejorar su relación con sus dos hijas algo "rebeldes"; a parte de encargarse del papeleo de la venta de las propiedades de la familia King.

Payne nos cuenta una historia cotidiana y cercana, que consigue la empatia del espectador fácilmente. Una historia agridulce como la vida misma. Con un ritmo pausado pero correcto, vemos como el personaje de Clooney evoluciona, como va afrontando sus retos, dejando atrás su pasividad. Matt King era ajeno a los problemas que le rodeaban y poco a poco va convirtiéndose en un sujeto capaz de decidir y defender sus intereses, asumir sus errores, se enfrenta a su familia y ejerce la labor de padre. Va recibiendo golpes de los que se levanta con más fuerza (se entera de que su mujer le era infiel, y aguanta a un suegro que le culpa constantemente de tacaño y de la pobre vida que le ofrecía a su hija).

La interpretación de Clooney es convincente, profunda y humana. Tiene la mirada perdida como su personaje lo requiere; esta agotado, sin saber que camino escoger. La película realizada por Alexander Payne es buena, la historia resulta cercana ya que muestra situaciones que podrían ocurrir a cualquiera (el ritmo pausado le favorece en ese aspecto).

'Ninotchka' (1939) - Cuestión de sombreros

Ninotchka es una de las películas más loadas del sutil Ernst Lubistch. Está protagonizada por Greta Garbo y Melvyn Douglas. Es una comedia que contrapone los tópicos del comunismo y del capitalismo. Entretenida.

Tres camaradas rusos (Iranoff, Buljanoff y Kopalski) viajan a París con el objetivo de vender unas joyas para obtener dinero para su gobierno. Dichos camaradas se dejarán seducir por las comodidades de la sociedad capitalista y dejaran de lado su misión. Ante la incompetencia de estos personajes el Gobierno ruso enviará a Ninotchka para solucionar el problema.

Son varios los elementos que convierten a Ninotchka en una buena película. Por ejemplo, ver reír a Greta Garbo; o la cuestión del sombrero. ¿Cómo mostrar que Ninotchka ha caído en las tentaciones del capitalismo sin necesidad de palabras? Simple. Comprándose un sombrero que no le gustaba. Ninotchka cae en la trampa del capitalismo.

Los elementos que definen el estilo de Lubitsch como el constante entrar y salir de las habitaciones son evidentes. Pero, la película no me ha deslumbrado. Otros trabajos del director muestran de una manera más eficiente su arte para ocultar información. El espectador se convierte en parte de la historia y tiene que deducir lo que pasa "de puertas para dentro". Lubitsch suele ocultar acciones, pero en Ninotchka vemos casi todo. Por eso, aunque Ninotchka sea la película más conocida del director, me quedo con otras películas de su filmografía como "Angel" (1937) o "El bazar de las sorpresas" (1940).

Alien, el octavo pasajero (1979) - Una atmósfera agobiante

Siempre me ha dado un poco de miedo ver "Alien" ya que no soy demasiado aficionada a este tipo de películas. Pero por fin la he visto. La verdad es que la famosa escena del bichejo saliendo de la tripa de Kane (John Hurt) ha sido tantas veces "destripada" en la televisión que ha perdido el efecto de sorpresa. Eso sí, no es el único momento desagradable de la película de Ridley Scott.

"Alien, el octavo pasajero" es ejemplo de como crear una atmósfera agobiante, tensa; acorde a la situación de sus protagonistas y siguiendo una premisa simple: la nave Nostromo descubre una nave alienigena abandonada que contiene unos extraños huevos. Uno de ellos se abrirá y saldrá de él un parásito que infectará a Kane. Ese bichejo se convertirá en la pesadilla de la tripulación.

Un serio y genial ejemplo de terror y suspense. La buena mano del director está presente en distintos aspectos. El Alien no sale demasiado durante la película pero de cierto modo siempre esta presente. Cámara en mano el espectador se mueve por la Nostromo, sigue tembloroso a los personajes y se siente en su piel mediante planos subjetivos. El espacio esta cuidado y se intercalan espacios cerrados, oscuros y agobiantes con otros de gran profundidad de campo y luz.

