'MYSTIC RIVER' ('Mystic River', 2003)

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El viaje de Dave

Sean Penn, Tim Robbins y Kevin Bacon forman parte del espléndido y oscarizado reparto de 'Mystic River', un drama repleto de intriga que agarra al espectador y no lo suelta hasta su final (cómo ya sucede en otras películas del director). Clint Eastwood dirige y compone la banda sonora de esta fría y dura historia. El trabajo de fotografía de Tom Stern también merece ser destacado ya que mediante el poder de sus imágenes y un uso expresivo de la iluminación, el director sumerge a los personaje en las penúmbra y entre sombras logra crear una atmósfera acorde a los sentimientos de los protagonistas. Una forma habitual en el cine de Eastwood para añadir significado y dramatismo a esos momentos, expresando más que lo que las palabras puedan expresar. Esos claroscuros ya son parte identificativa de sus películas. La justicia, la venganza y la presunción de inocencia son algunos de los temas que trata 'Mystic River' y que ponen en jaque y al límite a los personajes.

Jimmy Markum (Sean Penn), Dave Boyle (Tim Robbins) y Sean Devine (Kevin Bacon) crecieron juntos en el mismo barrio de Boston. Cuando no eran más que unos críos, se pasaban el día jugando y haciendo alguna que otra gamberrada. Uno de esos días, a Dave le sucedió algo que cambiaría para siempre la vida del grupo. A partir de ese momento, nada vuelve a ser igual entre ellos. Un viaje condiciona la vida de los tres protagonistas. Veinticinco años después, otro trágico suceso vuelve a unir a la cuadrilla: el asesinato de la hija de Jimmy. Sean es policía encargado de la investigación. A partir de ese instante, el pasado, la culpa y la desesperación por encontrar a un culpable empiezan a hacer mella en los protagonistas.

El siguiente análisis contiene spoilers.

Se puede decir que Clint Eastwood juega con la idea o el recurso del falso culpable, ya que conduce al espectador a que se fije en un señuelo, creando un ambiente tenso e incómodo. Nos oculta parte de la información de ese pasado que poco a poco va saliendo a la luz. Las acciones están medidas y/o calculadas para que ese triángulo formado por Jimmy, Dave y Sean se vaya rompiendo poco a poco.

"¿Cuándo fue la última vez que viste a Dave?"

En ese sentido, me resulta interesante la evolución del personaje de Dave, interpretado por Tim Robbins; y sobretodo, como muestra esa evolución el director; como juega con las sospechas y como muestra ese cambio mediante distintos recursos visuales. Eastwood manipula al espectador poniendo en el punto de mira a Dave, que resulta ser el sospechoso equivocado. Para ello, el guion sitúa dos sucesos en el mismo tiempo y lugar; dando vía libre a esa confusión.

Dave vive y protagoniza el mismo camino en dos ocasiones; por ese motivo, en lo que al aspecto formal de la película se refiere, Eastwood opta por repetir el mismo esquema visual o elección de planos. Una estructura y encuadre similar de Dave sirve para comparar el pasado y el presente.

Dave es tímido y es el más callado de los tres. Curiosamente, es el único al que no le da tiempo a firmar en el cemento antes de que los falsos policías le obliguen a subir a un coche. Es el chico sin firma, sin identidad, sin nombre. A partir de ese momento, atrapado y mirando desde la ventanilla del coche; el joven Dave deja de existir. Dave escapa, pero ahora solo es una silueta en la ventana de su casa. Huye, pero no olvida.

Se puede decir que Dave muere dos veces: la primera sería su muerte simbólica, la muerte de sus sueños de juventud. La muerte que se da en ese momento en el que sube al coche y causada por los posteriores abusos sufridos. La segunda sería la muerte literal. Como he comentado antes, las dos escenas, relacionadas también narrativamente, tienen un desarrollo visual similar.

Dave empieza a mezclar recuerdos; mientre sobre el joven muerto (ya que se refiere simbólicamente a él mismo). Su confesión lleva a malinterpretaciones. Ese momento, además, aunque sea de forma indirecta, volvemos a ver la silueta de Dave. Qué recuerda a esa silueta del niño atormentado que ya vimos anteriormente. Dave opta por actuar, del mismo modo que también lo decide Jimmy.

"¿Y si tú o yo hubiéramos subido a aquel coche en vez de Dave Boyle?"

