'Al encuentro de Mr. Banks' (2013)

“Con un poco de azúcar…”

Walt Disney se enamoró de las historias protagonizadas por Mary Poppins, el maravilloso y mágico personaje creado por P.L. Travers. El señor Disney hizo una promesa a sus hijas, no descansaría hasta conseguir los derechos cinematográficos de la novela para poder llevar a Mary Poppins a la gran pantalla. Lo que no esperaba Disney es que la batalla resultase tan dura y agotadora. Tras años negándose, la señora Travers decide viajar a Los Ángeles y escuchar las propuestas del señor Disney y su equipo creativo. La película está basada en hechos reales.

'Argo' (2012) - Ben Affleck y su rescate

Thriller, intriga, acción, drama, comedia, cine dentro del cine... Son muchos los géneros que podemos apreciar en 'Argo', tercer largometraje de Ben Affleck. El actor-director los mezcla de manera coherente y eficiente, y se consolida como uno de los más prometedores directores actuales. Ben Affleck ha encontrado su sitio en la dirección, y no lo hace pero que nada mal.

En 1979, la CIA y el gobierno canadiense colaboraron en una misión de rescate en Irán. Un grupo de iraníes había ocupado la embajada de los Estados Unidos en Teherán. La mayoría de los trabajadores fueron retenidos, pero seis de ellos lograron escapar y protegerse gracias a la ayuda de la embajada canadiense. La película se centra en esos seis huidos. Lo que al principio parecía una idea brillante, no resultó ser tan buena como ellos pensaban, en el momento en que los iraníes se dieron cuenta de la huida, los seis fueron acusados de espionaje. Es decir, en caso de que les encontrasen, seguramente, serían ejecutados públicamente.

'La invención de Hugo' (2011) - La magia de Méliès

Martin Scorsese dirige esta aventura ambientada en el París de los años 30. Un homenaje a los inicios del cine. Hugo Cabret es un niño que tras la muerte de su padre no le queda otra que vivir en la estación de tren de París. Hugo  trabaja dando cuerda a los grandes relojes de la estación sin que nadie lo sepa.

Su padre era relojero y le enseño todo sobre sus complejas maquinarias. Hugo Cabret está empeñado en arreglar un curioso robot que encontró su padre, viviendo así la mayor aventura de su vida. El joven Hugo tiene una teoría, si el mundo es una maquinaría en constante funcionamiento, es porque su esa maquinaría es perfecta, no sobra ninguna pieza. Todos tenemos una función para que esa maquinaría siga en funcionamiento, todos tenemos algo que decir en este mundo. Por eso, y para que toda pieza cumpla su función, Hugo Cabret se encargará de arreglar todas aquellas "maquinas" que estén rotas. 

La película comienza como una aventura y termina como un gran homenaje a los inicios del cine; haciendo referencia tanto a la parte documental con los hermanos Lumière; como a las primeras ficciones a cargo de George Méliès. No me lo esperaba, por lo que esa parte me ha sorprendido. 'La invención de Hugo' es una película bonita. Scorsese defiende el cine como una fábrica de sueños donde todo es posible, y que mejor ejemplo que la magia de George Méliès para demostrarlo. Por eso salgo del cine con la sensación de si el encanto de la película reside en la magia del cine de Méliès, o en la realización e historia de Scorsese. 

Durante la proyección en el cine hubo un pequeño detalle que me hizo algo de ilusión, escuchar a los niños que había en la sala reirse (y mucho) con Harold Lloyd, Keaton, Méliès y distintas imágenes de archivo. 

En el 2011 tres han sido las películas más loadas en las candidaturas ha distintos premios, y curiosamente las tres homenajean al pasado: 'Midnight in Paris', 'The Artist' y 'La invención de Hugo'. En la original y última joya de la filmografía de Woody Allen viajamos al Paris de los años 20 mediante la nostalgia de su protagonista. En 'La invención de Hugo' también viajamos a un colorido París, cercano a la fábula. Los franceses hicieron al revés, se acercaron a Hollywood, a los inicios del cine sonoro, realizando un bonito homenaje con 'The Artist'. En el 2011, 'The Artist' se ha salido vencedora, pero lo que verdaderamente ha triunfado ha sido el cine y sus orígenes. 

