'Nader y Simin, una separación' (2011) - Crónica de una separación

Esta película es ejemplo de como hacer un guión con buenos personajes y un hilo narrativo bien estructurado. En la película no hay lugar para el descanso, recibimos constantemente nueva información y datos, que nos llevan a volver a interpretar lo visto hasta el momento. Merecido Oscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.

Cogiendo como base la separación de Nader y Simir conocemos algunos de los valores de la sociedad iraní, una sociedad que todavía vive bajo la presión de la religión y que reprime a la mujer (aunque no estoy segura de que el objetivo de la película sea completamente reivindicativo), y que también es una sociedad dónde hay clase alta y clase baja.

Nader y Simir forman una familia acomodada (ambos trabajan, viven una casa grande..). Simin (la mujer) quiere ir al extranjero ya que piensa que hay mejores oportunidades, Nader (su marido) no esta dispuesto a marcharse ya que tiene que ocuparse de su padre enfermo de Alzheimer. Incapaces de llegar a un acuerdo deciden separarse. Tras la marcha de Simin, Nader contrata a una mujer para que le ayude con la casa y con su padre. Una discusión pondrá patas arriba la rutina de Nader y su familia.

El espectador se convierte en el juez de esta separación, nuestra labor es juzgar a los personajes y decidir la verdad de cual de ellos creer. Para situarnos en el rol del juez, al inicio de la película se rompe o se traspasa la "cuarta pared"; Nader y Simin se dirigen y se justifican ante nosotros. Durante las distintas declaraciones nos vamos dando cuenta de que lo más importante es que el honor del individuo no salga herido, que no les llamen mentirosos en un lugar donde todos mienten. Una mentira dará pie a muchas otras convirtiendo la situación en incontrolable.

Como ocurre siempre en estos casos, los más afectados por la separación son los hijos, en este caso la hija de Nader y Simin. La distancia entre los familiares cada vez será mayor, y este distanciamiento se verá reflejado mediante paredes, puertas y ventanas. Comunicarse cada vez es más difícil, la confianza va desapareciendo...

"Nader and Simin, a separation" es una muy buena película en cuanto a forma y guión se refiere. Puede que parte del éxito de esta película iraní se encuentre en la universalidad de varios de los problemas que plantea (la vejez, la enfermedad, la separación, el paro...). Una joya.

'La invención de Hugo' (2011) - La magia de Méliès

Martin Scorsese dirige esta aventura ambientada en el París de los años 30. Un homenaje a los inicios del cine. Hugo Cabret es un niño que tras la muerte de su padre no le queda otra que vivir en la estación de tren de París. Hugo  trabaja dando cuerda a los grandes relojes de la estación sin que nadie lo sepa.

Su padre era relojero y le enseño todo sobre sus complejas maquinarias. Hugo Cabret está empeñado en arreglar un curioso robot que encontró su padre, viviendo así la mayor aventura de su vida. El joven Hugo tiene una teoría, si el mundo es una maquinaría en constante funcionamiento, es porque su esa maquinaría es perfecta, no sobra ninguna pieza. Todos tenemos una función para que esa maquinaría siga en funcionamiento, todos tenemos algo que decir en este mundo. Por eso, y para que toda pieza cumpla su función, Hugo Cabret se encargará de arreglar todas aquellas "maquinas" que estén rotas. 

La película comienza como una aventura y termina como un gran homenaje a los inicios del cine; haciendo referencia tanto a la parte documental con los hermanos Lumière; como a las primeras ficciones a cargo de George Méliès. No me lo esperaba, por lo que esa parte me ha sorprendido. 'La invención de Hugo' es una película bonita. Scorsese defiende el cine como una fábrica de sueños donde todo es posible, y que mejor ejemplo que la magia de George Méliès para demostrarlo. Por eso salgo del cine con la sensación de si el encanto de la película reside en la magia del cine de Méliès, o en la realización e historia de Scorsese. 

Durante la proyección en el cine hubo un pequeño detalle que me hizo algo de ilusión, escuchar a los niños que había en la sala reirse (y mucho) con Harold Lloyd, Keaton, Méliès y distintas imágenes de archivo. 

