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miércoles, 3 de junio de 2015

'TRAIDOR EN EL INFIERNO' (Stalag 17, 1953)

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La evasión


Segunda Guerra Mundial. Un campo de prisioneros y un barracón algo peculiar, el número 17. Entre los prisioneros, un traidor. Tras un fallido intento de fuga, dos prisioneros son ejecutados y las sospechas se desatan entre los miembros del barracón: tiene que haber un traidor entre ellos, un informador que cuenta todo lo que sucede entre esas cuatro paredes en busca de beneficio y protección. El sargento Sefton (William Holden), se sitúa en el punto de mira de todos sus compañeros.

'Stalag 17' es el título original de esta obra de marcado carácter teatral en la que la mayoría de la acción sucede dentro del ya mencionado barracón. 'Traidor en el infierno', una traducción más "poética", está definido como un drama carcelario pero lo cierto es que en su desarrollo encontramos muchos toques de comedia. Sus personajes son graciosos y carismáticos y amenizan las malas condiciones de los demás prisioneros y refuerzan con sus acciones uno de los conceptos principales que trata la película dirigida por Billy Wilder: la evasión.

Señalado por todos, Sefton parece hacer caso omiso a la situación. Sefton es un "emprendedor" dentro del barracón: hace tratos con los alemanes, negocia, comercia... Consigue todo lo que quiere en el mercado negro, organiza carreras de ratas... Sefton destaca por actuar de forma más egoísta que los demás, mirando siempre por lo práctico y buscando siempre su propio beneficio. No está demasiado integrado en el grupo pero tampoco es esa su intención. Se considera un patriota, a su manera.

La intriga por descubrir al traidor del barracón se mezcla con humor, con fiestas, disfraces, teatro... Y es que la evasión está refrelada de dos formas en 'Traidor en el infierno'. La primera, la huida de los prisioneros en busca de la libertad. La segunda, y más cómica, en esos teatros, personajes y juegos que crean los prisioneros para evadirse y soportar mejor su cautiverio.

Me ha resultado curioso que la película al final tenga un corte de tragicomedia. La huida en sí, no ocupa mucho tiempo narrativo en comparación con las escenas cómicas que ocupan la película. No es la primera vez que Wilder se acerca a la Segunda Guerra Mundial, ya lo hizo en 'Berlín Occidente' en un tono más romántico quizás. 

Mencionar también la presencia del director Otto Preminger en el papel del coronel von Scherbach. Su aspecto físico y las ganas de Preminger de interpretar a un nazi en una película fueron razones suficientes para aceptar el papel. 

Los europeos se mezclan con los estadounidenses en esta película en la que también se trata el patriotismo. Quién es patriota y quién no, quién es un traidor y quién no. ¿A quién traiciona? ¿A su país o a sus compañeros?

'Traidor en el infierno' es un drama carcelario entretenido, con un atípico héroe y patriota, que estira la trama dramática en favor de los momentos cómicos. Una historia con un personaje principal rodeado de destacables secundarios. Obtuvo un gran éxito el día de su estreno.

jueves, 21 de marzo de 2013

'EN EL NOMBRE DEL PADRE' (In the name of the father, 1993)

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Los cuatro de Guildford


'En el nombre del padre' es una de las mejores películas de la década de los 90. La película dirigida por Jim Sheridan está basada en hechos reales y toma como punto de partida un atentado de la IRA que tuvo lugar en Londres. Tras ese atendado y varios altercados que también tuvieron lugar en Belfast, la policía británica tiene el deber de encontrar a un cabeza de turco, ya que según parece, esa es la única manera de evitar que el miedo se apodere de la ciudadanía, y al mismo tiempo, de demostrar una supuesta eficencia policial. Un grupo de inocentes paga injustamente las consecuencias de lo sucedido. Bajo amenazas, tienen que firmar unas declaraciones falsas en las que reconocen la autoría del atentado. Gerry (Daniel Day Lewis) es uno de los "cuatro de Guildford".

Los pilares de la película son dos:

Por un lado tenemos el conflicto y la crítica político-social: por el otro, en un aspecto más personal, la relación entre Gerry y Giusseppe (Pete Postlethwaite), su padre. Sheridan consigue equilibrar ambos aspector realizando una película igual de crítica que de emotiva y además entretenida. Te atrapa.

Al principio Gerry se deja influenciar por distintos presos pero todo cambia cuando encarcerlan a su padre. Aunque al comienzo no sea tan evidente, para Gerry su padre es algo sagrado y no está dispuesto a que manchen su nombre. El momento en el que ve a su padre entre rejas es un punto de inflexión para Gerry. A partir de ese momento decide luchar para limpiar su nombre y el de su familia. Giusseppe es, de cierto modo, el contrapunto de Gerry ya que, aunque parezca increíble, se mantiene sereno y tranquilo en la cárcel. Siempre intentando aconsejar y proteger a su hijo.

