'LA HEREDERA' (The heiress, 1949)

El amor y el interés

*Contiene spoilers

'La heredera' es una de las grandes obras del cine clásico y una de mis favoritas de la década de los 40. La película está dirigida por William Wyler y la protagonizan una sublime Olivia de Havilland y Montgomery Clift. 'La heredera' nos narra la historia de Catherine Sloper (De Havilland), una joven e introvertida heredera que es pretendida por Morris Townsend (Montgomery Clift).

Catherine es una chica tímida, poco social, bastante introvertida e insegura, también ingeniosa cuando se lo propone. Su padre la ha sobreprotegido y ahora tiene cierto miedo a salir de esa especie de jaula en la que se ha convertido su hogar (y familia). Le cuesta entablar conversación con otros chicos y chicas de su edad. Se pasa el día bordando. 

Catherine vive bajo la sombra de un recuerdo; el recuerdo de su difunta madre. Su padre añora a su idealizada y perfecta esposa, talentosa y muy bella según nos dan a entender. El padre culpa a Catherine de la muerte de su mujer. Ante un padre tan exigente  y frío Catherine poco tiene que hacer. Intenta demostrar una y otra vez su valía pero sus logros son menospreciados.

La vida de la joven Catherine cambia cuando en una fiesta conoce a Morris. Un apuesto joven que empieza a cortejarla. Ella siempe actúa de forma sincera, nerviosa y honesta. Empieza a sentirse confusa y atraída por el joven y se deja llevar. No tarda en caer en la red del encantador Morris. Su padre, no tarda en etiquetas a Morris como un "cazafortunas" ya que le sorprende y le resulta difícil de creer que un chico tan apuesto como Morris se interese por alguien "tan poco agraciada" como Catherine, sino fuese por su cuantiosa herencia.

Morris sabe que cartas tiene que jugar y mostrar, se "vende" a sí mismo como un chico honesto y pobre desde el primer instante. Ganarse la aprobación del padre de Catherine no va a ser un reto fácil. Pese al rechazo de su padre, Catherine se enamora perdidamente del carismático Morris.

El amor romántico frente al interés económico. ¿Es realmente Morris un caza-fortunas o está enamorado de la tímida Catherine? En la primera parte de la película, William Wyler consigue dotar a Morris de cierta ambigüedad y hace que dudemos sobre el motivo de sus intenciones. Le vemos enamorado, pero también interesado. Es demasiado consciente de su posición y de como jugar ya que el siempre gana (porque "sabe hacer trampas").

La tía Catherine es quién anima a la protagonista a que se lance a la aventura, quién apuesta por el amor romántico y que pese a sospechar de Morris, acepta seguir su juego (puede que ella también sienta cierta atracción por el joven de ojos claros). Piensa que no está de más que Catherine se sienta querida, cortejada y halagada. 

Las escaleras

La evolución del personaje de Catherine se puede ver reflejada en tres momentos o escenas similares, situadas en las escaleras de la casa:

La primera vez baja las escaleras alegre, nerviosa. Quiere agradar a su padre antes de ir a la fiesta. Se mira en el espejo, el vestido es de un color que hace referencia a los gustos que tenía su madre (se supone que es de un tono rojizo).

La segunda vez sube las escaleras, decepcionada tras el rechazo de Morris. Sus ilusiones han muerto, su euforia ha desaparecido. Está asimilando el duro golpe que acaba de recibir. Lleva un vestido oscuro.

Y la tercera vez es la más memorable y recordadas de las tres. Es el final de la película, en la que ya no queda ingenuidad en Catherine, ha aprendido de la experiencia. Ahora es una mujer independiente y segura. Va vestida con un vestido claro. Catherine recibió un duro golpe, y su venganza será lo más elegante posible. Le reprochan su crueldad, a lo que ella responde diciendo que "ha tenido buenos maestros". 