La iluminación en la lucha final entre Ripley y el Alien es muy efectiva y el uso de elementos como el humo ayudan a crear tensión. Pero gran parte de dicha tensión que el espectador siente durante la película en parte es gracias a la banda sonora de Jerry Goldsmith. El compositor mezcla sonidos naturales y sintetizados para crear una sensación de agobio y suspense constante.

Con los elementos muy cuidados y con un buen manejo de cámara Ridley Scott creó una notable, adulta y efectiva película de suspense y terror, dando comienzo a una saga en la que participarían directores como James Cameron o David Fincher.

Contenido relacionado: 'Prometheus' (2012) - El origen de la vida

Scott Pilgrim vs The World (2010) - Un héroe de videojuego

Scott Pilgrim vs The World es una película en la que la infografía del cómic y el formato de videojuego se mezclan y funcionan con éxito. Dirigida por Edgar Wright está basada en el cómic/novela gráfica del mismo nombre dibujada por Bryan Lee O'Malley.

Scott Pilgrim (Michael Cera) deberá luchar contras las 7 ex-parejas de Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead) para poder salir con ella. Los novios forman "La liga" creada por el artífice de todo este lio, Gideon. No será tarea fácil ya que las ex-parejas de Ramona tienen poderes. Scott incrédulo no tendrá otra opción que aceptar el difícil reto.

La película mezcla música indie-punk con una estética poco usual y atractiva. Una estética que funciona sorprendentemente bien en esta película y con esta historia. Los exagerados golpes, la cámara lenta, la pantalla partida, los dibujos para ilustrar los flashbacks de Ramona ... Todo hace referencia a la estética del cómic y del videojuego. Scott Pilgrim contra el mundo es una comedia de acción, que en el doblaje pierde muchos de sus chistes. Hay que verla en versión original sin duda alguna.

Con un ritmo de montaje rápido, el director no da descanso al espectador. La película se convierte en un videojuego en el que Scott puede ser atacado en cualquier instante. Por otra parte, lo inverosímil de alguno de los villanos (el vegano por ejemplo) le dan ese toque 'freak' a la historia que tanto le favorece. Es una película entretenida, con Michael Cera en su rol de siempre, el de chico bueno y tierno al que se le complican las cosas, y bien secundado entre otros por Chris Evans, Anna Kendrick, Kieran Culkin o Jason Schwartzman. Scott Pilgrim es una propuesta novedosa una alternativa a Marvel o DC, efectiva y con un punto 'freak' que le favorece, y mucho.

'Nunca me abandones' (2010) - La vida con fecha de caducidad

Basada en la novela "Never let me go" de Kazuo Ishiguro, la película nos muestra un triste drama de ciencia ficción mezclado con romance. Kathy (Carey Mulligan), Tommy (Andrew Garfield) y Ruth (Keira Knightley) son tres niños que pasan su infancia internados en Hailsham. Han nacido con un objetivo y función. Son objetos de una sociedad acomodada que depende de ellos. Su destino está marcado.

Kathy, Tommy y Ruth han sido "criados" para ser donantes. Cuando alguien necesite un órgano allí estarán ellos para cedérselo, hasta que finalicen con su labor. Kathy es la narradora de la historia. Ella nos cuenta la vida que ha vivido junto a Ruth y Tommy. El amor, la soledad, la amistad, los celos, el peso del pasado... distintos son los temas que tratará el director Mark Romanek en está deprimente, triste y fría historia.

Kathy (Carey Mulligan), Ruth (Keira Knightley) y Tommy (Andrew Garfield)

La sociedad no les considera seres con alma. Son clones, objetos, ratas de laboratorio. La sociedad es fría frente a ellos, ignoran su existencia, permiten su sacrificio. Romanek mostrará a Kathy, Ruth y Tommy como seres con sentimientos humanos, que sufren, que están frustrados en un presente sin futuro alguno, un presente que pronto caducará.

Carey Mulligan (inmensa) es Kathy. Una chica tímida y dulce, con una mirada expresiva que refleja tanto tristeza como amor y comprensión (también me ha gustado la actriz que hace de Kathy de pequeña). Andrew Garfield destaca en su interpretación de Tommy, un chico inseguro y atormentado. Su personaje es inquieto y en sus gestos y expresiones parece mantener su inocencia. La tercera pieza del trío es Ruth, interpretada por Keira Knightley. Ruth es una chica caprichosa y celosa, dispuesta a fastidiar a su mejor amiga con tal de no quedarse sola. Sus actos del pasado se convertirán en una carga, de la que intentará librarse buscando el perdón.