En el 2011 tres han sido las películas más loadas en las candidaturas ha distintos premios, y curiosamente las tres homenajean al pasado: 'Midnight in Paris', 'The Artist' y 'La invención de Hugo'. En la original y última joya de la filmografía de Woody Allen viajamos al Paris de los años 20 mediante la nostalgia de su protagonista. En 'La invención de Hugo' también viajamos a un colorido París, cercano a la fábula. Los franceses hicieron al revés, se acercaron a Hollywood, a los inicios del cine sonoro, realizando un bonito homenaje con 'The Artist'. En el 2011, 'The Artist' se ha salido vencedora, pero lo que verdaderamente ha triunfado ha sido el cine y sus orígenes. 

'War Horse' (2011) - La historia de un caballo llamado Joey

Está claro, hay caballos más expresivos que algunos actores (exagero, lo sé). Steven Spielberg nos cuenta en esta aventura épica, la historia de un caballo llamado Joey.

Una mañana cualquiera, el bonachón Ted Narracott compra un caballo en una subasta. Pese a la negativa de su mujer, deciden quedarse con el caballo. Albert, hijo de Ted, se encargará de "educar" a Joey. Cuando empieza la Primera Guerra Mundial, la familia Narracott decide vender a Joey, en ese momento Albert le hace una promesa a su caballo, hará todo lo posible para encontrarle. A partir de aquí acompañaremos a Joey en su viaje, y nos adentraremos en las entrañas de la guerra.

Steven Spielberg dirige una película de estilo clásico, una historia familiar que consigue emocionar fácilmente al espectador (la banda sonora de John Williams tiene parte de culpa). La fuerza de la historia reside en la historia del caballo, y la fuerza que tiene el animal en pantalla (siempre me ha parecido un animal muy cinematográfico). Los actores están correctos, sin destacar demasiado cumplen bien con su trabajo (entre los que se encuentran Benedict Cumberbatch y Tom Hiddleston); pero lo dicho, el protagonista el Joey. El director aleja al espectador de la violencia explícita, no tiene ninguna intención de posicionarse a favor o en contra de un bando. Su objetivo es mostrar que todavía hay sitio para algo de bondad en tiempos de guerra.

Si no me equivoco, en el libro el caballo es el narrador, y ese aspecto Spielberg no lo ha sabido llevar del todo bien a la gran pantalla. Para el espectador el protagonista puede ser Albert Narracott y no el caballo; por eso puede resultar confuso que a mitad del metraje la figura de Albert quede apartada. Como he dicho antes, 'War Horse' es una película clásica en muchos aspectos (iluminación, historia, montaje...), y ese clasicismo es lo que le ha ayudado a conseguir 6 candidaturas a los Oscars. La historia del valiente caballo llamado Joey no está ma, es bonita. No arriesga. Un buen entretenimiento, que podría haber ofrecido algo más.

'Shame' (2011) - El infierno de la adicción

Adicción. Adicción al sexo. Brandon (Michael Fassbender) aparentemente es un tipo corriente, tiene una buena posición social, pero está perdido, enfermo, sin poder escapar. ¿Cómo controlar lo que se ha convertido en incontrolable?

Steve McQueen lo ha vuelto a conseguir, me ha vuelto a emocionar. Ante una película como "Shame" no hay indiferencia posible. Es una película arriesgada, una historia y unos personajes que "golpean" al espectador. El trabajo de Fassbender es impresionante. Me parece normal y lógico que la mayoría de los directores quieran trabajar con él, está monopolizando el panorama actoral.

McQueen nos presenta a Brandon como una persona perdida. Brandon es un hombre que ronda los treinta incapaz de comprometerse, es impotente de cara al compromiso. Aunque parece un tipo simpático, sólo ve a las mujeres, como objetos. Brandon asume su adicción, piensa que no es una persona "normal", que es alguien que merece ser apartado de la sociedad (Fassbender aparece muchas veces a un lado del plano, apartado de los demás, pocas veces en medio, como en el plano de arriba). La llegada de su hermana Sissi (Carey Mulligan) afectará a su rutina. Brandon se avergüenza de su adicción, se siente observado, se siente como un ser horrible. Brandon encuentra en la pornografía su modo de canalizar su soledad. Y es que al fin al cabo, Brandon, está solo.