Jimmy, interpretado por Sean Penn, no ha superado la pérdida de su hija. Necesita encontrar un culpable y esa necesitad termina por cegarle. Para Jimmy ya no hay lugar para la presunción de inocencia y deja a la justicia de lado. En el presente, al igual que en el pasado, deja de lado a la justicia. Sean es el único que hace todo lo posible para actuar acorde a las leyes, el único que cree en el valor de la justicia. El asesinato de su hija se suma al sentimiento de culpa con el que lleva cargando desde ese día que vio a Dave marcharse en ese coche. Por eso, cuando Jimmy mata a Dave, se quita dos fuertes cargas de encima: sacia su ansia de venganza y esa necesidad de encontrar a un culpable (lo sea o no) y entierra su pasado. 

Curiosamente, al final de la película hay una celebración, el sol brilla en una película gris. Jimmy y Sean parece que se sienten liberados. Una de las grandes obras de Eastwood.

'El francotirador' (2014)

'EL FRANCOTIRADOR' (2014)

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'El francotirador' es el último trabajo de Clint Eastwood. Una película que ha recibido etiquetas de todo tipo, y que su mensaje o la historia que muestra ha creado cierta polémica. No es la primera vez que Eastwood se acerca al género bélico. Hace ya unos años, en el 2006, realizó esa pareja de películas complementarias que forman 'Banderas de nuestros padres' y 'Cartas desde Iwo Jima'. En esa ocasión, Eastwood mostró el conflicto desde dos puntos de vista distintos, en este caso no sucede así. En la traducción del título de la película, se pierde un pequeño matiz, 'American Sniper' especifica que la historia se va a centrar en las hazañas de un francotirador americano, y ese punto de vista es el que domina durante toda la película. La película ha sido todo un éxito en EE. UU.

En la película no tardan en definir a los buenos y a los malos. Si aplicamos el discurso que el padre de Kyle defiende ante sus hijos, los estadounidenses serían el rebaño de ovejas que necesita protección en esa situación y los iraquíes los amenazantes lobos. Entre ambos, se encontrará Chris Kyle, en medio, siendo el pastor dispuesto a defender a su rebaño.

Bradley Cooper interpreta a Chris Kyle, el francotirador que se convierte en el eje de la historia. Cazador, cowboy y soldado; muchas figuras o roles icónicos para los estadounidenses se ven reflejados en él. Tras el atentado del 11-S, Kyle decide alistarse y se convierte en un SEAL, tras superar un durísimo y violento entrenamiento. Su decisión es voluntaria, pero cada vez se siente más obligado a defender a su país, y cargará con ese peso.

Kyle participa en cuatro despliegues, y sus decisiones para cumplir su objetivo cada vez parecen más egoístas. Su papel de "protector", se convierte en obsesión. Cumple con su función, mató a más de 150 personas y salvó la vida de muchos soldados estadounidenses. Sus compañeros le apodaron como "el gran salvador" y "la leyenda". La guerra es su sitio, los soldados su familia. La guerra su hogar, EE.UU. un territorio desconocido.

Pero, quién es Chris Kyle? Un héroe o un asesino? El espectador será quién juzgue al personaje y sus acciones; un personaje ambiguo en ese sentido. Al menos, la "honorabilidad" de sus acciones, se puede cuestionar. Dos territorios, dos Chris Kyle. Uno, el que sabe quién es y dónde está su sitio, el soldado, el mito. Otro el que repele esa etiqueta, el que ayuda a veteranos, el padre, el que sufre de estrés postraumático. Vivo en guerra, muerto en sociedad.

Teniendo en cuenta lo anterior, he echado en falta cierto equilibrio entre los dos conflictos principales. Cuando vuelve a casa, no es capaz de desconectar, de ser feliz o incorporarse a la sociedad. Su mujer le pide que se quede, él es incapaz de hacerlo. La situación de los soldados tras la guerra era un tema interesante, que hubiese estado bien desarrollar algo más.

Aún así, la película me ha parecido entretenida, y siendo su discurso lo más cuestionable, en otros aspectos no está mal. La película se apoya en la buena dirección de Eastwood y en su montaje, dota de tensión a varias escenas de acción y algunas son impresionantes como el clímax con la tormenta de arena.

'SIN PERDÓN' (Unforgiven, 1992)

William Munny

Decían que el western era un género que había quedado en el olvido hasta que Clint Eastwood decidió resucitarlo y dar una vuelta de tuerca al género. El alumno se convierte en maestro. 'Sin perdón' es uno de los mejores trabajos del director. La película no solo es un notable western arriesgado y pesimista, tiene algo más. Eastwood reinterpreta algunas de las características del western con acierto. No hay atractivo en el heroísmo; sino crudeza, frialdad y culpa. Los protagonistas no son héroes, son criminales.