Con un ritmo lento, colores apagados y buenas interpretaciones, Romanek nos traslada a un mundo en el que una sociedad fría está dispuesta a permitir atrocidades por 'sobrevivir', por su propio  interés. Los protagonistas tienen fecha de caducidad, son consciente de ello. Cualquier pequeña ilusión por cambiar su destino es rápidamente aplastada por la sociedad. Deprimente.  Recomendable.

'Once upon a time' (Serie) - Erase una vez un lugar llamado Storybrooke

Once upon a time es una nueva serie emitida en EE.UU por el canal ABC y que empieza a emitirse hoy en el canal AXN y próximamente en Antena 3. Es la última serie que ha conseguido engancharme.

La serie es original ya que tiene un planteamiento formal diferente y algo complejo, mezcla dos mundos, el real y el de fantasía cogiendo como referencia viejos cuentos de los Hermanos Grimm y haciendo claros guiños a las historias de Disney. Todo empieza en un lugar llamado Storybrooke.

Un inquieto niño llamado Henry sale de Storybrooke en busca de Emma Swan su madre biológica. El pequeño esta convencido de que ella es la clave para romper la maldición que pesa sobre el pueblo y sus habitantes.

Todos los habitantes de Storybrooke son personajes de cuentos pero ellos lo desconocen. Todos aparecen en el gran libro que tiene Henry, pero no le creen. Los habitantes no recuerdan como llegaron a Storybrooke, no saben cual es su pasado ni como llegaron a su situación actual. Viven su vida con total normalidad. El pequeño Henry está seguro de que Emma Swan es uno de esos personajes. Henry le cuenta que ella es la hija de Blancanieves y el Principe Encantador. Al principio se muestra ilusa, pero decide "seguir el juego". Emma es una mujer solitaria, incapaz de mostrar afecto por lo que le rodea ni de comprometerse, hasta que Henry aparece en su vida.

Es una serie en la que los buenos deben convertirse en héroes dignos de sus villanos. En cada capitulo conocemos un nuevo personaje de cuento, van añadiendo información que ayuda a entender mejor el día a día de Storybrooke. Mientras en la 'realidad' el tiempo avanza, en el mundo de fantástico vamos viajando hacía atrás conociendo a encantadores personajes y carismáticos villanos. Los flashbacks  nos van acercando al porqué de la maldición, al motivo de las ganas de venganza de la madrastra de Blancanieves y al secreto que fue la causa de todo. En el momento en el que Emma Swan entra en la ciudad, el tiempo empieza a correr. La maldición empieza a derrumbarse. 

Una serie que merece una oportunidad, que te va a enganchando capitulo tras capitulo. Diferente y entretenida. La primera temporada consta de 22 capítulos de 45 minutos cada uno. En Estados Unidos ha tenido buena aceptación por parte de crítica y público.

'CINEMA PARADISO' (Nuovo Cinema Paradiso, 1988)

'Cinema paradiso' es una de las películas más queridas de la historia del cine, por el homenaje que hace al séptimo arte, su memorable banda sonora y su emotivo final. La película empieza con el protagonista en su hogar, Salvatore, ya adulto y convertido en un exitoso realizador. Salvatore parece vivir una vida vacía, no parece estar feliz. Una noche recibe una llamada, "Alfredo ha muerto". La noticia le deja hundido. Tumbado en la cama sin poder dormir, empieza a recordar su infancia, cuando era feliz, allá por finales de los años 40. Época en la que la televisión no existía aún, en la que los habitantes de un pequeño pueblo italiano se reunían día tras día de forma casi rutinaria en el Cinema Paradiso para ver los últimos estrenos (películas neorrealistas como "La terra trema" de Visconti o superproducciones épicas como "Ulysses").

Alfredo es el proyeccionista del Cinema Paradiso, un hombre que ama su trabajo pero también sabe que implica cierto sacrificio, es un trabajo solitario. Salvatore, entonces más conocido como Toto, es un curioso niño al que le fascina el cine, cada fotograma y sobre todo el trabajo de Alfredo. Tras un incendio durante una proyección Alfredo se quedará ciego. Pese a su ceguera seguirá acudiendo todos los días al cine y con la ayuda de un joven Toto seguirá realizando su labor de proyeccionista. Compartirán conversaciones sobre cine, le explicará cómo funciona el proyector y le enseñara a usarlo, Alfredo usará diálogos de películas para dar consejos a Toto sobre la vida. Toto encuentra en Alfredo a un padre, a un amigo, a un confidente y a un mentor. 