Un padre que mira más por su herencia que por los sentimientos de su hija. Un joven ambicioso que aspira a lograr auna riqueza y a enamorar a una joven introvertida. La tía de la joven que apuesta por la opción del amor romántico pese a sospechar del engaño. Y una heredera, una joven que aprende de los golpes recibidos y que deja atrás su ingenuidad para demostrar que es una mujer fuerte. 

Catherine vive todo tipo de emociones y Olivia De Havilland las refleja de forma convincente. Al igual que Montgomery Clift, con un personaje que intenta ganarse la simpatía de Catharine (y la de los espectadores) y en el que se nota un gran cambio en su expresión cuando conoce que su ambicioso plan no va a salir tan bien como esperaba. 

'La heredera' es una gran película dramática, con interpretaciones destacables, una buena dirección y una historia que atrapa. Un clásico recomendable con un final memorable.

'Luz que agoniza' (1944)

Contenido relacionado: 'Historias de Filadelfia' (George Cukor, 1940)

Hacer luz de gas

*La siguiente crítica puede contener spoilers

'Luz que agoniza' es una película en la que el drama psicológico y el suspense se mezclan de una forma efectiva, atrapando al espectador desde el primer momento. Cukor, muestra una trama sencilla en la que casi todas las cartas se muestran desde el inicio. La película es un remake de la británica 'Luz de gas' (Thorold Dickinson), pero ambas parten de la base teatral escrita por Patrick Hamilton.

Paula Alquist (Ingrid Bergman) es una joven feliz y risueña que se enamora locamente de Gregory Anton (Charles Boyer), un aclamado pianista. Al comienzo de su relación todo resulta maravilloso e idílico. La pareja no tarda en casarse y persuadida por su marido deciden ir a vivir a Londres, concretamente a la casa de la tía de Paula; una casa unida a un recuerdo que aterra a la joven. Una vez instalados en la casa, la felicidad de la pareja comienza a desvanecerse; la eterna sonrisa de Paula empieza a apagarse y su idílica relación se convierte en una autentica pesadilla. Su hogar se convierte en una cárcel de la que no puede salir (Gregory se encarga de ello). 

'12 años de esclavitud' (2013)

De hombre libre a esclavo

Contenido relacionado: 'Hunger' (2008), 'Shame' (2011)

'12 años de esclavitud' es el tercer largometraje del británico Steve McQueen. Basada en un hecho real, el director lleva a la pantalla la historia de Solomon Northup (Chiwetel Ejiofor), un músico negro y libre, que vive junto a su familia en Nueva York. Solomon busca trabajo. Dos jóvenes entusiastas le proponen formar parte de un circo, aprovechar su gran talento como violinista y convertirlo en la estrella de su inigualable espectáculo. Solomon se deja engatusar por las bonitas palabras de los dos desconocidos. Pero a partir de ese día, su vida se convierte en un infierno. Los dos desconocidos drogan al músico y lo venden como esclavo. Le arrebatan su libertad a cambio de unas monedas.

'Lincoln' (2012) - La abolición de la esclavitud y Daniel Day-Lewis

La Guerra Civil está llegando a su fin. Aprovechando la situación, Abraham Lincoln propone que la decimotercera enmienda se apruebe antes del fin de la guerra. Es de vital importancia que dicha enmienda, que abolirá la esclavitud, se acepte cuanto antes, ya que si la guerra finaliza antes de su aprobación, el Sur tendría el suficiente poder para rechazarla y mantener así la esclavitud. Para lograr su objetivo, Lincoln necesita convencer a 20 representantes demócratas para que voten a favor de la enmienda.

'Lincoln' no es un biopic. En la película, Steven Spielberg nos muestra un momento clave en la historia de Estados Unidos; para eso opta por una forma clásica, sin grandes artificios. Una historia narrada desde la sencillez formal, con un personaje principal que tiene un objetivo claro que lograr.

