'Magia a la luz de la luna' (2014)

Ilusiones

Contenido relacionado: 'Midnight in Paris' (2011), 'Blue Jasmine' (2013)

Con mayor o menor fortuna en su resultado, Woody Allen sigue manteniendo una capacidad de producción admirable. El director neoyorkino lleva desde 1982, si no me equivoco, realizando una película por año. En este último trabajo Allen traslada la acción a la Francia de los años 20 y realiza una disfrutable comedia romántica con la que pasar una buena tarde.

Colin Firth interpreta a Stanley, un famoso mago e ilusionista que disfruta desenmascarando las trampas que utilizan las médiums para sacar dinero a la gente. Un mago meticuloso y perfeccionista, que intenta tener todo bajo control. Su carácter es algo arisco y ve la vida de forma pesimista. Defiende la racionalidad de las cosas, siempre tiene que haber una justificación o una lógica en los hechos. De cierto modo el "vende" ilusiones, que sus espectadores compran; aunque vayan predispuestos a ser "engañados". 

'El gran hotel Budapest' (2014)

Herencias y cuadros

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El estilo del estadounidense Wes Anderson es bastante reconocible. Sus películas suelen seguir una paleta de color similar (es el director de color "amarillo" por así decirlo), realiza rápidos zooms y movimientos de cámara y abundan los primeros planos. Aparte de eso, sus personajes suelen ser peculiares, algo excéntricos y más bien fríos a la hora de relacionarse o en un aspecto más "emocional". La acción tiene lugar en enormes decorados y maquetadas, ya sea la de una casa familiar de muchos pisos, un submarino o como es el caso, un hotel. Pero si hay un elemento que destaca entre todos es el poder visual de sus imágenes y la simetría que hay en cada plano. Todos esos elementos los encontramos en su nuevo trabajo: 'El gran hotel Budapest' una muy entretenida comedia repleta de caras conocidas que forman parte de esa "familia Anderson" que no deja de aumentar. El estilo Anderson en todo su esplendor.

'El intercambio' (2008) - Un par de detalles

Contenido relacionado: 'Los puentes de Madison', 'J. Edgar', 'Million Dollar Baby'

 ‘El intercambio’ es una película que muestra la lucha de una madre para encontrar a su hijo desaparecido. Clint Eastwood es el encargado de dirigir esta historia ambientada a finales de los años 20, y que toma como punto de partida un suceso real. ‘El intercambio’ mezcla drama e intriga, y trata temas como la corrupción, la mentira, la locura o la lucha individual. La película reúne varios de los elementos característicos del cine de Eastwood, pero la película no me ha llegado tanto como otras de las grandes obras del director estadounidense. El desarrollo del personaje de Christine Collins (Angelina Jolie) me ha dejado un poco fría. Pese a ello, hay varios elementos y escenas que me han encantado.

'EL GRAN GATSBY' (The great Gatsby, 2013)

El misterioso Jay Gatsby

Nueva York, años 20. Nick Carraway (Tobey Maguire) es un joven que acaba de empezar a trabajar en Wall Street y que aspira a cumplir el sueño americano. Carraway vive en una pequeña casa alejado del centro de la ciudad y justo al lado de la gran mansión de Gatsby.

Parece que nadie conoce realmente a Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio). ¿Fue un espía nazi? ¿Un asesino? ¿Contrabandista? ¿Héroe de guerra? Muchos son los rumores que rodean al misterioso y millionario vecino de Carraway. Gatsby celebra extraordinarias fiestas a las que todo el mundo acude, pese a que gran parte de los asistentes no conocen a Gatsby en persona. Lo poco que sabemos del personaje podría estar más cerca de la ficción que de la realidad. Carraway, como narrador y escritor de la historia es quien se encarga de presentarnos a Gatsby. De un día para otro Carraway empieza a formar parte de una extravagante alta sociedad en la que soy hay lugar para las fiestas y los excesos.