Curiosos personajes secundan la historia de Toto como el cura censor que no está dispuesto a tolerar ningún beso en pantalla justificando que "eso en la vida real no ocurre" o el acomodador. La banda sonora de Ennio Morriconne es perfecta, sobre todo el track "Love theme".

Toto se irá del pueblo bajo el consejo de Alfredo ("Desde hoy ya no quiero oírte hablar, quiero oir hablar de ti") y no volverá hasta 30 años después. Tiempo en el que el cine ha perdido su capacidad de reunión, el Cinema Paradiso está a punto de ser derruido. La aparición de la televisión ha cambiado la manera de ver las películas. Una película en la que viajamos al feliz pasado de Salvatore. Amor,alegría, tristeza ... un emotivo final que te deja con una lágrima a medio caer mientras sonríes como una idiota (mi parte favorita de la película). Un final que une nostalgia con felicidad, y en la que reside gran parte del éxito de la película.

Toto durante una proyección

Hay dos versiones de la película, la original o 'el montaje del director' dura entorno a las dos horas y media, pero debido al poco éxito que tuvo está primera versión en Italia decidieron acortarla media hora. Cinema Paradiso es una película con muy buenas críticas tanto de público como de los mismo críticos. Ganó el Oscar a Mejor Película de Habla no inglesa.

'CENTAUROS DEL DESIERTO' (The Searchers, 1956)

La escena final de 'Centauros del desierto'

'Centauros del desierto' es la traducción libre del título de una de las mejores películas de John Ford, 'The Searchers'. Esta escena no es una crítica a la película en general, sino un comentario y breve análisis de su final y todo lo que significa.

El final de 'Centauros del desierto' es memorable, pero además es muy significativo y emotivo. Uno de esos finales que queda grabado en la memoria de los cinéfilos y cinéfilas. En esa escena, Ethan Edwards (John Wayne), dejando atrás la civilización vuelve (solo) al desierto, al lugar al que pertenece. Tras la derrota en la guerra de Secesión, Ethan vuelve agotado. Se entera de que su sobrina Debbie (Natalie Wood) ha sido secuestrada por los comanches y junto a Martin (Jeffrey Hunter), van en su búsqueda. La trama es una excusa para mostrar otros problemas más profundos de la sociedad.

La película tiene una forma cuidada y el final tiene un significado enorme. Ethan no acepta la nueva sociedad integrada y mestiza. Vuelve con su sobrina en brazos pero no se quedará en una sociedad en la que no hay sitio para él, por eso se aleja. Martin, mestizo, se convierte en el reflejo de lo que significa la nueva sociedad. Todos entran en la casa menos Ethan. Él se marcha y le cierran la puerta. Sus viejas ideas han sido enterradas y es el momento de dar un paso al frente. Ese paso lo dan todos salvo él. Todo esto John Ford lo plasma a la perfección en la escena final, sin necesidad de palabras.

Sherlock Holmes 2: Juego de sombras (2011) - Repitiendo esquema

Guy Ritchie vuelve a coger la batuta de director y nos ofrece la segunda entrega de lo que parece que va a ser una trilogía de aventuras junto al detective Sherlock Holmes y su inseparable Watson. La saga muestra la reinvención de los personajes creados por Arthur Conan Doyle (la primera novela del curioso detective se publicó en 1887), y toma de base el cómic dibujado por Lionel Wigram.

El director británico repite el esquema de la primera entrega con algún ligero cambio en la forma. Sherlock Holmes es el mejor detective del mundo en el arte de la deducción y en la película vemos como esa habilidad le convierte en casi un 'superhéroe'. Esta vez la acción se divide entre distintos países. Comienza en 1891, en un Londres industrial y sucio. Pero también viajaremos a Francia, Alemania y Suiza. La estética es uno de sus atractivos.