El director nos enseña en 'Shame' personajes que están perdidos. Después de ver 'Hunger' decidí seguir la trayectoria de McQueen, y en 'Shame' se mantiene fiel a su estilo: escenas bien construidas, algunas que tienen como objetivo incomodar, conversaciones en plano secuencia... 

'Shame' es una película llena de detalles y de elaboradas escenas. Vemos momentos de gran intensidad dramática. Por ejemplo, el momento en el que a Fassbender se le escapan unas lágrimas al escuchar cantar a su hermana 'New York, New York'; la escena del metro en la que los gestos y miradas son suficientes para enseñar el juego de seducción entre dos personas (hay que estar muy atentos a esta escena); el sin vivir de Brandon mientras su hermana está con su jefe en la habitación... En ese momento la adicción le pide que les escuche, que les mire. Brutal. Ni Brandon ni Sissi son capaces de hacer frente a sus problemas, se encierran, les dan la espalda.

Una película dura, que muestra que el sexo puede ser doloroso. La adicción consume a Brandon, tanto física como mentalmente. Inolvidable. Un final abierto y discutible. Una película verdaderamente buena.

'El árbol de la vida' 2011) - Poema visual

Cuando vas a ver una película del director Terrence Malick, tienes que saber dónde te metes. Tienes que saber que para bien o para mal, no vas a ver una historia común. La película de Malick es una historia compleja. Cuesta entrar en lo que propone, y en ocasiones te sientes algo perdida, a la vez que embobada. 'El árbol de la vida' tiene un gran poder visual. Los planos rozan la perfección.

Jack (Sean Penn) llama a su padre y le dice que todos los días recuerda la muerte de su hermano. Ha visto cambiar la sociedad, ahora lo natural es lo edificado. La plantación de un árbol entre tanto edificio le hace recordar su adolescencia.

La película reflexiona sobre la existencia, sobre la vida y la creación. Al inicio de la película escuchamos que hay dos caminos, el de la naturaleza y el divino. El individuo, debe elegir cual seguir. Lo divino está reflejado en la madre de Jack (Jessica Chastain), la bondad de la mujer. Su marido la reprime, pero no hace nada para cambiarlo. Siempre perdona. La naturaleza está reflejada en el padre de Jack (Brad Pitt), su único objetivo es agradarse a sí mismo y conseguir que los otros le agraden, le gusta salirse con la suya. Encuentra razones para ser infeliz (no haber logrado convertirse en músico), aún cuando el mundo que le rodea este lleno de amor. Dos caminos, difíciles de separar.

El ser humano no puede controlar la naturaleza. El mundo está cambiando constantemente. Las moléculas consideradas como primeros ejemplos de vida en la Tierra, con el tiempo esos elementos con forma de espiral se "transforman" en patentes, en piezas de maquinas y edificios que crean la naturaleza de una nueva sociedad.

"El árbol de la vida" es un poema visual, por eso tiene una estructura compleja. Los personajes pocas ocasiones hablan entre ellos, cuando hablan suelen hacerlo a un ente divino, a un dios, o a un aura... Cuentan sus miedos a algo que está fuera de su alcance. Malick graba cámara en mano, hace movimientos rápidos, rodea a los personajes y a la naturaleza. Crea la sensación de estar siendo observado por alguien o algo. En varias ocasiones la cámara se dirige al cielo, a lo divino. Una película sublime formalmente, una obra mayor, cuidada al milímetro, compleja. No hay lugar para la indiferencia.

'Buscando un beso a medianoche' (2007) - La idealización de un beso

En el cine, en las películas románticas sobre todo, hay un beso que esta idealizado, el beso de Noche Vieja. En la película "Buscando un beso a medianoche" la búsqueda de tal beso se convierte en una mera excusa para conocer a los dos protagonistas.

Por una parte tenemos a Wilson, un chico de 29 años. Lleva seis años solo, sin novia. Es un escritor que no escribe. Jacob, su mejor amigo, le propone poner un anuncio en internet, para que no pase la noche de fin de año solo. Por la otra nos encontramos con Vivien, la chica que responde al anuncio. Vivien tiene 27 años, es una actriz que no actúa. Acaba de romper con su pareja, y quiere olvidarle. Vivien esta buscando un beso a medianoche.