Pero, ¿quién es Jay Gatsby?

No sabemos si lo poco que nos han dicho sobre Gatsby es verdad o es mentira. De familia humilde, Gatsby ha logrado fortuna y éxito, ha logrado "el sueño americano" que desea realizar Carraway. Pero todo lo que Gatsby ha hecho durante su vida tiene un único objetivo y se aferra e esa única idea: recuperar a Daisy (Carey Mulligan), la que fue su amor de juventud.

Gatsby está enamorado de una idea, de un pasado y de un romance que lleva idealizando desde hace cinco años, desde el primer momento que conoció a Daisy Buchanan. Gatsby lo tiene todo calculado. Cree tener el plan perfecto para recuperar a Daisy. Ha logrado todo lo que piensa que ella podría desear: una gran mansión, fortuna... Gatsby es optimista y nunca pierde la esperanza, siempre intenta alcanzar esa luz verde que observa noche tras noche desde su casa. Está empeñado en reconstruir su pasado.

Pero Gatsby no lo tendrá fácil. Daisy ahora está casada, no parece ser una mujer muy feliz, pero tampoco parece tener claro que es lo que realmente desea. En realidad, no quiere estar sola. Vive a la sombra de su marido, recuerda a Gatsby con tristeza pero es consciente de que el tiempo perdido no se recupera en dos días. Es curioso el tratamiento que tiene el personaje de Daisy, ya que parece que todos deciden previamente por ella, y que ella no tiene palabra en el asunto. Parece una mujer objeto.

Gatsby consigue todo lo que se propone, tiene dinero para ello. Es ambicioso. Aspira al cielo para recuperar un momento fugaz. Todo lo que le rodea es exagerado y artificial. Pero tanto artificio esconde una inmensa soledad. Está rodeado de hipócritas y gente interesada. De "compañeros". 

Demasiado artificio

Baz Luhrmann es un director, peculiar. Luhrmann es el director de películas como 'Romeo + Julieta de William Shakespeare' (1996) (protagonizada también por Leonardo DiCaprio) o del maravilloso musical 'Mouling Rouge' (2001). Su estilo se puede definir como algo videoclipero: filtros, movimientos de cámara rápidos, zoom exageradísimos, montaje rápido... Elementos que a veces funcionan y otras veces no encajan tan bien. En esta ocasión la sensación que crea es de mareo y confusión que no ayuda a asimilar toda la información que nos están dando al comienzo de la película, ni ayuda a conectar con la historia. Es fácil ver similitudes entre la forma de 'El gran Gatsby' y la de 'Moulin Rouge', incluso hay planos y momentos muy similares. Pero lo dicho, lo que en el musical funciona bastante bien, aquí no lo hace tanto.

En 'El gran Gatsby' hay drama, hay romance, también hay comedia, celos, sueños, infidelidades, esperanza y  mucha extravagancia. Como sucede en las fiestas organizadas por Gatsby, todo es exagerado y hay demasiado artificio que en ocasiones hace que la propia historia que en un segundo plano.

Pese al lujo, el colorido, la (buena) banda sonora... la película parece que se queda en la superficie, ya que todo el artificio parece tener más importancia que el contenido en sí. Da la impresión de que conocemos a ese misterioso Gatsby mucho antes de que nos lo cuente Carraway y que al final no añaden nada que no supiésemos ya desde la mitad de la película. Pero al mismo tiempo, la sensación de si lo que nos han contado es cierto o no, no llega nunca a desaparecer. 

El trabajo de los actores me ha parecido bueno. Tobey Maguire interpreta a Nick Carraway, narrador y único amigo de Gatsby, el único "compañero" que lo conoce de verdad. Leonardo DiCaprio, como suele ser habitual, realiza un trabajo notable: su personaje se pone nervioso al hablar de Daisy, pero también es exagerado en sus fiestas. Eso sí, he echado en falta química entre él y Carey Mulligan, o mejor dicho, entre los personajes de Gatsby y Daisy. Puede que esa chispa que lleva intentando recuperar ya no exista o que Luhrmann no lo haya sabido plasmasr. Es una relación algo fría. 