'CINEMA PARADISO' (Nuovo Cinema Paradiso, 1988)

'Cinema paradiso' es una de las películas más queridas de la historia del cine, por el homenaje que hace al séptimo arte, su memorable banda sonora y su emotivo final. La película empieza con el protagonista en su hogar, Salvatore, ya adulto y convertido en un exitoso realizador. Salvatore parece vivir una vida vacía, no parece estar feliz. Una noche recibe una llamada, "Alfredo ha muerto". La noticia le deja hundido. Tumbado en la cama sin poder dormir, empieza a recordar su infancia, cuando era feliz, allá por finales de los años 40. Época en la que la televisión no existía aún, en la que los habitantes de un pequeño pueblo italiano se reunían día tras día de forma casi rutinaria en el Cinema Paradiso para ver los últimos estrenos (películas neorrealistas como "La terra trema" de Visconti o superproducciones épicas como "Ulysses").

Alfredo es el proyeccionista del Cinema Paradiso, un hombre que ama su trabajo pero también sabe que implica cierto sacrificio, es un trabajo solitario. Salvatore, entonces más conocido como Toto, es un curioso niño al que le fascina el cine, cada fotograma y sobre todo el trabajo de Alfredo. Tras un incendio durante una proyección Alfredo se quedará ciego. Pese a su ceguera seguirá acudiendo todos los días al cine y con la ayuda de un joven Toto seguirá realizando su labor de proyeccionista. Compartirán conversaciones sobre cine, le explicará cómo funciona el proyector y le enseñara a usarlo, Alfredo usará diálogos de películas para dar consejos a Toto sobre la vida. Toto encuentra en Alfredo a un padre, a un amigo, a un confidente y a un mentor. 

Curiosos personajes secundan la historia de Toto como el cura censor que no está dispuesto a tolerar ningún beso en pantalla justificando que "eso en la vida real no ocurre" o el acomodador. La banda sonora de Ennio Morriconne es perfecta, sobre todo el track "Love theme".

Toto se irá del pueblo bajo el consejo de Alfredo ("Desde hoy ya no quiero oírte hablar, quiero oir hablar de ti") y no volverá hasta 30 años después. Tiempo en el que el cine ha perdido su capacidad de reunión, el Cinema Paradiso está a punto de ser derruido. La aparición de la televisión ha cambiado la manera de ver las películas. Una película en la que viajamos al feliz pasado de Salvatore. Amor,alegría, tristeza ... un emotivo final que te deja con una lágrima a medio caer mientras sonríes como una idiota (mi parte favorita de la película). Un final que une nostalgia con felicidad, y en la que reside gran parte del éxito de la película.

Toto durante una proyección

Hay dos versiones de la película, la original o 'el montaje del director' dura entorno a las dos horas y media, pero debido al poco éxito que tuvo está primera versión en Italia decidieron acortarla media hora. Cinema Paradiso es una película con muy buenas críticas tanto de público como de los mismo críticos. Ganó el Oscar a Mejor Película de Habla no inglesa.

The Artist (2011): Una experiencia de cine

Hoy he viajado en el tiempo, he viajado a Hollywoodland, he viajado exactamente al año 1927. Desde que he sacado la entrada sabía que iba a ver algo diferente, una propuesta original y arriesgada en tiempo de ruido y remakes. ¡Gracias Michel Hazanavicius!

Eran las cinco de la tarde cuando compré mi entrada para ver la película. Advierten que no se puede meter comida en la sala. Al fondo a la izquierda, Sala 8. Una sala que tiene un toque especial, también es un escenario de teatro. La pantalla está enmarcada y a los lados se ve el telón. Nada mejor para sentirse cómo en los comienzos del cine. Apagan las luces. Empieza... The Artist.

