lunes, 29 de octubre de 2012

'NETWORK, UN MUNDO IMPLACABLE' (Network, 1976)

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La ira de Howard Bale


¿Hasta dónde puede llegar el poder de la televisión? ¿Hay lugar para la ética? ¿Y para la moral? O puede que quizás no sea más que una industria en la que todo vale para conseguir buenas audiencias. Es posible que esas preguntas todavía estén vigentes hoy en día. La película 'Network, un mundo implacable' planteaba esas cuestiones a finales de la década de los 70. La película dirigida por Sidney Lumet es una sátira llevada al extremo.

La audiencia manda, la televisión controla todo. Los directivos están dispuestos a emitir cualquier cosa con un único objetivo: ser el programa más visto de la noche. Hoy en día (¿o quizás desde siempre?) el sexo, el morbo, el gore o la violencia televisada (tanto física como verbal) reúnen a una buena masa de televidentes. El morbo atrae a la audiencia y eso los productores lo saben.

Howard Beale (Peter Finch) lleva muchos años presentando los informativos pero debido al descenso de audiencia los productores deciden prescindir de él. Durante el informativo Howard anuncia que se suicidará en directo, en horario de máxima audiencia.

Tras su declaración, el informador se convierte en información, Howard se convierte en noticia y la audiencia de su informativo, se dispara. Howard está harto de la hipocresía que predomina a su alrededor y piensa que es hora de decir la verdad. Así, de un día para otro, Howard se convierte en la voz de la masa enfurecida de la sociedad americana.

Por su parte, los productores, Diana Christensen (Faye Dunaway) y Frank Hackett (Robert Duvall) saben que acaban de encontrar un producto que explotar y sacar mucho partido. Pese a su nueva imagen de defensor de la verdad, Howard pasa a convertirse en una marioneta que tanto los productores como los programadores manejan a su antojo. El único que parece tener un poco de ética profesional es Max Schumacher (William Holden), el director de los informativos nocturnos. Aún así, ni es tan santo como parece ni tampoco parece hacer mucho por cambiar la situación.

"La televisión no es verdad. La televisión es un parque de atracciones. La televisión es un circo (...). Nosotros nunca os contamos la verdad. Os contaremos lo que queréis oír"
Esa frase forma parte del discurso de Howard Beale. Howard por primera vez se siente poderoso y su veraz y agresivo discurso convence a la audiencia. El presentador se convierte casi en un mesías, una especie de profeta para la audiencia. Howard no tiembla a la hora de sacar los trapos sucios de su cadena y no piensa en las posibles consecuencias. Howard acaba enajenándose debido al poder que le otorga la televisión y el control o influencia que tiene sobre la audiencia.

La audiencia no tarda en cansarse del impulsivo y agresivo discurso de Howard Beale, y como la audiencia manda (ya que lo que importa son los números), los jefes de la cadena no tardan en idean un plan para poner fin al fenómeno. Eso sí, termina a lo grande, con una medida extrema y ofreciendo lo que la audiencia pide: morbo y violencia. Un remate directo, excesivo quizás.

La crítica que recibe la televisión es dura pero Lumet va más allá. Lumet también critica al espectador que se cree todo lo que emiten en televisión sin cuestionarlo siquiera. El espectador piensa que es normal que todos los días haya asesinatos. Embobado, pasivo... ante una realidad que le están contando e interpretando. La audiencia no hace nada ante el patético espectáculo. Al contrario, disfruta.


Lo dicho, la película no se corta a la hora de críticar, y aunque el final me parece que se excede un poco su mensaje es claro: lo que importa son los números y los buenos datos de audiencia. La ética y la moral mejor guardarlas en un cajón para que no molesten. El discurso de Howard cada vez se va teatralizando más y cada vez su mensaje importan menos. Cada vez importa más el espectáculo que lo rodea. De un día para otro Howard se ve capaz de manejar la ira contenida de la audiencia. La película es de 1976 pero su discurso sigue manteniéndose firme:
"No tengo que decirles que las cosas van mal. Todos lo saben. Es una depresión. Todos están sin trabajo o con miedo a perderlo. Un dólar no vale más que cinco centavos. Los bancos se van a la quiebra (...) Por ningún lado, la gente parece saber qué hacer y no se ve el final (...) ¡Todo lo que sé es que tienen que enfadarse! Tienen que decir: ¡Soy un ser humano, maldita sea! ¡Mi vida tiene valor!". 
'Network, un mundo implacable' es una buena película dirigida por Sidney Lumet, una sátira sobre la televisión. El reparto cumple bien, exageran sus acciones y gestos, pero así lo pide la historia. La película tiene ritmo, intercala bien las diferentes trama añadiéndole un carácter más coral a la historia. Los diálogos son directos, incluso a la hora de discutir sobre las relaciones personales usan la terminología televisiva. Tras ver la película, solo queda una idea en mente... En 40 años... ¿ha cambiado la televisión?