'LOS MISERABLES' (Les Miserables, 2012)

La inquietud del pueblo, su canción y la revolución

Dentro del género musical 'Los Miserables' está considerado como una de sus grandes obras. En esta ocasión, la adaptación cinematográfica del musical basado en la novela escrita por Victor Hugo, arriesga con el uso de la voz en directo. El director, arriesga en la forma al darle muchísima presencia a los primeros planos durante todo el metraje.

Dirigida por Tom Hooper ('El discurso del rey'), 'Los miserables' se sitúa en el límite entre el musical y la ópera ya que los diálogos "hablados" casi no existen. Suena redundante ya que se trata de un musical, pero 'Los miserables' es una película cantada. El hecho de que los actores canten en directo hace que las canciones tengan un toque especial. Es fácil ver el dolor, el ansia de libertad y la necesidad de perdón y/o redención que tienen los personajes.

La siguiente crítica contiene spoilers.

Francia, siglo XIX. La pobreza cada vez es mayor en el páis. Mientras que el pueblo muere de hambre, la burguesía luce elegantes trajes y se pasea por el pueblo sin importarle demasiado lo que le rodea. Jean Valjean (Hugh Jackman), es un fugitivo perseguido por el policía Javert (Russell Crowe). Valjean ha cumplicado casi 20 años de condena por robar una barra de pan para poder alimentar a su sobrino. Nunca ha conocido el bien y no tiene demasiada fe en hallarlo. Tras salir y romper su libertad condicional, busca un lugar donde poder dormir, comer y/o trabajar. Un documento le marca de por vida y su súmero de preso, el 24601, lo perseguirá siempre. Valjean encuentra refugio en una iglesia, un lugar dónde perdonarán su imprudencia. Tal inesperado perdón hará reflexionar a Valjean y desde ese momento cambia su forma de hacer frente a la vida. Valjean no desaprovecha la oportunidad que el destino le ha brindado. Sobrevive, prospera y llega a convertirse en alcalde. Ayudará a otros miserables como él.

Los conflictos de 'Los miserables'

Revolución, justicia, amor, perdón, el peso del pasado... son varios de los conflictos que apreciamos en este drama. La pobreza cada vez está más presente y causa más muertes en una sociedad que cada vez está más dividida. Cada individuo sobrevive como puede: roba, venden su pelo o luchan por el resurgir de un espíritu revolucionario que consiga devolver la voz y el poder al pueblo.

Valjean y Javert: el peso del pasado y la identidad del personaje.

Varios años después de su huida, Valjean (que sigue ocultando su pasado), ha logrado cierta estabilidad. El día en el que Javert vuelve a aparecer en su vida, todo cambia. Esta vez es Javert quién trabaja bajo las órdenes de Valjean, pero el fugitivo teme perder en cualquier momento todo lo conseguido. Ahora es el policía quién no le mira a los ojos. Javer no tarda en recordar a ese viejo conocido, a ese fugitivo que lleva años persiguiendo. El pasado vuelve a perseguir al miserable Valjean.

Valjean nunca llega a olvidar su pasado, todo lo que ha sufrido y el hecho de que una persona bondadosa le cambiase la vida por completo sin pedir nada a cambio. Javert, por su parte, es una persona con unos principios inquebrantables. Cumple con su deber. Su idea sobre la justicia es clara: el que roba una vez, siempre será un ladrón. En la escena en la que Valjean le perdona la vida a Javert, por primera vez, vemos que puede que haya un hombre vulnerable tras esa dura fachada, y un hombre confuso también. Al igual que le sucedió a Valjean cuando le ofrecieron alojo en la iglesia al comienzo de la pelicula; Javert descubre que pese a la miseria, sigue habiendo gente bondadosa. La idea lo descoloca y hace que sus principios se tambaleen. Conflicto similar al que vivió Valjean y que le hizo afrontar la vida desde una perspectiva diferente.