William Munny (interpretado por Clint Eastwood) es un asesino retirado que quiere enterrar su pasado criminal. Era un borracho al que no le temblaba la mano a la hora de matar tanto a mujeres como a niños. Un hombre sin escrúpulos y con la conciencia sucia y las manos manchadas de sangre. Ahora es el barro el que sustituye a la sangre. Viudo y con dos hijos, intenta sacar a su familia adelante como puede cuidando de unos certos que se han puesto enfermos. Claudia, su mujer, cambió su vida, su carácter y ahora no está dispuesto a tirar por la borada todo lo que logró la mujer de su vida. Quizás ese cambio sea el mejor recuerdo que puede conservar de su mujer. William Munny intenta actuar de forma correcta, enterrar ese pasado que tanto le pesa y que le quita el sueño. Pero todo parece jugar en su contra y la necesidad le obliga a volver a las andadas. Aunque los años pesan sobre él, acepta un último trabajo.

Una prostituta ha sido brutalmente atacada y le han dejado la cara repleta de cicatrices. Sus compañeras han reunido el dinero necesario para contratar a un asesino a sueldo y poder vengarse, imponiendo la justicia que el sheriff Litte Big les ha denegado. En 'Sin perdón' el papel de la mujer no se queda en un segundo plano como sucedía en gran parte de los westerns. En este caso, las mujeres son las que dan el primer paso, las que deciden pasar a la acción y acudir en busca de ayuda.

William Munny no está solo, recibe la ayuda de Ned Logan y de Schofield. Munny no tiene cuentas pendientes, no debe nada a nadie, ni tienes ganas de vengarse. Pero, por mucho que intente convencerse a sí mismo de que ya no queda nada de aquel frío criminal que fue, ¿está seguro de ello?

Las trágias circunstancias juegan en su contra y es ahí donde Eastwood recupera la idea sobre el "mito" y el heroísmo. Eastwood por un lado intenta desmitificar al héroe, pero por otro acaba creando un nuevo mito. Quizás el único que merece ser considerado como tal. Pero siendo fiel a la idea de que no hay nada de atractivo ni loable en ser un héroe del lejano oeste.

El antihéroe, el mito desmitificado, el papel de la mujer, el resentimiento, el pasado... Un western oscuro tanto en concepto como en su forma. El desarrollo de William Munny pasa de las luces a la penumbra, a la par que su sentimiento y carácter. Todo ello reflejado, como suele ser común en sus películas como director, con un magnífico trabajo de fotografía que culmina en un clímax en una noche bajo la lluvia. Una de las grande obras del género, totalmente recomendable para quién no haya visto la película.

El biógrafo, la creación y la desmitificación del mito

Biógrafos, prensa, cuentos… Narraciones al fin y al cabo. En más de una ocasión en los westerns nos narran una versión de la historia, por eso los personajes (y el público) puede cuestionar la veracidad de la misma. Es un recurso utilizado en la sublime ‘El hombre que mató a Liberty Valance’ (John Ford, 1962) o en la más reciente ‘El llanero solitario’ (Gore Verbinski, 2012) por ejemplo.

En 'Sin perdón' tenemos a la figura del biógrafo, el encargado de reflejar la heroicidad de los caza recompensas, de crear héroes y villanos; y también de destruir mitos. El asustadizo biógrafo de Bob “el inglés” (Richard Harris), ha acompañado al caza recompensas durante un tiempo, escribiendo sus hazañas y convirtiéndole en una especie de héroe. Algo que detesta el sheriff del lugar, Little Bill (Gene Hackman). Un sheriff que no permite el uso de armas en el pueblo y que se encarga de impartir su justicia mediante golpes y latigazos. Un hombre detestable que no muestra aprecio alguno por las mujeres, por los ingleses, ni piedad por los que él considera culpables. Little Bill es el primero en reírse de los falsos mitos del oeste, pero tampoco hace ascos a crear el suyo propio. El biógrafo destruirá el mito de Bob ‘el inglés’, para crear el de ‘Little Bill’. Después es cosa del espectador crear o no crear el de William Munny. 

'El intercambio' (2008) - Un par de detalles

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 ‘El intercambio’ es una película que muestra la lucha de una madre para encontrar a su hijo desaparecido. Clint Eastwood es el encargado de dirigir esta historia ambientada a finales de los años 20, y que toma como punto de partida un suceso real. ‘El intercambio’ mezcla drama e intriga, y trata temas como la corrupción, la mentira, la locura o la lucha individual. La película reúne varios de los elementos característicos del cine de Eastwood, pero la película no me ha llegado tanto como otras de las grandes obras del director estadounidense. El desarrollo del personaje de Christine Collins (Angelina Jolie) me ha dejado un poco fría. Pese a ello, hay varios elementos y escenas que me han encantado.