domingo, 28 de octubre de 2012

'Argo' (2012) - Ben Affleck y su rescate

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Thriller, intriga, acción, drama, comedia, cine dentro del cine... Son muchos los géneros que podemos apreciar en 'Argo', tercer largometraje de Ben Affleck. El actor-director los mezcla de manera coherente y eficiente, y se consolida como uno de los más prometedores directores actuales. Ben Affleck ha encontrado su sitio en la dirección, y no lo hace pero que nada mal.

En 1979, la CIA y el gobierno canadiense colaboraron en una misión de rescate en Irán. Un grupo de iraníes había ocupado la embajada de los Estados Unidos en Teherán. La mayoría de los trabajadores fueron retenidos, pero seis de ellos lograron escapar y protegerse gracias a la ayuda de la embajada canadiense. La película se centra en esos seis huidos. Lo que al principio parecía una idea brillante, no resultó ser tan buena como ellos pensaban, en el momento en que los iraníes se dieron cuenta de la huida, los seis fueron acusados de espionaje. Es decir, en caso de que les encontrasen, seguramente, serían ejecutados públicamente.

viernes, 26 de octubre de 2012

'GRACIAS POR FUMAR' (Thank you for smoking, 2005)

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El defensor del villano


'Gracias por fumar' fue el primer largometraje realizado por Jason Reitman. Esta comedia o sátira tiene críticas punzantes dirigidas a todos los sectores. Basda en el libro homónimo 'Thank you for smoking' de Christopher Buckley, la película crítica el lobby de las tabacaleras, el alcohol, las armas, el gobierno, el capitalismo, el puritanismo americano... Y más. Para las multinacionales los ciudadanos, las personas, no son más que míseros números, datos y estadísticas que manejar. El hecho de saber quién es el sector que causa más victimas mortales se convierte casi en una competición.

A la hora de negociar, todo vale. La doble moral es clave para el éxito y la mentira y el soborno son el lenguaje con el que dialogar. Ante ese panorama, solo quedan dos opciones: o crititar al sistema o sacar provecho de él. Eso último es lo que hace Nick Naylor (Aaron Eckhart), el protagonista de esta comedia negra. Nick Naylor representa a una importante empresa de tabaco y su trabajo consiste en defender a fumadores y a las tabacaleras. Impedir que pongan limitaciones a la venta de tacabo. Naylor engatusa fácilmente a "sus víctimas" con su labia y carisma. Sabe que ha nacido para ese trabajo y por eso, disfruta haciéndolo. Tiene la difícil labor de conseguir que el público e incluso las víctimas, empatices con el culpable (las tabacaleras).

El discurso de Nick, su labia, no pierde nunca su fuerza. No teme enfrentarse a un senador o a un grupo en defensa de la salud. Él cumple con su deber por poco ético que parezca. Según Nick, el motivo para seguir defendiendo "a los villanos", es el hecho de tener que pagar la hipoteca. Pero cuando la relación con Joey, su hijo, empieza a mejorar, sus prioridades cambian.

Divorciado y sin pareja, Nick Naylor decide pasar más tiempo con su hijo. A Nick empieza a preocuparle la imagen que pueda tener su hijo de él y de su trabajo. para Joey, su padre, él es un ejemplo a seguir. Todo aprece idílico en la exitosa vida profesional de Nick hasta que un día durante un debate televisivo recibe una amenaza de muerte. Aunque parezca que no le afecta, ese momento supone un punto de inflexión de cara a sus prioridades. Tras la amenaza y otra entrevista poco afortunada, el entusiasmo de Nick se tambalea. Por primera vez, duda de su discurso.

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Me parece que Jason Reitman sabe mezclar bien el drama y la comedia en sus películas. El ritmo de 'Gracias por fumar' es muy bueno y tiene una buena estética visual. Entretenida y sarcástica película.


lunes, 22 de octubre de 2012

'Looper' (2012) - Presente, futuro y el fundador

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La crítica contiene spoilers. Creo que es bastante difícil valorar esta película sin que se me escape algún spoiler, así que avisados estáis. 'Looper' es para muchos una película que parece estar destinada a ser el nuevo "hito" en el género de la ciencia ficción; hay quién incluso la compara con la magnífica 'Blade Runner', algo que me parece excesivo. 'Looper' es entretenida, compleja, con un guión difícil de manejar, y que te deja exhausta. Si conseguimos entrar en la dinámica, en el laberinto circular que propone la película, algo que explica en más de una ocasión el protagonista, no hay problema. Con toques de cine negro, de antihéroe perdido y dolido, 'Looper' es más que un mero entretenimiento.