Wilson y Vivien son dos personas que estan en crisis. Ambos personajes son parecidos, los dos tienen una herida abierta. El pasado se ha convertido en una carga, están solos, sin poder avanzar, perdidos. La película defiende la idea de que hay que olvidar el pasado, hay que hacer hueco a lo que este por venir: "¡Que salga lo malo, que entre lo nuevo!".

14 horas para el nuevo año. 12 millones de personas en Los Ángeles. Dos personas solitarias conectan. Crean el recuerdo perfecto. La película tienen un mensaje claro, hay que reaccionar ante los problemas, hay que afrontarlos y seguir adelante. Hay que cambiar. La película se cierra con una gran canción: "Wind of change" de Scorpions.

"Buscando un beso a medianoche" se estrenó en el 2007. Es un buen ejemplo de cine "indie": presupuesto bajo, recursos los justos... pero una idea que defender. La película tiene dos versiones, una en blanco y negro y otra en color. La acción ocurre en Los Ángeles. Escuchamos música jazz. Nos acordamos del "Manhattan" de Woody Allen.

La película mejora y gana intensidad cuando Vivien y Wilson muestran sus miedos, cuando asimilan su realidad. Aunque no ofrezca demasiada novedad formal, ofrece buenos diálogos y, es una bonita historia de dos personajes que se encuentran en el momento adecuado. 

BAFTAs 2012 - 'The Artist', cada vez más cerca de los Oscars

Ayer tuvo lugar la ceremonia de los BAFTAs en Londres. La gala es la precedesora de los Oscars, y una de las pocas capaz de competirle en 'glamour'. Pocas sorpresas. 'The Artist' consiguió 7 galardones de los 12 a los que optaba: Mejor Película, Director, Guión Original, Actor Principal, Banda Sonora, Fotografía y Vestuario.

En la categoria de Mejor Actriz principal el premio fue para la eterna Meryl Streep por su interpretación de Margaret Thatcher en "La dama de hierro". No estaba segura de que fuese a ganar, la película fue críticada en Reino Unido por haber dejado de lado el conflicto irlandés, y estás criticas podrían quitarle el premio a Meryl Streep. Pero como era de esperar, no ocurrió asi. En la categoría de Mejor Actor parece que Jean Dujardin no tiene rival, seguramente el Oscar sea suyo también. Ya que, en la historia de las ceremonias de entrega de premios, el actor que gana el Globo de Oro, el SGA y el Bafta, se lleva el Oscar a su casa. Es el hombre del momento en Estados Unidos, ¡ya ha participado hasta en SNL!

Los premios Bafta tienen categorias aparte para las producciones inglesas. 'El topo' se ha llevado el galardón a Mejor Película Británica y también el de mejor guión adaptado. La sorpresa de la noche ha estado en la categoría de Mejor Película de Habla no Inglesa, ya que la ganadora ha sido "La piel que habito" de Pedro Almodovar y no "Nader y Simin, una separación". No me lo esperaba. ¿Tendría que haber sido la seleccionada por la Academia del cine español para los Oscars, en lugar de "Pa negre"?

Como toda entrega de premios, no hubo demasiadas emociones y solo un par de anécdotas. La más curiosa tuvo como protagonista a Meryl Streep. Al subir a recibir su premio, perdió el zapato. Y cual cenicienta en un cuento de hadas, Colin Firth demostrando ser un caballero, le calzó el zapato a la reina de la noche.

De cara a los Oscars, Martin Scorsese es el que lidera las nominaciones con 11 por "La invención de Hugo"; le sigue "The Artist" con 10. Quién sabe lo que puede pasar en la noche del 26 de febrero (en ocasiones los académicos toman decisiones incomprensibles), pero en esa batalla "The Artist" tiene todas las de ganar.

'Criadas y señoras' (2011) - Coraje

La crítica contiene spoilers.

Coraje para hacer lo que uno cree que es lo correcto. Coraje es lo que les sobra a las protagonistas de este drama. La historia se sitúa en Mississippi durante la década de los 60. Una sociedad americana de criadas y señoras. Una sociedad en la cual la norma es la discriminación racial. Es una película coral con un gran elenco de actrices que bordan sus papeles. Entre ellas destaca Viola Davis, narradora de la historia.

Skeeter (Emma Stone) acaba de terminar la carrera y decide escribir un libro basado en las vivencias de las criadas. Quiere darles voz, dar a conocer su verdad. Las criadas dejando de lado el miedo y con el suficiente coraje, participarán en el proyecto.