El hecho de no ser capaz de enfrentarse a Valjean, de encontrarse con su perdón inmerecido, le crea a Javert un conflicto personal, ya que al desvanecerse sus princpios, al ponerle al borde del precipicio y no cumplir con su labor, todo aquello que define su cáracter y creencias pierde sentido. No hay un lugar en el mundo para él.

Cosette y Éponine: ascenso y descenso

Cosette (Amanda Seyfried) es la hija de Fantine (Anne Hathaway), se aloja en la taberna de los padres de Éponine (Samantha Barks), mientras su madre trabaja a destajo y hace todo lo posible para conseguir dinero para cubrir gastos (vende su pelo, sus muelas, su cuerpo...). Cuando son pequeñas, la pequeña Éponine viste con bonitos vestidos y juega con muñecas nuevas. Cosette, en cambio, vive en la miseria, trabaja barriendo la taberna y se conforma con un trapo para jugar. Cuando crecen, la situación cambia.

En el momento en el que Valjean pasa a hacerse cargo de Cosette, la vida de la joven mejora. Ahora Cosette es una joven burguesa con pomposos vestidos, mientras que Éponine vive en la miseria, robando junto a sus padres. Las dos jóvenes están enamoradas del mismo chico, Marius (Eddie Redmayne), un joven burgués revolucionario. Aunque comparte amistad con Éponine, Marius se enamora a primera vista de Cosette. Desde el momento en el que Valjean decide cuidar a la hija de Fantine, surge en él un sentimiento paternal que nunca pensaba que iba a llegar a sentir.

Marius, Enjolras y Gavroche: la revolución

Rojo y negro. Marius es un burgués dispuesto a  luchar por una nueva Francia y por una revolución que devuelva el poder al pueblo y que termine con la miseria. Su compromiso con el movimiento revolucionario se pone en jaque cuando conoce a Cosette. Marius representa el futuro.

Enjolras (Aaron Tveit) es el líder del movimiento revolucionario y está decidido a morir por eso en lo que cree. Está seguro de que en el momento en el que la revolución llame al pueblo, el pueblo responderá. Junto a Marius y Enjolras nos encontramos a uno de los pequeños grandes personajes de la película: Gavroche. El jovenzuelo refleja la vitalidad y el espíritu revolucionario que defienden Marius, Enjolras y los demás. Junto a Gavroche caerá pero no desaparecerá el sueño revolucionario.

La película defiende la necesidad de devolver el poder al pueblo y la lucha por la igualdad de clases y por los derechos del individuo. El tema 'Do you hear the people sing?', la canción del pueblo, pone los pelos de punta y está lleno de rabia. El pueblo está harto de que los de arriba traten como a ratas a los ciudadanos. Las revolución también se da a nivel personal ya que los personajes tienen que sacrificar sus principios para salvar a otros. La realidad les pone a prueba constantemente.

La dirección de Tom Hooper

La impresión que me ha dado la dirección de Tom Hooper es la de que el proyecto le ha quedado un poco grande. Su mano se nota demasiado. Los elementos dentro de los planos están cuidados y aunque en más de un momento sus decisiones me parecen acertadas en otras da la impresión que la única motivación del director es estética.

Todos los personajes de 'Los miserables' saben que están siendo juzgados, sea por Dios o por el espectador. Los personajes en más de una ocasión parece que dirigen sus miradas, sus testimonios y dudas hacia el público (o si no dirigen su canto al cielo) en largos primeros planos.

Otro elemento formal que utiliza Hooper en más de una ocasión es el plano casi cenital. Un punto de vista tomado desde arriba, desde "el cielo". Elección relacionada con lo explicado antes, la necesidad de obtener una respuesta divina y que sirve también para reflejar la sensación de sentirse juzgados por algo que está fuera de su alcance.

Por otro lado, Tom Hooper arriesga grabando cámara en mano. Hay demasiado movimiento y demasiados planos en ciertas ocasiones. El montaje no es del todo limpio. Es un modo que sirve para enfatizar la idea de inquietud que viven tanto el pueblo como los personajes; pero al mismo tiempo hace sentir inquieto al espectador. Puede que cumpla con su objetivo, pero entorpece la narración en ciertos momentos.