La idealización del amor de juventud, los sueños que terminan por convertirse en pesadilla... La película tiene algún que otro momento brillante, otros tiernos... pero también otros muchos superficiales (las fiestas ocupan mucho tiempo), por lo que no me ha llegado a emocionar. Colorida en la forma, fría en su desarrollo. Entreteniene, pero no entusiasma.  

'Blancanieves' (2012) - ¿El mismo cuento de siempre?

En el 2012 tanto el cine como la televisión optaron por “explotar” a uno de los personajes más conocidos de los Hermanos Grimm: Blancanieves. Un total de tres películas y una serie de televisión escogieron como protagonista las aventuras de la joven princesa luchadora. De las tres adaptaciones cinematográficas que se estrenaron el pasado año, la propuesta de Pablo Berger era y es la más atractiva, interesante y completa.

Pablo Berger le da una vuelta a la ya conocida historia y la convierte en una película muda. Es su particular homenaje a los inicios del cine. Un año antes del estreno de ‘Blancanieves’, otra película muda triunfó por todo el mundo: ‘The Artist’ (película que se hizo con todos los premios imaginables); quizás eso le quite cierto “efecto sorpresa” a la película de Berger; pero aunque comparten formato, la ‘Blancanieves’ muda de Pablo Berger logra sorprender al espectador, tanto en su contenido como en su forma.

'Carros de fuego' (1981) - Olimpíadas y victoria

No es necesario haber visto la película para que cuando suene la banda sonora de Vangelis, automáticamente te venga a la cabeza un grupo de atletas corriendo por la orilla del mar. Esa escena, y sobre todo, la música, se han convertido en icono de la deportividad y de la lucha por la victoria.

Tras la Primera Guerra Mundial, Harold Abrahams y Eric Lidell son dos atletas que tienen como objetivo participar en las Olimpíadas de París, en 1924. Abrahams es judío, ambicioso y arrogante. Su único objetivo en la vida es ganar, para él no sirve de nada luchar para perder. El ansia por la victoria es lo que rige su vida. Su única aspiración: ser el mejor. Dice que lucha por su país, por los suyos; en mi opinión, lucha contra sí mismo. Lidell es escocés, misionero y muy católico. La victoria es su naturaleza. También es algo arrogante, pero nunca pierde los papeles. Lidell afirma correr por su Dios.

'Con faldas y a lo loco' (1959) - ¡Nadie es perfecto!

Una de mis primeras entradas en este blog trataba sobre esta película, en concreto sobre el control que tenían tanto Billy Wilder como I.A.L Diamond sobre el guión, y lo importante que era para ellos que en está película se respetasen y se marcasen pausas. Como ejemplo puse la escena de las maracas.

Como la ya nombrada escena me sabía a poco, he decidido volver a hablar de esta gran comedia y comentar nuevos aspectos que la convierten en una de mis películas favoritas.

'Con faldas y a lo loco' es una película en la que nada es lo que parece. Al principio, por ejemplo, vemos una persecución en la que disparan a un coche fúnebre, pero en este no hay ningún muerto, el ataúd está lleno de alcohol. Joe (Tony Curtis) y Jerry (Jack Lemmon) han sido testigos de un asesinato, tienen que huir, y para conseguirlo se disfrazarán de mujer y se unirán a una banda de música formada exclusivamente por mujeres. En esta banda conocerán a Sugar (Marilyn Monroe), ambos intentarán captar su atención. Pero lo dicho, nada es lo que parece.

Hay tres escenas de está película que me gustan mucho. Una de ellas es la de "las maracas" en la que Jerry le dice a Joe que se acaba de prometer con Osgood. Otra es la escena del tango, y la última es el gran final.