En 'Looper' el presente y el futuro se enfrentan. El presente se sitúa en el año 2044, y el futuro en 2074. El protagonista de la historia es Joe,  un "Looper", un asesino a sueldo que se encarga de matar a las víctimas que le envían desde el futuro. En el año 2074 se inventaron los viajes en el tiempo, pero inmediatamente fueron ilegalizados: sólo los usan las mafias para enviar sus víctimas al pasado y borrar todo rastro de ellas. Allí, en 2044, reloj y arma cargada en mano, les espera Joe. En el mismo instante que aparece la víctima, Joe les dispara a bocajarro. En eso consiste el trabajo de Joe, en "limpiar la basura del futuro". Todo se tuerce el día en el que el envio que recibe Joe resulta ser él mismo. Ha llegado la hora de cerrar su bucle. Aparte de tener que matar a su misma persona, hay una diferencia, las víctimas siempre llegan maniatadas y con la cabeza cubierta, pero en este caso no ocurre así. El Joe de 2074 viene con las manos desatadas y con la cara descubierta. Hay un motivo para eso.

Personajes de cine (4) - Edward Bloom

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Edward Bloom es una especie de "bicho raro". Soñador, iluso, egocéntrico, y ante todo, un gran narrador. Bloom no está dispuesto a aceptar su destino, sabe cual tiene que ser su lugar en el mundo, y hará todo lo posible para conseguir lo que desea. Si uno es suficientemente iluso, todo es posible, incluso, "sobrevivir" a la muerte. ¿Cómo conseguirlo? Convirtiendo la vida en una fábula narrada. Una fábula que se trasmitirá generación tras generación. De ese modo, la mágica vida de Edward Bloom, nunca caerá en el olvido.

Crítica de la película: 'Big Fish' (2003) - La vida de Edward Bloom
Más 'Personajes de Cine' aquí

jueves, 18 de octubre de 2012

'BIG FISH' (Big Fish, 2003)

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Edward Bloow y las flores amarillas

'Big Fish' es una de mis películas favoritas de Tim Burton; una película notable y que me emociona. La clave de la película está en la implicación del espectador, que al igual que Edward Bloom (Ewan McGregor/Albert Finney) traspasa constantemente la barrera entre la realidad y la ficción. Una reivindicación del arte de la narración, el arte de contar historias.

'Big Fish' se aleja un poco de la estética visual con la que normalmente se identifica la "marca" o el estilo de Burton. No es tan oscura como otras de sus película. Eso sí, no se aleja de las bases de su estilo cinematográfico o narrativo. 'Big Fish' es una película llena de luz, de vida, de amor y de magia. Pero el objetivo de Edward Bloom, su historia, está relacionada o unida a la muerte (la vida es finita).

Si un individuo es recordado por sus acciones ¿es mejor convertir la realdidad, la rutina, en algo fascinante o limitarle a narral "lo real"? Uno de los ejes de la película es esa mezcla entre lo real y lo ficticio. Edward Bloom salta de un aldo al otro de una manera tan elegante que no hay nada mejor que dejarse llevar y entrar en su juego, es decir, creernos su cuento y su versión sobre su vida. Y es que, el único elemento que no puede controlar Edward Bloom es la muerte. Por eso, en la ficción encuentra su "salvación".

Edward Bloom no quiere caer en el olvido, quiere ser inmortal. Por eso quiere que la fábula de su vida se transmita generación tras generación. Edward necesita sentir que ha encontrado su lugar en el mundo, aunque ese lugar consista en formar parte de una narración (durante la película Edward ayuda a sus compañeros de viaje a encontrar ese lugar).

Si uno es lo suficientemente iluso, todo es posible. Esa es la filosofia de Edward Bloom, unsoñador y narrador nato que parece ser el único que se niega a aceptar su destino. La narración fílmica es cotidiana, fluida y no pierde la escencia del director. La película está basada en flashbacks no lineales y es pausada, colorida y al mismo tiempo triste. 'Big Fish' es un canto a la vida, a los sueños y al mismo tiempo realiza una reflexión so bre la realización personal y la muerte.