Decisiones acertadas o no, Hooper ha intentado rodar uno de los grandes musicales de la manera más cinematográfica posible. En conjunto, su historia me parece notable, el reparto es muy bueno también. La música impresiona y el final es muy emotivo.  Es un poco larga pero también lo es la obra teatral, por lo que no hay demasiado que reprochar en ese sentido.

Hugh Jackman y Russell Crowe protagonizan un interesante duelo interpretativo. Hugh Jackman vence, ya que el rol de Valjean parece estar hecho a su medida. Russell Crowe en cambio, no logra reflejar con su voz toda la ira que refleja con su mirada.

Samantha Barks brilla como la enamorada y sufridora Éphonine. Una mujer que no quiere entrometerse en la relación de su amigo Marius y que sacrifica sus deseos para ver feliz al hombre que ama en secreto. Es una de las gratas sorpresas de la película. Amanda Seyfried, en cambio, o quizás sea el personaje de Cosette, aunque sea uno de los ejes de la historia es el personaje que menos me ha gustado. Su dulzura parece chocar con el dolor de los demás personajes y su repentino amor resulta demasiado casual.

'Los miserables' me parece una película recomendable para los amantes del género y también para los que quieran disfrutar de una buena historia.

'TIGRE Y DRAGÓN' (Crouching Tiger, Hidden Dragon, 2000)

La lucha como forma de comunicación

'Tigre y Dragón' fue una película oriental que en el año 2000 captó la atención del público occidental y de los académicos estadounidenses ya que obtuvo 10 nominaciones a los Oscar logrando 4 estatuillas. La película dirigida por Ang Lee supuso un soplo de aire fresco en el subgénero de las películas sobre artes marciales. Las luchas que vemos en la película, aparte de estar coreografiadas de una manera sensacional y de tener bastante fuerza visual no se limitan a los golpes. Ang Lee nos presenta la lucha entre dos personas como una manera de comunicación, una nueva forma de diálogo entre rivales que sirve para conocer mejor el carácter del otro. Las miradas comprensivas se mezclan con golpes desafiantes y certeros.

Tras años de meditación Li Mu Bai, un experto en artes marciales, deja en herencia a su mejor amigo su pertenencia más valiosa, la Espada Celestial. Por otra parte, le pedirá a su mejor amiga y poderosa guerrera Yu Sha que sea la encargada de custodiar la espada hasta el momento de la entrega. Li Mu Bai y Yu Sha están secretamente enamorados, nunca se han atrevido a expresar lo que el uno siente por el otro, ya que siempre han dado prioridad a la necesidad de encontrar la paz interior, a la meditación. En el camino la pareja conocerá a Jen Yu, una joven luchadora que no está dispuesta a aceptar el destino que le han impuesto. De cierto modo Jen Yu (la inocencia) es el reflejo de una joven Yu Sha (la experiencia).

Jane Eyre (2011) - Jane y el señor Rochester

Hay bastantes versiones sobre Jane Eyre, como la versión de 1944 con Orson Welles y Joan Fontaine, o la versión de la BBC; que leyendo comentarios parece ser la preferida por las seguidoras de la historia escrita por Charlotte Brontë hace ya más de dos siglos. No he visto las anteriores, así que por el momento mi 'Jane Eyre' es la dirigida por Cary Fukunaga.

Jane Eyre (Mia Wasikowska) es una chica que ha sido educada en un estricto orfanato. Siente curiosidad por todo lo que le rodea. Desde pequeña la han marginado tanto su tía y sus primos, como en el mismo orfanato, con el objetivo de reeducar su conducta 'maligna'. Está constantemente pensando y analizando como debe actuar. Es una mujer rebelde rodeada de una burocracia interesada. Es un alma pura que no tiene miedo a expresar y decir lo que realmente piensa, su única ley es el respeto a si misma. Tras pasar unos años en el orfanato empieza a trabajar como institutriz en la enorme casa del señor Rochester (Michael Fassbender). Una casa barroca, fría, un poco aterradora y que esconde un secreto.