George Valentin (Jean Dujardin, impresionante, carismático, elegante...) es una de las grandes estrellas del momento, la vida le sonríe; tiene fama, tiene dinero... hasta que la llegada del cine sonoro pone su mundo patas arriba.  Se niega a rodar con sonido, su orgullo no se lo permite. Piensa que no tiene futuro. Los productores le dicen que es hora de dejar paso a los jóvenes. No hay sitio para él. Ante ese panorama George Valentin se hunde, se arruina, desprecia todo lo que le rodea. Esta sólo en un mundo que se ha olvidado de él. Su brillo se ha apagado, poco a poco se va ahogando en unas arenas movedizas de las que no es capaz de salir. Por otra parte tenemos a la protagonista femenina, Peppy Miller (una carismática Bérénice Bejo), que verá como su carrera asciende a pasos agigantados. La casualidad les unió. Peppy Miller le debe todo a George Valentin, ya que entró en el cine gracias a él. Algo que no olvidará nunca.

Ningún elemento está usado en vano, como por ejemplo, los carteles y títulos de las películas que aparecen. Vemos a un triste George caminar cerca de un cine que anuncia la película "Lonely star". Más tarde veremos a Peppy Miller en el cartel de la película "El ángel de la guarda". Eso es lo que es ella, Miller es la protectora de Valentin. 

Es una película en un precioso blanco y negro, grabada con maestría en ¡4:3!. Una película que hay que vivirla en el cine. ¡Es puro cine! Las palabras no son necesarias para contar una historia (los inter-títulos no son demasiados). Una película en la que la banda sonora es suficiente para dar fuerza a las emociones (verla con una orquesta en directo como hacían antes sería lo máximo). Hay momentos en los que no hay música, en los que no se escucha absolutamente nada. En los que nos quedamos "sordos" frente a la imagen. Silencio absoluto en el cine. El público intenta aguantar la respiración para no molestar. Increíble, en serio. Hay varios momentos sonoros en la película pero no le hacen perder su magia, al contrario, la hacen más especial aún. La escena del sueño de George es simplemente genial; el momento de desesperación rompiendo sus películas te llega al alma, y el final... me ha hecho sentirme cómo una espectadora frente a un clásico de los de antes. Una oportunidad única para experimentar el mejor cine. Tras 100 minutos que se hacen cortos, en la sala sólo se ha escuchado una cosa... Aplausos.

Cantando bajo la lluvia (1952) - El mejor musical de la historia

Ya he comentado que junto a 'El crepúsculo de los dioses' (1950), 'Cantando bajo la lluvia' (1952) es la película que mejor plasma el tránsito del cine mudo al sonoro. Mientras que la película de Wilder se centra más en los efectos que tuvo sobre una persona en particular; la película codirigida por Gene Kelly y Stanley Donen muestra el cambio que supuso en la industria y en las producciones la incorporación del sonido. También muestra el efecto que tuvo sobre algunos actores y actrices, por entonces estrellas del celuloide, que debido a sus "inapropiadas" voces y/o acentos, se vieron apartados del cine. Todo desde un punto de vista más cómico.

'Cantando bajo la lluvia' es una de mis películas favoritas. Gene Kelly, Donald O'Connor y Debbie Reynolds son el trío perfecto. Irradian simpatía y carisma por todos los lados. Los números musicales son increíbles, medidos a la perfección. Cine dentro del cine. El número de "Broadway Melody", el más extenso de la película, se puede considerar un cortometraje. En este vemos a un jovenzuelo (Gene Kelly) algo "despistado" intentar cumplir su sueño de triunfar en Hollywood. La incredulidad de la gente del cine al ver el primer vídeo sonoro. Las clases de dicción para los actores. El uso de micrófonos por primera vez. Independientemente de los números musicales es una gran película con un guión muy elaborado. Los números musicales, todos ellos, son geniales. Texto y música se complementan a la perfección. El musical más redondo que existe.

La mayoría de los temas de la película son temas "reciclados" del archivo musical de la MGM. Adaptados, con nuevos arreglos, ahora van unidos a la película, y es imposible separarlos de ella. El día de su estreno, la película no tuvo mayor relevancia, y pasó bastante desapercibida. Pero, el público y el tiempo la han puesto en el lugar que se merece (al igual que ocurrió con "Que bello es vivir" (1946) de Frank Capra): en lo más alto.