Mediante un montaje paralelo que hace que la escena gane comicidad vemos por un lado a Joe y a Sugar en el yate de Osgood; y por el otro a Jerry y a Osgood bailando un “apasionado” tango. Repito, nada es lo que parece. Primero, Joe disfrazado de millonario tiene la intención de seducir a Sugar, pero eso no es lo que ocurre exactamente; ya que es Sugar quién seduce a Joe. Pero lo que más me interesa es la otra parte, la de Jerry y Osgood. Mientras escuchamos una y otra vez “La comparsita” vemos a Jerry/Daphne controlando la situación, dirigiendo, pasándoselo de maravilla, empieza a sentir y sobre todo, se cree su personaje. 

La otra escena, la del final ya es conocida por todos. Es un final muy bueno, redondo, la frase se ocurrió a I.A.L Diamond, y aunque no les convencía demasiado decidieron probar suerte. Y la tuvieron.

En las películas de Wilder siempre podíamos ver a personajes imperfectos, ya que la vida es imperfecta. La frase final defiende esa idea. Me encanta está película, grabada en blanco y negro, llena de ironía y sarcasmo, con Jack Lemmon en una de sus mejores interpretaciones, y Tony Curtis formando una atractiva pareja con Marilyn Monroe. Nada más que añadir. Puede que se me haya olvidado algún detalle, pero… ¡nadie es perfecto!

'J.Edgar' (2011) - "La información es poder"

Las dos últimas películas de Clint Eastwood ("Invictus" y "Más allá de la vida") me decepcionaron. No me llegaron como lo hicieron "Gran Torino" o "Million Dollar Baby". ¿Era el  momento para pensar en jubilarse? No. Eastwood como todo buen vaquero morirá con las botas puestas. Con 'J.Edgar' ha recuperado parte de su esencia.

J. Edgar Hoover fue el director del FBI durante más de 40 años, sobrevivió a 8 legislaturas. Aportó innovaciones tanto a organización como a los métodos de investigación; pero no le tembló el pulso a la hora de jugar sucio. Realizó escuchas ilegales, manipulaba, extorsionaba, amenazaba... y realizaba una copia de todo. "La información es poder" dicen en la película. J.Edgar Hoover la controlaba, toda. Hoover tenía la idea clara de que para "establecer el orden" en la sociedad, esta debe tener miedo. Luchó hasta sus últimos días contra los comunistas, quería encarcelar a todo el que no compartía sus ideas. Los gángsters no tenían que ser héroes, el FBI debía serlo.

Hoover es el narrador de la historia, de SU versión de la historia. La película gana enteros cuando Eastwood deja de lado al personaje y nos muestra a la persona. Conocemos a un hombre que desde pequeño ha estado muy protegido e influenciado por las creencias de su madre, a la que adora. Él siempre fue un niño ante los ojos de ella. Ejercía una enorme presión sobre su hijo. Cuando vemos a la persona, al ser humano que fue Hoover, nos encontramos con un individuo reprimido y que reprime. Sus mayores apoyos son su secretaría Helen Gandy y su mano derecha (y amor frustrado) Clyde Tonson.

La fotografía de la película es oscura como su protagonista principal. Hoover está sumergido entre sombras. Se mueve entre el bien y el mal, juega sucio creyendo hacer el bien. Un hombre que se mira y se enfrenta constantemente al espejo, donde ve el reflejo de alguien que no es.

Eastwood demuestra que tiene buena mano al contar la Historia de su país. Pero quizás le falte fuerza al mensaje u objetivo de la película. El planteamiento de cara al personaje es un poco confuso, puede que el director no quiera posicionarse demasiado, y prefiere que sea el espectador quién juzgue a Hoover.

El cuestionado maquillaje no me ha parecido tan horroroso. DiCaprio realiza un buen y duro trabajo, que se aprecia mejor cuando se libera de la prótesis.