El señor Rochester se sentirá atraído por la pureza de Jane Eyre, por lo natural y diferente que es ella, cree haber encontrado en ella a su alma gemela. Le fascina todo lo que ocurre dentro de la cabeza de la joven institutriz, el desconocer lo que piensa le fascina. Jane Eyre nunca ha hablado con ningún hombre por lo que se muestra fría y correcta ante el señor Rochester. La atracción entre ambos es evidente, pero Jane parece no darse por aludida cuando Rochester le expresa cómo se siente. No se atreve actuar ante lo que desea.

Una bonita y triste historia de amor. La película empieza cuando Jane huye de la casa de Rochester y se encuentra con St John Rivers (Jamie Bell), este y sus hermanas la ayudarán a salir adelante. Después entramos en un flashback donde nos explican el porqué de la huida de Jane Eyre. El uso de la iluminación natural me ha gustado, ya que convertía la casa de Rochester en algunos momentos en algo aterrador. La banda sonora de Dario Marianelli es genial. La interpretaciones son buenas también, Mia Wasikowska consigue su papel más importante tras ser la Alicia de Tim Burton; y de Michael Fassbender qué decir aparte de que está en estado de gracia y que tiene una voz que hace que el señor Rochester sea más atractivo aún (en VO claro está). También aparece Judi Dench como el ama de llaves, en un papel secundario. Me encanta esta actriz, hace que una buena película se convierta en algo mejor. La película, me ha gustado.

Lo que el viento se llevó (1939) - Una película convertida en leyenda

Hoy en día se realizan muchas superproducciones, algunas sin sustancia y otras a tener en cuenta. Aún así, puede que no haya ninguna tan grande como lo fue en su día "Lo que el viento se llevó". Una película convertida en leyenda del cine, que revisándola hoy en día sigue manteniendo frescura. Difícil de igualar. La película grabada en 1939 (un muy buen año cinematográfico) y en un impresionante tecnicolor estuvo rodeada de polémica y todo Hollywood estaba pendiente de su rodaje. A partir de el estreno de "Lo que el viento se llevó" descendieron las producciones de cine en blanco y negro.

Basada en la novela homónima de Margarett Mitchell, todas las actrices querían convertirse en Scarlett O'Hara y encontrar a su Rhett Butler. El productor David O. Selznick tardó unos dos años en encontrar a la actriz que reuniera todas las cualidades que él buscaba, quería a la perfecta Scarlett ya que estaba segurísimo de que su película iba a convertirse en un clásico. Al casting se presentaron grandes actrices como Barbara Stanwyck, Joan Crawford o Katherine Hepburn. Pero el papel recalaría en una joven británica, Vivien Leigh. Decisión que al parecer no gustó mucho a los americanos, pero que resulto ser perfecta.

La película tuvo varios cambios de director, entre ellos estuvieron George Cukor y Victor Fleming. Este último es el que aparece como director en los créditos. Se puede decir que más que de director es una película de productor (como la mayoría entonces), David O. Selznick fue el verdadero artífice de la monumental película. O. Selznick, para bien o para mal, manejaba todos los hilos de la producción. Es una de las películas más taquilleras de la historia del cine, tiene una duración cercana a las 4 horas y fue la película más cara rodada hasta entonces.

Tiene muchas escenas míticas, muchas frases para el recuerdo, y un final redondo. Me gusta el carácter chulesco de Rhett Butler frente a la vida y la evolución de su personaje de cara a convertirse en alguien más humano, y me gusta el final agridulce de la película. Aunque Rhett y Scarlett hayan terminado para siempre con un casi censurado "Frankly my dear, I don't give a damn", Scarlett responde optimista con un "After all, tomorrow is another day"