No hace falta ser un experta en el conflicto para entender la película, ya que Jim Sheridan da la información sucifiente para que el espectador pueda tener una idea básica sobre el tema. El espectador se mete de lleno en la historia, se cabrea y se emociona. Pese a conocer el final de la película de antemano, cada vez que vuelvo a verla me sigue emocionando. Un grito para liberar la rabia contenida frente a la imposibilidad de recuperar los años perdidos, un grito ante la injusticia. Como vemos en la película, la justicia no siempre es justa.

Emma Thompson interpreta a la abogada encargada de defender a "Los cuatro de Guildford". Su personaje aparece justo en el momento adecuado, cuando ya habíamos dado todo por perdido. En la escena del juicio, el espectador se pone en el lugar de la abogada y sentimos su rabia, su enfado y vemos como no le tiembla la mano a la hora de enfrentarse a las autoridades y defender lo que es justo. Escena genial.

Tanto la labor de Emma Thompson como la de Daniel Day-Lewis y Pete Postlethwaite es brillante, devoran cada plano. Una película muy recomendable que trata sobre un tema muy interesante y lo complementa con un buen desarrollo de los personajes.

Emma Thompson interpreta a la abogada encargada de defender a "Los cuatro de Guildford". Su personaje aparece justo en el momento adecuado, cuando ya habíamos dado todo por perdido. En la escena del juicio, el espectador se pone en el lugar de la abogada, sentimos su rabia, su enfado y vemos como no le tiembla la mano a la hora de enfrentarse a las autoridades y defender lo que es justo. Una escena genial.

Contenido relacionado: 'Hunger' (2008) de Steve McQueen

domingo, 7 de octubre de 2012

'EL BESO DE LA MUJER ARAÑA' (Kiss of a spider woman, 1985)

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Molina, Arregui y la libertad

Contiene spoilers. 

Hace mucho tiempo que me recomendaron este drama protagonizado por un excelente William Hurt y por Raúl Julia. Empecé a buscar la película pero no la encontraba ya que estaba destacatalogada. Más tarde ví anunciado el tráiler del blu-ray, pero solo para Estados Unidos. Siguiendo la recomendación y pensando que no iba a encontrar la película, opté por leer el libro homónimo de Manuel Puig. Un par de años después encontré la película por casualidad, en un canal local, con una calidad, bueno, cuestionable, pero por fin la vi. Ahora, con la versión en Blu-Ray en casa, la búsqueda cinéfila ha llegado a su final. Es una tontería de anécdota, pero me apetecía compartirla.

La adaptación cinematográfica de 'El beso de la mujer araña' narra la relación entre dos presos que comparten cela: Luis Molina (William Hurt, merecido Oscar), homosexual y detenido por corrupción de menores; y Valentín Arregui (Raúl Julia), un preso político. Ambos son los dos pilares de una película muy teatral que pone todo a disposición de los personajes. Molina y Arregui son personajes que chocan pero que van evolucionando hasta lograr un respeto mutuo y un gran amistad.

Mientras que Arregui escoge la libertad del individuo como motor de su existencia, Molina escoge el amor. Molina, para evadirse de su realidad, le cuenta y escenifica a Arregui historias de amor que aparecían en el cine nazi de los años 30. Al mismo tiempo, ayuda a Arregui, haciendo que la "estancia" sea más llevadera.

Molina se identifica con la protagonista femenina de la historia de amor que narra. Una mujer dispuesta a dejarlo todo por amor. esa historia (en el libro son varias las películas que narra, en la película se centran en una) refleja, y de cierto modo adelanta, el destino de Molina. La protagonista de la película que narra juega a dos bandas: una cantante francesa que se enamora de un general nazi y que está dispuesta a dejarse llevar por el amor hasta el punto de traicionar a su patria ayudando a los nazis.

Al igual que la cantante de francesa de su historia, Molina también juega a dos bandas: el director de la cárcel lo utiliza para conseguir información sobre Arregui a cambio de comida y un posible adelanto de su libertad condicional. Se puede decir que Luis Molina no vive en la realidad, ya que se oculta bajo el maquillaje, se mira constantemente al espejo y como ya he comentando antes, se esconde tras sus historias que no son narradas en vano.

Molina es "la mujer araña" que está enredada en su tela (los barrotes de la cárcel) de la que está intentando escapar. Molina representa el todo vale por amor, su acuerdo con los funcionarios de prisión lo utiliza para evitar que Arregui muera envenenado. Cuida de él, pospone su tortura. Arregui defiende el derecho a la libertad, el no dejarse pisotear y luchar por lo que uno cree y expresarlo sin represión alguna. en el tiempo que comparten celda aprenden a respetar los valores que defiende el otro, a ayudarse e incluso a quererse. Arregui aprende a valorar lo que tiene y que puede que en un mundo donde impera la represión, pueda haber algo de bondad. Molina aprende a escoger entre lo que quiere y debe hacer, pagando un alto precio por ello.