"El pez más grande del río es así porque no se deja pescar" - Frase de Edward Bloom 
Bloom nunca va a cambiar, nunca va a dejar de soñar y de contar sus historias. Pasan los años, cada vez más personas conocen sus aventuras y su mito va creciendo. Su ficción se va convirtiendo en algo que la realidad no es capaz de destruir. Edward Bloom es el (gran) pez que no se deja pescar (si nos fijamos siempre está pidiendo agua y el final de su vida le ahoga). La vida de Edward Bloom merece ser contada, narrada. En manos del espectador está decicir si quiere o no quiere entrar en su juego. Y que no quepa la menor duda, lo mejor es dejarse llevar.


Personajes de Cine: Edward Bloom

lunes, 15 de octubre de 2012

'GREASE' (Grease, 1978)

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You're the only one that I want


Dentro del género musical, 'Grease' es uno de los más reconocidos o con más seguidores. Me parece un buen musical (confieso que nunca me aburriré de verlo). Es divertido, no ha envejecido del todo mal y tiene personajes que se han convertido casi en iconos. La banda sonora, tanto los temas que cantan los protagonistas como los que escuchamos en un segundo plano, son magníficos.

La base de la 'Grease' es bastante sencilla: chico aparentemente inocente y chica dulce se enamoran durante el verano. Danny Zuko (John Travolta) y Sandra Olsen (Olivia Newton-John) vuelven a encontrarse pero en el instituto, y claro, las cosas han cambiado. Danny resulta ser un chico rebelde y popular. No queda rastro del adorable chico del que Sandy se enamoró. Ambos tienen que elegir entre la rebeldía y el amor. Así de simple. Y funciona.

'Grease' es un referente del género musical y también de las películas de adolescentes (aunque el reparto poco tuviera de adolescente). la película ha conseguido convertirse en una marca. Su banda sonora, su vestuario, sus canciones que todos hemos canturreado en alguna que otra ocasión... 'Grease' se convirtió en la tercera película más taquillera de la historia en su momento, sólo superada por 'Tiburón' y 'Star Wars'. Poco que añadir sobre la película, que trata temas más adultos de lo que su aparente "ingenuidad" quiere mostrar. Creo que merece la pena comentar algunas curiosidades sobre 'Grease'.

Curiosidades de 'Grease'


Uno de los elementos más "cuestionables" de la película puede ser la edad del reparto. Los protagonistas de 'Grease' acaban de graduarse, pero los actores... hace tiempo que lo habían hecho ya. John Travolta tenía 23 años cuanto interpretó a Danny Zuko, Olivia Newton-John 28 años y Stockard Channing, 33 años. Eso sí, han pasado los años y la verdad es que es imposible imaginarse a otro Danny o a otra Sandy. La diferencia de edad entre actor y personajes suele ser un desliz fácil de perdonar.


¿Censurada? Aunque 'Grease' es menos inocente de lo que aparenta, censurarla puede resultar excesivo. Pero sí, hubo censura, concretamente en la mítica canción 'Grease Lightning'. La película es una adaptación cinematográfica del musical de Broadway. En la obra teatral, al parecer, la escena en la que Danny y compañía "tunean" su coche tenía bastantes más referencias sexuales. Los productores de la película decidieron por ello eliminar esas refrencias. Para algunos la escena no es más que una canción sobre un coche; para otros, una metáfora sobre la virilidad.

John Travolta y Olivia Newton-John. La pareja protagonista de 'Grease' no tardaron en convertirse en estrellas tras el estreno de 'Grease', además Travolta acababa de protagonizar 'Fiebre del sábado noche'. Por eso, debido a ese nuevo "estatus", Travolta decidió que tenía que ser él quien cantase el tema 'Grease Lightning' (por puro capricho). Por potra parte, tras terminar el rodaje decidieron añadir la escena de la balada por excelencia del musical: "Hopelessly devoted to you" cantada por Olivia Newton-John. Los productores pensaban que Sandy tenía que tener su propia balada al igual que Danny y su 'Sandy', por eso la compusieron exclusivamente para la película.



domingo, 7 de octubre de 2012

'EL BESO DE LA MUJER ARAÑA' (Kiss of a spider woman, 1985)

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Molina, Arregui y la libertad

Contiene spoilers. 