La película, al igual que su predecesora, tiene buenos cambios de ritmo, buenas secuencias de acción que en esta ocasión son más espectaculares (como la del tren en la que Holmes y Watson comparten una extraña "luna de miel" o la persecución en Alemania). El montaje rápido de planos cortos es uno de los elementos que definen el estilo de Ritchie como director. A la vez que son el mejor elemento para hacer referencia y darle forma de cómic a la historia. El uso de la cámara lenta mientras Holmes deduce los movimientos de su rival sigue funcionando.

Sherlock Holmes 2: Juego de sombras como ya he dicho, tiene un planteamiento similar a su predecesora. Pero, se puede apreciar un ligero tratamiento más cuidado en sus personajes. La trama del héroe y el villano me parece más solida e interesante. Sherlock Holmes encuentra a un rival de su altura. Se enfrentará al astuto Profesor Moriarty. Este último maneja la deducción al igual que Holmes, ambos son capaces de prever los movimientos del otro en una lucha de tu a tu en la que sus deducciones en voz en off se mezclan mientras tratan de descubrir quién saldrá vencedor (en la primera entrega Lord Blackwood, encarnado por el 'robaplanos' Mark Strong no estuvo mal, pero Moriarty es mejor, más inteligente y sólido).

Profesor Moriarty (Jared Harris)

Las persecuciones hacen que la película tenga ritmo, pero en contra, restan importancia a la trama o hace que te despistes de lo que está sucediendo. Tiente buenos 'gags' cómicos y nuevos personajes secundarios como Simza (Noomi Rapace) o el hermano de Holmes, Mycroft (Stephen Fry). Eso sí, sin duda alguna, el verdadero éxito y acierto de la película recae en el atractivo y carismático dúo protagonista: Robert Downey Jr y Jude Law. Funcionan, y muy bien.

La historia se hace algo larga, pero es entretenida. Tiene una buena banda sonora. En contra, echo en falta una apuesta más arriesgada, un cambio más radical en el planteamiento de la secuela. Un paso que la diferencie de la anterior y que no se limite a copiar y a desgastar el esquema que todavía funciona, pero todo tiene su limite.

Midnight in Paris (2011) - El carisma del pasado

Aviso, spoilers. Si París es la ciudad de la luz, Woody Allen lo ha sabido plasmar a la perfección en 'Midnight in Paris'. La película tiene una fotografía cuidada y preciosa con los colores un poco saturados que hacen que París se convierta en una ciudad viva. 'Midnight in Paris' tuvo un gran éxito de crítica y público. En EE.UU se convirtió en la película más taquillera de toda la filmografía de Allen, en el mundo recaudó un total de 85 millones de dólares. 'Midnight in Paris' es una película mágica, en la que en los primeros minutos Woody Allen se 'auto-homenajea' haciendo una referencia formal a su película 'Manhattan' (ambas comienzan de una manera similar). Se ha convertido en una de mis películas favoritas de Allen.

El protagonista de la película es Gil Pender (Owen Wilson), un guionista americano que cansado de escribir guiones para Hollywood ha escrito una novela que todavía no se ha atrevido a publicar. En París encuentra el lugar perfecto para dar rienda suelta a su imaginación, idea que su prometida Inez (Rachel McAdams) no comparte.

Un día, a medianoche, Gil se encuentra paseando sólo por las calles de París, cuando un coche antiguo se para frente a él. Ante la insistencia de los ocupantes del coche, Pender se anima y sube. En el viaje se encontrará con algo realmente increíble. Cada noche Gil repetirá su viaje al pasado, a su idolatrado París de los años 20. Se encontrará con Hemingway, Scott Fitzgerald y su mujer, con Dalí, con Buñuel, con Picasso, con Cole Porter... y con Adriana (Marion Cotillard) de la cual se enamorará.

Pender defiende la idea de que cualquier tiempo pasado fue mejor, Adriana comparte esa idea. Ella que forma parte del París de los años 20 que adora Pender; cree firmemente que la verdadera época dorada se encuentra mucho antes, en la "Belle époque" parisina.

Owen Wilson se convierte esta vez en el 'alter ego' de Woody Allen. La novela que está escribiendo trata sobre una tienda de Nostalgia. Gil está perdido en su presente, está aburrido de su trabajo y está empezando a tener dudas sobre su futuro con Inez. Le encantaría haber nacido en otra época. Woody Allen deja claro mediante su inspirado guión que "la nostalgia es negación. Negación del doloroso presente" y añade que "la nostalgia es una noción de que un periodo de tiempo diferente, es mejor que el que estamos viviendo. Es un fallo en la imaginación romántica de esas personas, que encuentran difícil lidiar con el presente".