Midnight in Paris (2011) - El carisma del pasado

Aviso, spoilers. Si París es la ciudad de la luz, Woody Allen lo ha sabido plasmar a la perfección en 'Midnight in Paris'. La película tiene una fotografía cuidada y preciosa con los colores un poco saturados que hacen que París se convierta en una ciudad viva. 'Midnight in Paris' tuvo un gran éxito de crítica y público. En EE.UU se convirtió en la película más taquillera de toda la filmografía de Allen, en el mundo recaudó un total de 85 millones de dólares. 'Midnight in Paris' es una película mágica, en la que en los primeros minutos Woody Allen se 'auto-homenajea' haciendo una referencia formal a su película 'Manhattan' (ambas comienzan de una manera similar). Se ha convertido en una de mis películas favoritas de Allen.

El protagonista de la película es Gil Pender (Owen Wilson), un guionista americano que cansado de escribir guiones para Hollywood ha escrito una novela que todavía no se ha atrevido a publicar. En París encuentra el lugar perfecto para dar rienda suelta a su imaginación, idea que su prometida Inez (Rachel McAdams) no comparte.

Un día, a medianoche, Gil se encuentra paseando sólo por las calles de París, cuando un coche antiguo se para frente a él. Ante la insistencia de los ocupantes del coche, Pender se anima y sube. En el viaje se encontrará con algo realmente increíble. Cada noche Gil repetirá su viaje al pasado, a su idolatrado París de los años 20. Se encontrará con Hemingway, Scott Fitzgerald y su mujer, con Dalí, con Buñuel, con Picasso, con Cole Porter... y con Adriana (Marion Cotillard) de la cual se enamorará.

Pender defiende la idea de que cualquier tiempo pasado fue mejor, Adriana comparte esa idea. Ella que forma parte del París de los años 20 que adora Pender; cree firmemente que la verdadera época dorada se encuentra mucho antes, en la "Belle époque" parisina.

Owen Wilson se convierte esta vez en el 'alter ego' de Woody Allen. La novela que está escribiendo trata sobre una tienda de Nostalgia. Gil está perdido en su presente, está aburrido de su trabajo y está empezando a tener dudas sobre su futuro con Inez. Le encantaría haber nacido en otra época. Woody Allen deja claro mediante su inspirado guión que "la nostalgia es negación. Negación del doloroso presente" y añade que "la nostalgia es una noción de que un periodo de tiempo diferente, es mejor que el que estamos viviendo. Es un fallo en la imaginación romántica de esas personas, que encuentran difícil lidiar con el presente".

Ese es el problema que le impide actuar a Gil Pender. Está encantado (quién no lo estaría ...) con sus viajes al pasado, con las fiestas celebradas junto a grandes iconos de la escritura, pintura, arte y/o cine. Pero se dará cuenta de que eso no le llena, que para convertirse en un buen escritor y para encontrar su lugar en el mundo, deberá dejar de lado su obsesión por el pasado y empezar a vivir su presente.

Adriana y Gil paseando cerca del Senna.

The Artist (2011): Una experiencia de cine

Hoy he viajado en el tiempo, he viajado a Hollywoodland, he viajado exactamente al año 1927. Desde que he sacado la entrada sabía que iba a ver algo diferente, una propuesta original y arriesgada en tiempo de ruido y remakes. ¡Gracias Michel Hazanavicius!

Eran las cinco de la tarde cuando compré mi entrada para ver la película. Advierten que no se puede meter comida en la sala. Al fondo a la izquierda, Sala 8. Una sala que tiene un toque especial, también es un escenario de teatro. La pantalla está enmarcada y a los lados se ve el telón. Nada mejor para sentirse cómo en los comienzos del cine. Apagan las luces. Empieza... The Artist.