Hace mucho tiempo que me recomendaron este drama protagonizado por un excelente William Hurt y por Raúl Julia. Empecé a buscar la película pero no la encontraba ya que estaba destacatalogada. Más tarde ví anunciado el tráiler del blu-ray, pero solo para Estados Unidos. Siguiendo la recomendación y pensando que no iba a encontrar la película, opté por leer el libro homónimo de Manuel Puig. Un par de años después encontré la película por casualidad, en un canal local, con una calidad, bueno, cuestionable, pero por fin la vi. Ahora, con la versión en Blu-Ray en casa, la búsqueda cinéfila ha llegado a su final. Es una tontería de anécdota, pero me apetecía compartirla.

La adaptación cinematográfica de 'El beso de la mujer araña' narra la relación entre dos presos que comparten cela: Luis Molina (William Hurt, merecido Oscar), homosexual y detenido por corrupción de menores; y Valentín Arregui (Raúl Julia), un preso político. Ambos son los dos pilares de una película muy teatral que pone todo a disposición de los personajes. Molina y Arregui son personajes que chocan pero que van evolucionando hasta lograr un respeto mutuo y un gran amistad.

Mientras que Arregui escoge la libertad del individuo como motor de su existencia, Molina escoge el amor. Molina, para evadirse de su realidad, le cuenta y escenifica a Arregui historias de amor que aparecían en el cine nazi de los años 30. Al mismo tiempo, ayuda a Arregui, haciendo que la "estancia" sea más llevadera.

Molina se identifica con la protagonista femenina de la historia de amor que narra. Una mujer dispuesta a dejarlo todo por amor. esa historia (en el libro son varias las películas que narra, en la película se centran en una) refleja, y de cierto modo adelanta, el destino de Molina. La protagonista de la película que narra juega a dos bandas: una cantante francesa que se enamora de un general nazi y que está dispuesta a dejarse llevar por el amor hasta el punto de traicionar a su patria ayudando a los nazis.

Al igual que la cantante de francesa de su historia, Molina también juega a dos bandas: el director de la cárcel lo utiliza para conseguir información sobre Arregui a cambio de comida y un posible adelanto de su libertad condicional. Se puede decir que Luis Molina no vive en la realidad, ya que se oculta bajo el maquillaje, se mira constantemente al espejo y como ya he comentando antes, se esconde tras sus historias que no son narradas en vano.

Molina es "la mujer araña" que está enredada en su tela (los barrotes de la cárcel) de la que está intentando escapar. Molina representa el todo vale por amor, su acuerdo con los funcionarios de prisión lo utiliza para evitar que Arregui muera envenenado. Cuida de él, pospone su tortura. Arregui defiende el derecho a la libertad, el no dejarse pisotear y luchar por lo que uno cree y expresarlo sin represión alguna. en el tiempo que comparten celda aprenden a respetar los valores que defiende el otro, a ayudarse e incluso a quererse. Arregui aprende a valorar lo que tiene y que puede que en un mundo donde impera la represión, pueda haber algo de bondad. Molina aprende a escoger entre lo que quiere y debe hacer, pagando un alto precio por ello.

Otros dramas carcelarios: 'El Expreso de Medianoche' (1978), 'Hunger' (2008)

miércoles, 3 de octubre de 2012

'TIGRE Y DRAGÓN' (Crouching Tiger, Hidden Dragon, 2000)

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La lucha como forma de comunicación


'Tigre y Dragón' fue una película oriental que en el año 2000 captó la atención del público occidental y de los académicos estadounidenses ya que obtuvo 10 nominaciones a los Oscar logrando 4 estatuillas. La película dirigida por Ang Lee supuso un soplo de aire fresco en el subgénero de las películas sobre artes marciales. Las luchas que vemos en la película, aparte de estar coreografiadas de una manera sensacional y de tener bastante fuerza visual no se limitan a los golpes. Ang Lee nos presenta la lucha entre dos personas como una manera de comunicación, una nueva forma de diálogo entre rivales que sirve para conocer mejor el carácter del otro. Las miradas comprensivas se mezclan con golpes desafiantes y certeros.

Tras años de meditación Li Mu Bai, un experto en artes marciales, deja en herencia a su mejor amigo su pertenencia más valiosa, la Espada Celestial. Por otra parte, le pedirá a su mejor amiga y poderosa guerrera Yu Sha que sea la encargada de custodiar la espada hasta el momento de la entrega. Li Mu Bai y Yu Sha están secretamente enamorados, nunca se han atrevido a expresar lo que el uno siente por el otro, ya que siempre han dado prioridad a la necesidad de encontrar la paz interior, a la meditación. En el camino la pareja conocerá a Jen Yu, una joven luchadora que no está dispuesta a aceptar el destino que le han impuesto. De cierto modo Jen Yu (la inocencia) es el reflejo de una joven Yu Sha (la experiencia).