Personajes de Cine (12) - William Munny

'Sin Perdón', 1992. William Munny es un asesino a sueldo retirado. Viudo, vive en una granja con sus hijos. Para poder salir adelante, tendrá que hacer un último trabajo. En el pasado a William Munny no le temblaba la mano a la hora de matar niños o mujeres. Ahora, con su último trabajo, tendrá que fijarse un límite, controlar su ira,  para no volver a ser el violento Will Munny de tiempos atrás. Una reinvención del clásico héroe del género. ¿Lo conseguirá?

Dedicado a @AhoraCriticoYo

Más 'Personajes de cine'

'J.Edgar' (2011) - "La información es poder"

Las dos últimas películas de Clint Eastwood ("Invictus" y "Más allá de la vida") me decepcionaron. No me llegaron como lo hicieron "Gran Torino" o "Million Dollar Baby". ¿Era el  momento para pensar en jubilarse? No. Eastwood como todo buen vaquero morirá con las botas puestas. Con 'J.Edgar' ha recuperado parte de su esencia.

J. Edgar Hoover fue el director del FBI durante más de 40 años, sobrevivió a 8 legislaturas. Aportó innovaciones tanto a organización como a los métodos de investigación; pero no le tembló el pulso a la hora de jugar sucio. Realizó escuchas ilegales, manipulaba, extorsionaba, amenazaba... y realizaba una copia de todo. "La información es poder" dicen en la película. J.Edgar Hoover la controlaba, toda. Hoover tenía la idea clara de que para "establecer el orden" en la sociedad, esta debe tener miedo. Luchó hasta sus últimos días contra los comunistas, quería encarcelar a todo el que no compartía sus ideas. Los gángsters no tenían que ser héroes, el FBI debía serlo.

Hoover es el narrador de la historia, de SU versión de la historia. La película gana enteros cuando Eastwood deja de lado al personaje y nos muestra a la persona. Conocemos a un hombre que desde pequeño ha estado muy protegido e influenciado por las creencias de su madre, a la que adora. Él siempre fue un niño ante los ojos de ella. Ejercía una enorme presión sobre su hijo. Cuando vemos a la persona, al ser humano que fue Hoover, nos encontramos con un individuo reprimido y que reprime. Sus mayores apoyos son su secretaría Helen Gandy y su mano derecha (y amor frustrado) Clyde Tonson.

La fotografía de la película es oscura como su protagonista principal. Hoover está sumergido entre sombras. Se mueve entre el bien y el mal, juega sucio creyendo hacer el bien. Un hombre que se mira y se enfrenta constantemente al espejo, donde ve el reflejo de alguien que no es.

Eastwood demuestra que tiene buena mano al contar la Historia de su país. Pero quizás le falte fuerza al mensaje u objetivo de la película. El planteamiento de cara al personaje es un poco confuso, puede que el director no quiera posicionarse demasiado, y prefiere que sea el espectador quién juzgue a Hoover.

El cuestionado maquillaje no me ha parecido tan horroroso. DiCaprio realiza un buen y duro trabajo, que se aprecia mejor cuando se libera de la prótesis.

'Million dollar baby' (2004) - Scrap, la conciencia de Frankie Dunn

Million Dollar Baby no es una película sobre el boxeo. El boxeo es una mera excusa (un MacGuffin) para contar la historia de dos personajes solitarios. Dos personajes que intentan combatir la realidad que les golpea constantemente. Ellos son Frankie Dunn (Clint Eastwood) y Maggie Fitzgerald (Hillary Swank). Tras la insistencia de Maggie; Frankie se convertirá en su entrenador. A partir de ese momento Maggie se hará respetar y se creará un vínculo muy fuerte entre alumna y entrenador. También está el personaje de 'Scrap' (Morgan Freeman) de vital importancia, del que más tarde hablaré.

Frankie tiene una hija que no quiere saber nada de él, por esa razón encontrará en Maggie a la hija que perdió y que no fue capaz de recuperar. Frankie y Maggie se complementan. "Million Dollar baby" se convierte en una historia de amor paterno-filial. La escena-secuencia de la que hablo pertenece al clímax de la película. En esta escena se aprecia un elemento característico de las películas de Eastwood: la iluminación, las sombras y claroscuros (el director de fotografía es Tom Stern, que ya ha colaborado con Eastwood en varias ocasiones). La iluminación es un elemento muy expresivo y difícil de manejar. Toda sombra nos cuenta algo.