George Valentin (Jean Dujardin, impresionante, carismático, elegante...) es una de las grandes estrellas del momento, la vida le sonríe; tiene fama, tiene dinero... hasta que la llegada del cine sonoro pone su mundo patas arriba.  Se niega a rodar con sonido, su orgullo no se lo permite. Piensa que no tiene futuro. Los productores le dicen que es hora de dejar paso a los jóvenes. No hay sitio para él. Ante ese panorama George Valentin se hunde, se arruina, desprecia todo lo que le rodea. Esta sólo en un mundo que se ha olvidado de él. Su brillo se ha apagado, poco a poco se va ahogando en unas arenas movedizas de las que no es capaz de salir. Por otra parte tenemos a la protagonista femenina, Peppy Miller (una carismática Bérénice Bejo), que verá como su carrera asciende a pasos agigantados. La casualidad les unió. Peppy Miller le debe todo a George Valentin, ya que entró en el cine gracias a él. Algo que no olvidará nunca.

Ningún elemento está usado en vano, como por ejemplo, los carteles y títulos de las películas que aparecen. Vemos a un triste George caminar cerca de un cine que anuncia la película "Lonely star". Más tarde veremos a Peppy Miller en el cartel de la película "El ángel de la guarda". Eso es lo que es ella, Miller es la protectora de Valentin. 

Es una película en un precioso blanco y negro, grabada con maestría en ¡4:3!. Una película que hay que vivirla en el cine. ¡Es puro cine! Las palabras no son necesarias para contar una historia (los inter-títulos no son demasiados). Una película en la que la banda sonora es suficiente para dar fuerza a las emociones (verla con una orquesta en directo como hacían antes sería lo máximo). Hay momentos en los que no hay música, en los que no se escucha absolutamente nada. En los que nos quedamos "sordos" frente a la imagen. Silencio absoluto en el cine. El público intenta aguantar la respiración para no molestar. Increíble, en serio. Hay varios momentos sonoros en la película pero no le hacen perder su magia, al contrario, la hacen más especial aún. La escena del sueño de George es simplemente genial; el momento de desesperación rompiendo sus películas te llega al alma, y el final... me ha hecho sentirme cómo una espectadora frente a un clásico de los de antes. Una oportunidad única para experimentar el mejor cine. Tras 100 minutos que se hacen cortos, en la sala sólo se ha escuchado una cosa... Aplausos.

Primera plana (1974) - ¿Quién lee el segundo párrafo?

Billy Wilder antes de ser director de cine, incluso antes de ser guionista de directores como Ernst Lubitsch; fue... periodista. En su filmografia hay dos películas que se centran en la labor del periodista, esas películas son "El gran carnaval" (1951) y "Primera Plana" (1974).

La primera película esta protagonizada por Kirk Douglas en el papel de Charles Tatum un periodista con pocos escrúpulos que no duda en alargar la agonía de un minero atrapado en un túnel para conseguir triunfar en el medio. La segunda, "Primera plana", tiene como dúo protagonista a Walter Matthau y Jack Lemmon. Tándem con una química especial que repetirían con Wilder en las películas "En bandeja de plata" (1966) y en lo que fue el último trabajo del director "Aquí, un amigo" (1981) y también protagonizarían, entre otras, la comedia "La extraña pareja" (1968). Funcionaban.

La trama de "Primera plana" o "The front page" se centra en la espera de unos periodistas a la resolución de un juez; es decir, si condenan o indultan al imputado. Es una película que en el año de su estreno no tuvo una gran acogida. Billy Wilder seguía apostando por lo clásico en 1974 y el público parecía estar un poco cansado del clasicismo. Pero eso no le quita ningún mérito a la gran película de Wilder. Es una gran comedia basada en la obra teatral homónima de Ben Helcht y Charles MacArthur que ya fue llevada anteriormente a la pantalla por el que fue uno de los mentores de Billy Wilder: Howard Hawks. La película de la que hablo es "Luna nueva" (1940). Ambas tienen un ritmo muy bueno.