Ese es el problema que le impide actuar a Gil Pender. Está encantado (quién no lo estaría ...) con sus viajes al pasado, con las fiestas celebradas junto a grandes iconos de la escritura, pintura, arte y/o cine. Pero se dará cuenta de que eso no le llena, que para convertirse en un buen escritor y para encontrar su lugar en el mundo, deberá dejar de lado su obsesión por el pasado y empezar a vivir su presente.

Adriana y Gil paseando cerca del Senna.

Eternal sunshine of spotless mind (2004) - ¿Borrarías algún recuerdo?

"Puedes borrar a una persona de tu mente. Sacarla de tu corazón es otra historia"

Si en 'Origen' hacemos un viaje rodeado de acción al mundo de los sueños, en Eternal Sunshine of Spotless mind o lo que es lo mismo 'Eterno resplandor de una mente inmaculada' pero más conocida como ¡Olvídate de mi! (ahí queda eso), nos sumergimos en el mundo de los recuerdos.

La película es original, pero algo confusa. Empieza con una 'intro' en la que vemos cómo se conocen Clementine (Kate Winslet) y Joel (Jim Carrey), todo parece ir bien hasta el momento en el que empiezan los créditos iniciales. Ya ha pasado cierto tiempo y las cosas entre Clementine y Joel parece no haber terminado bien. Tras enterarse de que Clementine le ha borrado de sus recuerdos, Joel decide hacer lo mismo. Decisión de la cual se arrepentirá.

En el proceso de eliminar sus recuerdos de Clementine se dará cuenta de que todavía la quiere, que le apasiona su manera impulsiva de ser, e incluso le gustan sus 'complicadas' elecciones de tinte.

Los recuerdos de cierto modo son elementos que nos definen. En la película conocemos detalles de la relación entre Joel y Clementine mediante recuerdos que se van desvaneciendo, derrumbando, desenfocando... Los recuerdos se convierten en elementos borrosos hasta que desaparecen del todo de la mente de los protagonistas. Pero como dice la frase del principio, aunque borres a una persona, sacarla de tu corazón es más complicado. La escena del principio se recupera al final y nos ayuda a entender algo mejor las cosas. Joel y Clementine volvieron a encontrarse.

La manera en la que están representada los recuerdos al principio puede confundir, pero el director de la película (Michel Gondry) va repitiendo el esquema de manera que de forma 'rutinaria' el espectador va entendiendo el tránsito entre recuerdo y recuerdo (desenfoques, espacios que se derrumban...).

Spoiler. La clave de que volvieran a encontrarse se encuentra en la lucha de Joel para no olvidar del todo a Clementine de sus recuerdos, el objetivo de protegerla. Antes de que se esfume su último recuerdo, Clementine le susurra algo a Joel que parece decir "Montauk". Esa es la razón del impulso de Joel para coger otro tren, el tren que va a "Montauk", el tren donde tras borrarse los recuerdos Clementine y él volverán a encontrarse, donde decidirán volver a empezar de nuevo tras enterarse de que ambos hicieron lo mismo para olvidarse el uno del otro.

'ORIGEN' (Inception, 2010)

El trompo y teorías sobre el final de 'Origen'

'Origen' es una historia, algo liosa, que nos sumerge en el mundo de los sueños. Tras un segundo visionado tengo más claro el proceso y labor que cumple cada personaje. Eso sí, el final me sigue generando las mismas dudas, y puede que ese sea una de las mejores bazas que juega la película. 'Origen', dirigida por el idolatrado por muchos y odiado por otros Christopher Nolan mezcla ciencia-ficción, thriller e intriga con drama. 'Origen' es un entretenido viaje desde la realidad hacia los sueños y los recuerdos. El principal objetivo de la película es entretener, lograr que el espectador se sumerja en los distintos niveles y que piense y que se implique en lo que esta viendo. La película entra en la mente de los espectadores y espectadoras y lo mejor que se puede hacer es dejarse llevar.

Cobb (Leonardo DiCaprio) trabaja junto a su fiel equipo apropiándose de los secretos del subsconsciente de otras personas mientras estas duermen. Esta vez, su misión será algo diferente. Cobb y su equipo no tienen que robar una idea, en esta ocasión tienen que implantar una idea en el subsconciente de una persona.