Esta escena es muy oscura y con una luz bastante fría. Vemos a Frankie Dunn destrozado, sintiéndose culpable de lo que le ha ocurrido a Maggie; sumergido en sus miedos, apunto de perder lo que más le importa y de tomar la decisión más importante de su vida. Todo ese miedo lo refuerza la iluminación, los claroscuros. El ver a Eastwood sumergido en sombras impresiona. Y es aquí cuando hablo de 'Scrap'. Fiel amigo de Frankie Dunn, es la voz de su conciencia. Y en el plano se aprecia ese vínculo. Una enorme sombra de 'Scrap' se zampa a Frankie. Él es el narrador. Él conoce todos los movimientos que va a realizar Frankie Dunn. Él le deja actuar.

'Millon Dollar Baby' me parece una de las mejores películas como director y como actor de Eastwood. El final es muy duro, 'knockea' al espectador; pero a la vez está lleno de amor y de ternura. El modo en el que Frankie le dice a Maggie el significado de 'Mo cuisle', lo resume todo: http://bit.ly/titilC

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'LOS PUENTES DE MADISON' (The bridges of Madison County, 1995)

El poder de la mirada

'Los puentes de Madison' es un gran drama romántico dirigido y protagonizado por Clint Eastwood (y uno de mis favoritos del género). Robert Kincaid (Clint Eastwood) es un fotógrafo que trabaja para la revista National Geographic. En su visita al condado de Madison conoce a Francesca (Meryl Streep) una madre de familia que vive tranquila pero atrapada en un modo de vida rutinario. Entre ellos surge una historia de amor imposible.

Hay dos escenas en esta película que adoro, ya que sin usar ni una palabra lo dicen todo. Ejemplos de buena dirección y de emoción. La primera de esas escenas es la escena de la cena. Una llamada de teléfono del marido mientras el fotógrafo escucha en la mesa. Francesca apoya su mano sobre el hombro de Robert. Robert coge de la mano a Francesca mientra sigue hablando por teléfono. A continuación suena "I see your face before me" y se dejan llevar. El uno frente al otro. No existe nada más. Delicadeza.

La segunda escena no puede ser otra que el momento del clímax, el final de la película. La escena del coche y la lluvia. Hay una crítica que me parece que resume de maravilla lo que expresan las dos escenas, dice así: "el silencio es la principal excusa. No hay acción, y sin embargo la pasión empapa la pantalla en cada palabra sin pronunciar, en cada mirada desviada".

Como sucede en la anterior escena, el clímax de la película también me parece un maravilloso ejemplo de buena dirección y uso de los recursos tanto visuales como sonoros. Y también del montaje. Francesca, empapada, espera dentro del coche a que llegue su marido. En ese momento aparece Robert. No hay palabras entre ellos, solo miradas que se cruzan. Es un momento clave para Francesca ya que tiene que tomar la decisión de dejar atrás todo lo que tenía y vivir la vida que, aparentemente, desea vivir. Francesca ha dedicado toda su vida a su marido e hijos y está atrapada en la rutina.

Rota de dolor, la constante lluvia refleja cómo se siente Francesa. La tensión entre los personajes es increíble y eso que ni siquiera comparten espacio. Con una sola mirada puedes entender lo que les pasa por la mente. Un trueno suena justo cuando el marido entra en el coche. Malo. Arrancan. Un semáforo.

Robert está en el coche de delante mientras Francesa observa. Francesca ve a Robert "encerrado" por la ventanilla de la furgoneta. Malo. Aunque deseemos que Francesa se baje del coche y corra hacia los brazos de Robert, Eastwood como director ya nos está diciendo que lo que Francesa desea es algo imposible, que está "fuera de su realidad o posibilidades". Ese plano "encerrado" puede simular un fotógrama, algo que no es real y que se aleja.

El marido de Francesca, nervioso, empieza a pitar para que Robert avence. Robert arrance y se aleja. Francesca ha perdido su oportunidad. Su marido cierra la ventana del coche desde la cual vemos alejarse a Robert, poniendo punto y final a su apasionada historia de amor. La puesta en escena está cuidadisíma, los detalles que se aprecian tras ver la escena en más de una ocasión... Pueden parecer rebuscado, pero son apreciaciones subjetivas.

'Los puentes de Madison' me parece una película tremenda. Eastwood un gran director. Meryl Streep ofrece una de las mejores interpretaciones de su carrera. No hay nada comparable a la mirada de Francesca viendo alejarse a Robert.

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