Otros dramas carcelarios: 'El Expreso de Medianoche' (1978), 'Hunger' (2008)

jueves, 8 de diciembre de 2011

'HUNGER' (Hunger, 2008)

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Michael Fassbender y Steve McQueen, el comienzo 


Hay películas de todo tipo, buenas, malas, que te emocionan y te llegan al alma, otras que son un mero pasatiempo... También hay ocasiones en las que terminas de ver una película y te deja una sonrisa en la cara, y otras en las que te deja una lágrima a punto de caer. 'Hunger' entra en la categoría de película dura, de las que dejan poso y son difíciles de olvidar.

Michael Fassbender y el director Steve McQueen forman uno de los tándems más interesantes del cine actual. Un director que en su filmografía tiene obras como 'Shame' y '12 años de esclavitud', y un actor capaz de interpretar cualquier papel. Las películas nombradas y la que comento en esta entrada tienen algo en común, son duras, directas y crudas, incómodas. Con 'Hunger', empezó su aventura.

'Hunger' es la aclamada y galardonada opera prima de Steve McQueen. Se centra en la persona de Bobby Sands, preso y miembro del IRA que lideró una huelga de hambre en 1981 con el objetivo de que los presos del IRA no fuesen tratados como unos criminales comunes, sino como presos políticos. La huelga de hambre fue la tercera parte o el tercer intento de realizar una protesta con éxito. Previamente realizaron otra en la que se negaron a vestirse con la ropa de la cárcel y se limitaban a ir en toalla, y otra conocida como 'La protesta sucia' en la que esparcían sus excrementos por las paredes de la celda. Ambas se ven reflejadas en la película.

Más o menos explicado el contexto de la película, es hora de hablar de su forma, del estilo del primerizo director. McQueen arriesga con sus decisiones a la hora de elegir el modo de narrar la historia. La mayor parte de la película no tiene diálogos y es la imagen la que manda. Imágenes muy duras, por cierto. Todos los factores implicados tienen su tiempo en la película. McQueen mediante el uso de imágenes nos da a conocer a distintos personajes, eso sí, la mayor parte del tiempo está dedicada a la figura de Bobby Sands.

McQueen sabe cuando tiene que hablar y cuando tiene que callar. En la película hay una increíble conversación entre Bobby Sands y un cura, en la que Sands defiende su idea de llevar a cabo una huelga de hambre y en la que el cura intenta que se lo piense y que no llegue hasta ese extremo. Una conversación en la que se mantiene el plano fijo, sin ningún corte... ¡durante 15 minutos!. El plano cambia en una ocasión, en la que vemos un primer plano de Michael Fassbender cerrando la discusión. Un primer plano sin cortes también, un monólogo de 5 minutos (sublime Fassbender). Bobby Sands ha ganado la discusión, y ese primer plano es el "premio" al vencedor.


Impactantes imágenes acompañadas de una geniales interpretaciones, en las que la transformación física de Fassbender aterra, en la que la propuesta de McQueen atrae, en la que la imagen gana terreno a la palabra. Dura de ver y de olvidar.

jueves, 1 de septiembre de 2011

El expreso de medianoche (1978) - La historia de William Hayes

Con guión de Oliver Stone "El expreso de medianoche" narra la historia de William Hayes, un joven estadounidense detenido en Turquía por tráfico de drogas (uno de los delitos con mayor pena). Está basada en la autobiografía del propio Billy Hayes en la que contaba el horror vivido en una cárcel turca y como tras 5 años de retención logró escapar.

Como suele ocurrir en la mayoría de adaptaciones cinematográficas, tanto guionista como director se tomaron ciertas libertades a la hora de narrar la historia, inventándose algunos hechos. Supongo que a favor del dramatismo. El personaje más cruel de la trama siempre tiene que pagar por el mal causado, por lo menos ante las cámaras. Y de eso se encargaron en la versión cinematográfica.

Hayes pasó de cumplir una condena de 4 años a una cadena perpetua (30 años mínimo); el entorno que le rodea y las constantes torturas hacen que Billy enloquezca. El preso no pierde el instinto de supervivencia ni sus ganas de escapar aunque este enajenado, y aunque parezca que la palabra libertad no forme parte de su destino.

Hay 2 acciones en mi opinión que suponen un punto de inflexión para Hayes. Una relacionada con una acción y otra con un elemento técnico. Trasladado a las celdas donde se encuentran los presos con enfermedades mentales, los reos tienen una zona para andar en circulo en dirección a las agujas del reloj. Billy decidirá andar en dirección contraria a los demás (algo considerado irrespetuoso), a la vez que afirmará que el no es una "máquina estropeada". A esto le sumamos que en la parte técnica, tras recibir dinero de su familia y para mostrar que ha vuelto a la cordura, que ha decidido que es el momento de huir, el director le "regala" unos planos contra picados ensalzándolo. Su instinto de supervivencia renace.

el_expreso_de_medianoche_brad_davis_locuraEs una película muy dura, con buenas interpretaciones y algún desliz perdonable. La banda sonora es muy agobiante, la situación lo pide. Al principio y al final se mezclará con los latidos del corazón de Billy. Muy efectiva.