'Primera plana' es una trepidante comedia en la que sin casi cambiar de localización consigue mantener un ritmo perfecto y unos gags brillantes, se mantiene fiel al origen teatral de la obra. Todos elementos están cuidados a la perfección, tiene humor y suspense. Un dúo protagonista magnífico.

Os dejo una escena que enseña como hay que hacer una noticia para captar la atención del lector. Total... ¿Quién lee el segundo párrafo?

Cantando bajo la lluvia (1952) - El mejor musical de la historia

Ya he comentado que junto a 'El crepúsculo de los dioses' (1950), 'Cantando bajo la lluvia' (1952) es la película que mejor plasma el tránsito del cine mudo al sonoro. Mientras que la película de Wilder se centra más en los efectos que tuvo sobre una persona en particular; la película codirigida por Gene Kelly y Stanley Donen muestra el cambio que supuso en la industria y en las producciones la incorporación del sonido. También muestra el efecto que tuvo sobre algunos actores y actrices, por entonces estrellas del celuloide, que debido a sus "inapropiadas" voces y/o acentos, se vieron apartados del cine. Todo desde un punto de vista más cómico.

'Cantando bajo la lluvia' es una de mis películas favoritas. Gene Kelly, Donald O'Connor y Debbie Reynolds son el trío perfecto. Irradian simpatía y carisma por todos los lados. Los números musicales son increíbles, medidos a la perfección. Cine dentro del cine. El número de "Broadway Melody", el más extenso de la película, se puede considerar un cortometraje. En este vemos a un jovenzuelo (Gene Kelly) algo "despistado" intentar cumplir su sueño de triunfar en Hollywood. La incredulidad de la gente del cine al ver el primer vídeo sonoro. Las clases de dicción para los actores. El uso de micrófonos por primera vez. Independientemente de los números musicales es una gran película con un guión muy elaborado. Los números musicales, todos ellos, son geniales. Texto y música se complementan a la perfección. El musical más redondo que existe.

La mayoría de los temas de la película son temas "reciclados" del archivo musical de la MGM. Adaptados, con nuevos arreglos, ahora van unidos a la película, y es imposible separarlos de ella. El día de su estreno, la película no tuvo mayor relevancia, y pasó bastante desapercibida. Pero, el público y el tiempo la han puesto en el lugar que se merece (al igual que ocurrió con "Que bello es vivir" (1946) de Frank Capra): en lo más alto.

Es difícil elegir sólo un número o escena, yo voto por este: "Moses Supposes"

Cine dentro del cine: 'El crepúsculo de los dioses' (1950) , 'The Artist' (2011) 

Con faldas y a lo loco (1959) - Escena

Con faldas y a lo loco ("Some like it hot") es una de las comedias más conocidas de Billy Wilder, y mejor valoradas de la historia del cine. Su éxito se encuentra en que sobrevive muy bien al paso del tiempo. Se estrenó en 1959 y todavía mantiene su frescura. Cada vez que la emiten en algún canal, no puedo evitarla verla entera.

Billy Wilder firmó junto a I.A.L Diamond un guión perfecto. Wilder sabía marcar el ritmo mediante el diálogo, sabía donde colocar las pausas. Ejemplo de ello es la siguiente escena. La escena original producía tales carcajadas en el público que impedían escuchar claramente el diálogo, cosa que disgustaba a el director. Wilder quería que el público escuchase todo lo que Jack Lemmon tenía que contar. Les parecía un diálogo tan bueno, que no permitiría que el público se perdiese ninguna palabra. ¿Cual fue la solución? Las maracas.

Jack Lemmon improvisa un baile y golpea las maracas cada vez que termina una frase. La decisión permitió que el público se riese a gusto y que no se perdiese ningún gag escrito por Wilder e I.A.L Diamond.