Cobb es un personaje complejo y misterioso. Tiene una herida que no es capaz de cerrar. Cobb es incapaz de dejar atrás su pasado y aunque le duela, puede que el único modo de seguir adelante sea dejar atrás sus recuerdos. Se siente culpable de la muerte de Mal (Marion Cotillard), su esposa, y eso afecta directamente a su trabajo, llegando a poner en peligro a quien le rodea. En la película, según vamos traspasando las distintas capas de sueños, nos vamos metiendo en el profundo pasado de Cobb en la cárcel de sus recuerdos.

'Origen' es una película visualmente impresionante. Las escenas impactan como la del hotel en gravedad cero. La banda sonora de Zimmer ayuda a la historia y el track 'Time' se convierte en uno de los mejores leitmotiv que se han escuchando desde hace tiempo. Narrativamente complicada y tramposa, lo que plantea no es fácil de comprender a la primera. Y aunque los personajes expliquen en más de una ocasión en que trata la incepción, puede seguir siendo un concepto confuso (la reiteración de explicaciones es un clásico en el cine de Nolan). Cada vez que los personajes van profundizando en los sueños la capacidad de distinguir entre lo que es real y lo que es ficticio va disminuyendo.

'Origen' me parece una buena película de acción, con un reparto que ya forma parte de la familia Nolan por así decirlo. En la película podermos ver a Michael Caine, Tom Hardy, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ken Watanabe o Cillian Murphy. Todos los nombrados han participado en la trilogía de 'El caballero oscuro' dirigida por Nolan.

El trompo y el final

Hay películas en las que los pequeños detalles son suficientes para crear discusiones interminables. Ocurre con 'Blade Runner' de Ridley Scott. En la película de Scott son varios los elementos que nos generan dudas sobre si Rick Deckard es un replicante o no, como el plano del unicornio o el brillo en los ojos que se aprecia en varias ocasiones. En 'Origen' pasa algo similar. Nolan remata la película dejando al espectador con la duda sobre si Cobb ha vuelto a la realidad o por el contrario sigue soñando. Un elemento es suficiente para que surja tal duda: el trompo y su giro. ¿Se para o no se para?

La última escena es la clave. En la película Cobb nos cuenta como su mujer hacía girar el trompo (esa especie de peonza pequeña) para saber si se encuentra en un sueño o no. Si el giro del trompo para y el objeto cae, están en la realidad; si el trompo no deja de girar y no cae, se encuentran dentro de un sueño. En la última escena Cobb hace girar el trompo para comprobar si está en un sueño o en la realidad, pero sus hijos llaman su atención. Por fin les ha visto la cara que en su sueños era incapaz de recordar. Cobb se acerca a ellos mientras que el trompo sigue girando. En ese momento, Nolan opta por fundir a negro y poner punto y final a su película.

Si Cobb se encuentra en un sueño, el giro del trompo debería ser perfecto y no debería parar nunca. Si está en la realidad debería tambalearse y/o caerse. En el plano vemos como el trompo va parándose poco a poco y se tambalea, dando la impresión de que puede que termine cayendo. De ser así, Cobb está en la realidad.

Hay otra teoría bastante comentada que se centra en el anillo de Cobb: la teoría del anillo. Esta teoría es algo más complicada de apreciar. Se basa en lo siguiente: en los momentos en los que Cobb lleva el anillo de boda puesto está soñañdo. En los que va sin él, está en la realidad. La teoría del anillo resulta coherente pese a ser algo rebuscada. En la última escena Cobb no lleva el anillo, por lo que, Cobb está en la realidad.

"Lo fundamental es que Cobb no está mirando. Ya no le importa". Como no, si alguien debe explicar el final de la película ese es su director. La respuesta de Christopher Nolan no deja de ser ambigua. Cobb, puede que en el sueño o puede que en la realidad, ha logrado avanzar por fin. Como dice Nolan, lo demás ya no importa. Cobb ha dejado atrás el recuerdo de Mal que le atormentaba y ya no se siente culpable, se ha quitado esa carga. ¿Sueño o realidad? No importa, está con sus hijos que era lo que realmente deseaba.

Aunque gran parte de las discusiones apoyan la teoría de que Cobb está en la realidad la duda no llega a desaparecer del todo.