La señoras de la sociedad se enfrentarán a sus propias atrocidades al leer e identificarse con las historias. Públicamente defienden las discriminaciones de las cuales en privado algunas de las "señoras" parecen avergonzarse. Las criadas irán asimilando su poder, no tendrán miedo al que dirán ni a las consecuencias.

John Williams, más de 40 años de música

En una lista de los grandes compositores de la Historia del Cine, John Williams se situaría en los puestos más altos. Sus trabajos han conseguido más de 47 nominaciones a los Oscar y lo ha ganado en cinco ocasiones. Las bandas sonoras son una de mis debilidades. Una buena composición llena de emoción la más pequeña de las escenas. En cambio una mala elección, puede hacer desaparecer toda la fuerza dramática de la misma.

Cuando hablamos de John Williams, no nos podemos olvidar de Steven Spielberg. Forman un tándem perfecto. Han colaborado en películas como "Tiburón" (1975), las sagas de 'Jurassic Park' e 'Indiana Jones', 'E.T' (1982), 'El imperio del sol' (1987), 'La lista de Schindler' (1993), 'Salvar al soldado Ryan' (1998) o 'Inteligencia Artificial' (2001). También ha compuesto las bandas sonoras de las dos últimas producciones de Spielberg, "Las aventuras de Tintín" (2011) y "War Horse" (2011), y por ambas ha obtenido una nominación al Oscar.

Steven Spielberg recomendó a su gran amigo George Lucas que contratase a Williams para el proyecto que tenía entre manos, y ¿cual era ese proyecto? ¡Star Wars! La saga más explotada de la Historia del Cine, con una banda sonora memorable. 

La cosa no termina ahí. John Williams compusó la banda sonora de las tres primeras entregas de la saga de Harry Potter, creando así la base que otros compositores continuarían en las siguientes entregas. También ha compuesto la banda sonora de 'Superman' (1978) creando un tema reconocible por todos. Y es que John Williams es un grande de la composición. Ha compuesto muchas de las más importantes bandas sonoras del cine, ha dejado huella. Su próximo proyecto es la película 'Lincoln', como no, dirigida por Steven Spielberg.

'MONEYBALL: ROMPIENDO LAS REGLAS' (Moneyball, 2011)

Rompiendo las reglas

De eso trata 'Moneyball', de romper con las reglas, de salirse del sistema establecido por la mayoría. Querer cambiar las cosas. Es una película que enseña las entrañas de cómo crear y apostar por algo en lo que uno cree. Billy Beane (Brad Pitt), es el director general y/o manager de un pequeño equipo de béisbol. Un equipo con el presupuesto más bajo de la liga.

Basada en hechos reales, Billy Beane tuvo que renovar por completo la plantilla de un equipo que se quedó sin estrellas. Para eso, crea un equipo basado en las estadísticas de los jugadores y ficha a los descartes y jugadores problemáticos de otros equipos.

La primera parte de la película deja claro que no es una típica película sobre deporte. No es una película sobre heroísmos, aunque también tenga su parte épica con las típicas escenas de victorias y superación. Billy Beane, el personaje que encarna Pitt, tiene una carga que le pesa, pero que se niega a olvidar. Cuando era joven le ficharon rápidamente, dejó de lado los estudios por un futuro prometedor. Pensaban que iba a convertirse en una gran estrella pero resultó no ser así, fue un fracaso. Esa carga se convierte en uno de los motivos para seguir adelante con sus planes. Quiere cambiar las cosas y disfrutar del show. Mediante la iluminación se matiza la preocupación de Billy Beane por su proyecto.

"Vamos a crear un grupo de patitos feos" - Peter Brand (Jonah Hill)

Billy Bean está decidido a apostar por el béisbol, por el juego, por el show y romper así con la regla de que para hacer algo grande hay que tener un presupuesto elevado. No son necesarios los millones para llegar a la cima. Beane defiende que el éxito, la fama, las victorias... son efímeras. El objetivo de Beane es no perder el último partido. Si se pierde el último, dan igual los logros, pasas al olvido.