Es difícil elegir sólo un número o escena, yo voto por este: "Moses Supposes"

Cine dentro del cine: 'El crepúsculo de los dioses' (1950) , 'The Artist' (2011) 

'EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES' (Sunset Boulevard, 1950)

Norma Desmond y el fin del Hollywood dorado

Hay dos películas que plasman perfectamente los cambios que generó el paso del cine mudo al sonoro. Dos películas opuestas en tono, ya que una es un melodrama y la otra es una comedia musical. 'Cantando bajo la lluvia', considerada una de las películas más felices de la historia del cine, acerca el problema de forma divertida, hablando del doblaje y encontrando la comicidad en ese aspecto y en las primeras pruebas del uso del sonido en cine. La película que trato en esta entrada en cambio es más oscura. Trata de cómo hizo que una gran estrella quedará en el olvido. Como las palabras y el sonido ahogaron a una diva del cine, la magistral 'El crepúsculo de los dioses'.

Billy Wilder nos narra, usando como portavoz a Joe (William Holden), la historia de Norma Desmond (Gloria Swanson), una estrella del cine mudo que vive encerrada en su enorme mansión. Desde los primeros minutos sorprende el planteamiento de la historia, ya que el narrador está muerto. Es Joe quién narra los hechos que han tenido lugar, nos narra su propio asesinato. El asesinato de Joe resulta ser la excusa dramática para mostrar lo que verdaderamente importa y es el eje principal de la película: la decadencia de una estrella del cine mudo y su locura. Para que la película resulte más impactante aún, Billy Wilder recuperó para la gran pantalla a Gloria Swanson (inolvidable es su papel de Norma Desmond), Buster Keaton, Eric von Stroheim y Cecil B. De Mille, iconos de la época dorada del cine hollywoodiense y grandes nombres dentro de la Historia del cine.

Los diálogos y monólogos de la película son maravillosos. La película está llena de frases memorables, llenas de crítica y rencor hacía un cambio que supuso la ruina de muchos.

"Hubo un tiempo en el que tenían los ojos del mundo entero. Pero eso no era suficiente para ellos. Oh, no. Tenían que tener los oídos de todo el mundo. Así que abrieron sus bocazas y empezaron ¡a hablar, hablar, hablar!" - Norma Desmond.

En ese momento Norma Desmond demuestra su desagrado hacia el cine sonoro. También aleja de sí un microfóno que le golpea levemente la cabeza cuando entra en un estudio. Norma Desmond sueña y desea volver a rodar, volver al cine para complacer a sus "seguidores" que le siguen mandando cartas. Pone todas sus fuerzas en ello, contrara a Joe para que sea el guionista de su retorno. La presión le supera y enajena.

En el cine mudo todas las interpretaciones eran muy gestuales, exageradas incluso y los escenarios eran enormes, barrocos. Todo lo que rodea a Norma Desmond sigue ese patrón. Su interpretación es muy gestual, sus manos se mueven de forma hipnótica delante de la pantalla, todo favorece al melodrama.

Billy Wilder sabía como dar un buen cierre a sus películas y en está ocasión no iba a ser menos. El final de 'El crepúsculo de los dioses' es uno de los mejores rodados de la historia del cine. Todo lo que significa Norma Desmond se resume en esa escena. Ella, la diva, la gran estrella centro de todos los focos (de los periodistas), el mayordomo que le sigue el juego y le acompaña, sus pasos pausados, sus movimientos fluidos, esa manos que se acerca a la cámara, esa mirada totalmente perdida, la locura... que se desvanece delante de la cámara y del espectador. Una obra maestra del cine, y sobre el cine.

"Ya lo ve, esta es mi vida. Siempre lo ha sido. No hay nada más. Sólo nosotros, y las cámaras, y esa maravillosa gente ahí fuera, en la oscuridad. Muy bien, Mr. De Mille. Estoy lista para mi primer plano" - Norma Desmond.