La interpretación de Pitt es buena, profunda, llena de inseguridades. Su mirada refleja la preocupación del personaje y todo el peso de la película recae sobre él. Sobre la banda sonora, un apunte. Cuando deciden añadir canciones y darles importancia narrativa hay que evitar los gazapos temporales. La hija de Billy Beane le canta a su padre en dos ocasiones la canción "The show" de Lenka. Está canción se publicó en 2008 y la película sucede en 2002. Gazapillo aparte, la elección de la canción tiene su lógica, si nos fijamos en la letra. La letra refleja la dea que defiende Billy Beane.

Los protagonistas son un grupo de perdedores, de descartados e inadaptados que llegan a sentirse campeones. Aprenden que un día puedes estar en lo más alto y al siguente puedes caer. Lo que importa es seguir adelante. Interesante, porque el personaje de Pitt lo es. Nada más.

'500 DÍAS JUNTOS' ('500 days of Summer', 2009)

El desorden de la vida

Tom (Joseph Gordon-Levitt) es un chico que trabaja escribiendo y diseñando tarjetas de felicitación. Su vida se puede definir como monótona. Un día, en el trabajo, mientras suenan 'The Smiths', conoce a Summer (Zooey Deschanel). Se enamora perdidamente de ella, casi al instante.

Lo que parece una comedia romántica al uso consigue alejarse de los estereotipos marcados del género, consigue tener un estilo propio y sorprender (hasta cierto punto). Lo que más me atrae de la película dirigida por Marc Webb es que escoge un planteamiento no-lineal para contar la historia, un planteamiento "desordenado" por así decirlo. Desde el comienzo nos indican que esta va a ser una historia sin final feliz (dependiendo como lo interpretemos, claro). La premisa de la película o su principal reclamo publicitario es el siguiente: "Esto es una historia de chico conoce a chica. Pero no es una historia de amor". Así de sencillo, así de directo.

Entre idas y venidas, Tom y Summer pasan un total de 500 días juntos; como dice el título en castellano (en el título original especifican un poco más, señalando que son 500 días con Summer). Ella es una chica que no cree en el amor, que no quiere una relación seria y que siempre defiende su independencia. Él, en cambio, cree en los cuentos de hadas, en el amor romántico, está embobado. 

Marc Webb es el director de la película y acierta de pleno al dar una forma diferente a la historia. Sus elecciones formales facilitan la identificación con los personajes; incluso convierte al espectador en participe directo de la historia al hacer que el personaje de Tom se dirija en varias ocasiones al espectador, rompiendo la famosa cuarta pared. Además, sitúa a la pareja protagonista en escenas cotidianas y mediante la comparación de situaciones y acciones similares observamos la evolución de los personajes. Una forma efectiva para mostrar la evolución de su relación, como Tom se derrumba poco a poco... Lo que al principio parecía divertido y original se convierte en algo aburrido y rutinario para la pareja, sin emoción. Las expectativas dejan paso a la realidad. Añadir que el juego realidad vs. expectativas también se utiliza como recurso narrativo y visual en la película. 

Aparte de esos símiles entre escenas, el director opta por los dibujos de un mismo paisaje para mostrar el paso de los días y situarnos así en el tiempo de la historia. Esos dibujos van cambiando de tonalidad y sirven también como "medidor" del estado de la pareja: los colores algo más cálidos al principio pasan a ser grises para terminar con un tono verde. Final feliz o no, no son personajes acabados.

'500 días juntos' es una película con buen ritmo narrativo y hace un uso interesante de los recursos visuales. Es una película agridulce, original y no lineal. La película fue una gran sorpresa dentro del cine indie americano en el año de su estreno. Gordon-Levitt y Deschannel forman una encantadora y peculiar pareja. Como suele ocurrir en las películas de este "corte", la banda sonora es excelente. También tiene una especie de escena musical en la que se reitera la idea de que es él quién vive en un cuento de hadas. También hay referencias al cine de Ingmar Bergman y al final de la película 'El graduado'. 

El desorden que hay en sus vidas tiene un punto final y, como indica el título, tiene lugar tras pasar 500 días juntos. La película gana con los visionados, y pese a que pienso que los personajes traicionan un poco los ideales que defienden al comienzo de la película; también pienso que maduran y que cambian al intentar poner orden en sus vidas.

"Estas tarjetas, las películas y el pop, solo potencias mentiras y corazones rotos".